波普设计运动是一场前卫而又面向大众的设计运动，兴起与20世纪60年代的英国并波及欧美。波普艺术是为了改善英国设计落后的地位而产生的。波普设计运动的思想根源是从美国大众文化中而来的。波普设计与当时主流的国际主义风格、理性主义、减少主义的待征背道而驰。其特点是①利用现实生活中任何可利用的视觉元素作为绘画和设计的素材。②采用夸张变形的手法，运用到产品设计中。③强调色彩和图案的平面效果。
波普艺术极大冲击了传统美学的设计标准，它比传统美学更适应当时的消费人群，极大提高了人们的审美层次。在波普艺术的兴起与冲击下，传统美学越来越没有新意，枯燥和重复的设计使得设计师开始注重对设计目的的考虑，逐渐面向商业化，这也促进了传统转向现代的进度。吸收了波普艺术的现代设计让人们注重绘画与设计的紧密性，在一定程度上对现代设计的多样化有着正面作用。在受到波普艺术冲击后的现代艺术摒弃了传统单调的设计模式，运用多样化的手法来丰富设计的形式，这样的表现形式使更多设计师勇于打破传统观念，创造出更加丰富、新颖的作品。波普艺术在设计上的影响是巨大的，对于启发后来的设计，启发设计师的想象力与创造力都具有一定的影响与作用，这种影响，极大地拓展了设计思考的层面推动了设计观念的发展，对现代设计的影响还包括带来了新的设计理念与思路。所以在今天我们依然可以看到波普设计的作品，这些作品仍然丰富着我们的生活。

“兼相爱，交相利”在尊崇墨子思想的国度里，他希望人人都能互助互爱，多为对方着想，把别人的事也看做是自己的事一样地关心，这就是所谓的兼爱、交利。对于设计而言，给我们的启发也有启发和指导意义的。设计为人，关心人，以给人们提供便利，为社会发展进步而不懈精进的设计思想。
在工艺美术运动期间，莫里斯就反复强调设计的两个基本原则，即：1、产品设计和建筑设计并不是为少数人服务的，而是为千千万万的人服务的；2、设计工作是集体的活动，而不是个体劳动。这两个原则都在后来的现代主义设计中发扬光大。
20世纪80年代美国著名设计理论家维克多·帕帕纳克提出《为真实的世界设计》并出版，对设计界产生了颠覆性的影响。他认为设计应为世界上的大多数人服务，而不是为少数富裕国家服务，尤其是为第三世界国家服务，他还将设计的目光转向特殊群体。在他的影响下，日本和瑞士的很多设计即是以此为出发点，体现出对每一个个体的深切关怀的设计，是对人的普遍的爱的证明。帕帕纳克的这种伦理关怀与先秦时代墨子的”兼爱“有着诸多共同之处。

二战后“现代主义”经过在美国的发展成为战后“国际主义”风格
六七十年代以来发展到巅峰影响世界各国的建筑、产品、平面设计风格
“国际主义”风格首先在建筑设计上得到确立
从根源上看“国际主义”风格与“现代主义”设计运动是同源虽然形式上相似但意识形态的内容差距很大
国际主义设计源于现代主义建筑设计代表金钱权势，企业化商业设计风格菲利普．约翰逊
将这种单纯理性冷漠机式的风格称为“国际风格”。
包豪斯的师生把欧洲的设计探索和现代主义思想带到了美国
形式简单，反装饰性，系统化
设计上受“少即是多”原则影响
50年代下半期发展为形式上的减少主义
大众服务、民主主义、理想主义的对社会问题解决的探索方式

设计本无国界，任何文化背景、任何国别中都有设计的存在, 那么, 在中华文化的语境中, 我国的设计和设计师应该如何将“设计内化”变成具有自身风格的设计。这是当今我国设计行业所面临的最大的设计问题。
一、以人为本的设计理念
解决“设计内化”这一问题的根本, 回到了对“人”的关注, 抛开一切设计风格, 设计本质就是为“人”所服务的, 如果不能为“人”所用, 那么一切设计形式都是空谈, 而每一个人都是不同的生命个体, 他们的行为都值得设计师认真观察和研究, 只有基于对人及其行为的洞察, 设计师才有可能将心理学、文化、人类历史融入到设计中。
二、设计教育体系的健全
我国的设计理论研究远不如西方国家健全，目前还处在薄弱期，无论是理论体系的构设还是设计院校人才的发掘都存在待改进的地方。而值得肯定的是，如今我国已经意识到这种问题的存在，并且积极推进教育体系改革，比如在全国研究生招生考试中，学术硕士招考中将设计学单独设为艺术学下属的五个一级学科之一，并进一步细分为VR技术及应用、产品创意设计等二级学科，国家广泛纳收设计人才，中国的优秀青年努力学有所成，为设计业添砖加瓦。
三、设计师的个人意识
接续中国设计教育的改革，西方的设计教育界也对前任院校有所继承批判。以古探今，拿乌尔姆设计院校来说，乌尔姆对设计的理解与包豪斯有所不同，其对设计师作用和职责的清醒认识，使他们认识到设计不是一种表现而是一种服务，通过培养确定这种服务意识，使学生这些未来的设计师明确自己在人类建设事务中的有限地位，即使是在设计这种工业与美学结合的事务中，设计师也不是高人一筹的艺术家，他必须具备一种谦逊合作的素质和团队精神，对于中国的设计师来说，学习这种意识并将其内化显得尤为迫切。
综上所述，我国的设计问题的解决主要是设计理念需大力加强、设计教育体系需不断完善以及潜移默化培养设计师的个人意识三大方面，相信我国意识到这些问题并不断改善，在未来某一天，我国的设计也会璀璨夺目，实现具有中国特色的自身风格的设计。

传统手工艺，随着时代发展科学技术进步、审美变化，传统手工艺与现代设计融合是时势所趋，同时也有助于继承与发扬传统手工艺，让传统技艺手法源远流长。
1传承传统技艺，取其精华去其糟粕
新的现代设计作品的诞生或多或少都带有前人技法、思想的影响，在其传统文化手工艺的基础上，结合当下新时代精神和审美观念，融入自身理解，以迎合现代人审美。传统手工艺带有地域性和强烈的民族色彩，而传统手工艺与现代设计思想的融和，既传承了传统技艺、匠人精神又满足现代设计的需求，最终设计出符合现代人审美标准的产品或作品，实现功能与审美的统一，赋予其新的设计理念和价值内涵。
2大胆创新设计，体现设计多样性
随着社会不断发展，科技不断进步，新材料和新技术的出现的同时也制约传统手工艺的发展，应打破传统手工艺的僵局和现代设计固有西方思维的局限性，大胆创新，探索新的设计思维和模式，创造新的设计与发明。
3增强民族自信，厚植传统文化底蕴
为了避免传统手工艺发展的局限，用现代设计新思维重新考虑传统手工艺的发展趋势和设计定位，深入挖掘其民族文化的精髓，将传统文化发扬光大。
总之，设计与人类活动密切相关，从传统手工艺到现代设计，再到两者融合继承与创新是设计多元发展的必由之路。

天下有之以为利，无之以为用。
"有者”，是实有的物质存在，是看得见、摸得着、有形有状的东西，比如车，饕、室。唯因有车、器，室际的存在，才能够给人们利益，所以这个"有"是发挥效益的客观根据。
如果没有这个"有“可资以为利，"无”的作用便也不存在了。然而车、器、室这三者实有的利益，正借着它们中间的虚空“无”才能发挥作用。
它强调从实际出发。这些从"没有”的实际出发，又从"虚无”的实际出发，同时，重视此两者的利用。

随着大数据时代的来临，大数据背景设计技术与方法不断更新，加之新的传播媒介与承载物料不断涌现，从某种意义上讲，它改变了设计的结构，丰富和更新了设计内容，同时不断创造新的设计形式，推进这设计向前发展，赋予其新的范畴，核心形式和外延领域都发生着巨大的变革。

大数据就是互联网发展的一个环节，对繁杂冗长的数据进行收集利用，针对信息从采集、处理、储存到形成结果的整个过程的计算。大数据类型包括视频和图片，这就涉及到设计领域，设计工作者在数字信息化发达的时代背景下，可以利用大数据，结合新技术和应用，调整优化设计过程，实现以人为本的可持续化的设计。

21世纪的设计已经随着媒介和技术不断演变，成为一种复杂的系统工程，涉及多个领域。就如视觉传达设计而言，已经从二维平面设计到动态化、综合化的三维、四维的设计。设计的目的是为了满足人的需求，而对于设计前期工作是需要大量的数据调研分析需求、寻找痛点、受众定位等等。设计追求的是让消费者受益。在以往的设计中，对于设计对象定位笔了具有较强的主观性，数据收集比较困难，结论相对片面具有较大的局限性，甚至可能是错误的。而如今，可以利用大数据进行分析，进行准确的设计目标定位，再同创新思维结合共同完成设计工作。设计中利用大数据进行目标定位，这对于之后的设计有指导性意义，也是建立正确设计观点和思维方向的前提，为设计研究打下坚实基础。

“以人为本”的设计思想，从上世纪60年代发展至今，已经有五十多年的发展历史，但追根溯源，从1851年英国水晶宫博览会引起的工艺美术运动。到后来的新艺术运动，现代主义运动等“以人为本”的设计思想也在不断的发展演变之中。
直至今日，“以人为本”的设计理念依旧是设计发展的大趋势。“以人为本”的设计中所说的“人”并不是指某一类占比较大的人群，不同年龄的人群对于设计的要求也是不同的。例如在一些公共区域，室外或者室内应该设计一些儿童玩耍的区域。或者适合老年人活动的专门的区域，兼顾不同年龄段的人群，这样的设计更加的人性化，尤其是现在随着社会年龄化的进程，这种考虑到特定年龄群体的设计将会意义重大。“以人为本”的设计也不仅仅是为正常人的设计，还包括残疾人的设计，残疾人中又分为不同的类型，针对不同的类型要有不同的设计。
设计是为人服务的，一切设计要以人为核心，因此在设计过程中必须把人的心理，生理，行为习惯，思维方式等因素考虑在设计当中，从而达到人与产品自然的交流，接受生理，心理，功能与情感的平衡让人感到舒适。

“艺术必须出自于大自然，因为大自然已为人们创造出最独特美丽的造型。”——安东尼·高迪奇幻的脑内世界通过表现力极强的建筑缔造于现实世界中。来源于对大自然的崇拜，建筑师安东尼·高迪在西班牙这片宽宏的地上创造出属于自然而又神秘的异世界，带给后人们无比浪漫的能量。
高迪的出生于西班牙处在欧洲西南角的伊比利亚半岛，中世纪时曾被阿拉伯伊斯兰帝国占领，因此，哥特式基督教艺术和阿拉伯伊斯兰艺术在这里融合，形成了西班牙近代艺术的独特风格，呈现出强烈的表现主义色彩。20世纪著名的个性化艺术家毕加索、诺埃米、达利等也诞生于这块土地。
安东尼·高迪的设计生涯经历了三个阶段：阿拉伯摩尔风格、新哥特式和新艺术风格的混合、以及有机风格。早期作品具有强烈的阿拉伯摩尔风格特点，刚从巴塞罗那的建筑学校毕业的第一个建筑是文森公寓，屋主是瓷器制造商，高迪运用了许多瓷砖铺在屋子的里里外外，处处体现陶瓷的色彩之美，花鸟元素也开始出现在装饰中。后来受到“工艺美术”运动和“新艺术”运动的影响，高迪的设计开始具有新艺术运动的风格，哥特式风格也更加明显，这一时期主要代表作是圣特雷萨斯修道院、卡勒基修道院。
高迪32岁之后，他的设计风格开始成熟，逐渐摆脱了单纯的哥特风格的影响，开始逐步走出自己的风格道路。他的新风格具有有机的特征，同时又带有神秘的、传统的色彩，不少装饰图案都有很强的象征性。为卡尔维家族设计的巴塞罗那住宅是其风格转变的转折点。此转变使他更加具有人性，而不再单纯模仿时尚风格。这时期的代表作有居里公园、圣家族教堂、米拉公寓等。米拉公寓是“新艺术”运动有机形态、曲线风格发展到最极端化的代表作品。完全采用有机主义特点，无论是外表还是内部，包括家具在内，都尽量避免采用直线和平面，整座建筑好像一个融化时的冰激淋，采用混凝土模具成形，全力造成一个完全有机的形态，内部的家具、门窗、装饰部件也全部是吸取植物、动物形态动机的造型，“新艺术”运动对于机械的强烈反感、以及巴塞罗那人对于形式的大胆探索、对于新风格的高度容忍、高迪的丰富想象力和创造力，都可以从这个项目中看到。

威廉莫里斯作为现代设计的先驱者，被称为“现代设计之父”，其设计思想具有的现代性有如下几点：
（1）秉承“师承自然”的绿色设计理念
威廉莫里斯的设计思想强调手工艺，反对机械化生产，对机械泛滥会摧毁自然环境感到担忧。莫里斯所设计的壁纸，地毯，瓷砖等装饰图案的设计，均来自于自然形态的花鸟和植物。人与自然的统一的这个世界，就是威廉莫里斯的服务对象。到了新艺术运动期间，设计师们将具象的自然元素，抽象为有机线条与金属材料相结合运用到设计中。现代主义设计运动之后，线条慢慢变为简单规则的几何体。如今中国的园林设计将建筑美与自然美有机结合，使建筑与周围的环境和谐共生。当今环境问题已经是一个全球性的问题，在这样一个背景下绿色设计显得尤为重要。
（2）提出设计要“为大众服务”的以人为本的民主理念
莫里斯提出的设计的民主思想，反复强调设计是为千千万万的人服务的，而不是为少数人的活动。设计是为人民服务的，一切设计要以人为核心。如今，设计的倡导的不仅仅是为大众服务的活动。不同年龄的人群对于设计的要求不同，开始有了针对不同的类型要有不同的设计。随着社会老龄化的进程，适老化的包容性设计，无障碍设计等越来越被重视。
（3）提出设计工作必须是集体活动。
威廉莫里斯强调的设计的两个基本原则的第二个是“设计工作必须是集体的活动，而不是个体活动”。整个社会在不断进步，现代设计已经成为了一门多学科交叉化发展的综合性学科。跨学科设计，或是综合性设计越来越流行，设计师需要与其他领域其他专业的人才共同完成设计，而不是仅仅局限于自己闭门造车。
（4）设计要达到“功能与美相统一”
莫里斯在具体设计上，强调实用性和美观性的结合。在包豪斯时期，格罗皮乌斯提出“艺术与技术相统一”，就是在强调设计过程中既要实现产品的功能，又要注重产品的形式美。随着科技的进步，未来会有更多的高科技产品服务与人类，例如元宇宙，人工智能等，艺术”与“技术”，“艺术”与“科学”将更加广泛的结合。当设计中“技术”成分占比逐渐增加，人们往往容易忽略“艺术”的成分。威廉莫里斯所提出的“功能与美相统一”的观点为现代设计理念的发展提供了参考和方向。
在不同的时代和社会背景下，威廉莫里斯的设计思想是设计活动中一直存在的内在核心力量，并转化为设计哲学的方式赋予现代设计发展的方向。

1851年，英国在伦敦海德公园举办了19世纪最著名的水晶宫博览会。展览场馆由钢铁和玻璃搭建而成，被称作“水晶宫”。水晶宫突破了传统建筑观念，新技术、新材料使传统形式美的法则失败，开辟建筑新纪元。工业设计带来了技术与艺术的分离，使工厂生产出来的产品因缺乏艺术性而逐渐受到人们的批评，由此也产生了工艺美术运动。反观中国，当今中国的设计与150年的英国不可同日而语，但在物质财富增长的同时，中国的设计环境更趋向“水晶宫”时代的英国。
水晶宫采用古典设计风格的倾向，现代设计与古典风格之间并没有内在的联系，因此造成形式与内容的分离，也造成功能与形式的脱离。中国在借鉴传统文化理念时，因实现形式与功能的统一。例如建筑大师贝律铭设计的香山大饭店，运用中国传统建筑常用的青砖，灰瓦等，将现代设计方法与传统造物文化相结合。
工艺美术运动是现代设计中的第一个运动，由于反对工业化和大批量生产的设计产品，导致设计无法与技术相结合，最终运动失败。而中国如今弘扬非遗文化，如何将手工艺品与工业化生产结合，成为中国设计需要解决的问题。中国的设计行业和设计教育，只有在现代性，科技，市场等很多方面充分的与真正的“大众”沟通，尽快培养起一个接纳设计的社会环境，才能毫无羁绊的实现“设计为人民服务”这一唯一永恒的梦想。

一、设计的概念
设计就是设想、运筹、计划和预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。设计能够使多种视觉元素，如线条、色彩、色调、质感、光线、空间等有机结合在一起，它涵盖了艺术的表达、交流以及所有的结构类型。
设计作为一种实践活动，不乏对它的总结、研究。然而，对于设计与艺术二者的关系，并没有明确指出。设计作为一门学科，并且将艺术与之结合，在设计发展的历史进程中，始终存在。
(1)首先，从二者的起源和结合来说，设计产生的历史比艺术早，艺术是在设计的基础上进行的。由此，用“设计艺术”作为专业术语名称，应更能准确地反映历史的发展状况。
(2)其次，从现实社会中设计的本质意义来说，尽管我们不排除专门为了某种视觉需要和心理感受而进行的纯艺术性设计。但是，在整个设计的发展史上，设计的本质在于不断满 足人们日益增长的物质和精神需要。特别是在物质需要中，实用是基本点，也是根本点，艺术性是为实用服务 的。即使是精神性的艺术作品，也必须建立在一定的风格、含义基础之上，而这一切必须借助于设计风格才能 得以体现。因此，从设计的本质来说，用“设计艺术”比“艺术设计”更为确切，更能体现设计作为一门学科的本质特征。
二、艺术的概念
艺术即通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想象中实现审美主体和审美客体的相互对象化。具体说，它是人们现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知识、情感、理想、意念等综合心理活动的有机产物。

三、艺术推动着设计的发展
艺术变革为现代设计的发展开辟了道路，艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步，设计师关注艺术，投入艺术研究也可以推动设计进步，设计师与艺术家合作则更有可能推动设计进步。

“现代主义之父”威廉·莫里斯是个典型例子。设计师关注艺术，投入艺术研究，也推动设计进步。再以包豪斯的学生和老师的布鲁尔为例，1920年他进入魏玛包豪斯学习，师从艺术家伊顿和康定斯基，学习色彩和形体理论，接受了相关的训练，为他后来的家具设计奠定了良好的基础。
因此，应该让设计与前卫文化、当代艺术发生联系，这种超越设计自身的大的循环，才会活跃设计的学术气氛，使设计得到新鲜的思想的滋养，开启设计的想象之门。艺术和设计是密不可分的。无论是设计、艺术都以其独特的形式美化着、丰富着我们的生活。