简述欧洲的美术革命：
美术史是各种政治、经济、思想文化、科技对人表达的影响的历史，结合时代背景尤为重视。其欧洲的美术革命大致可以分为：史前美术、远古美术、中世纪美术、文艺复兴美术、巴洛克、洛可可风格和工业革命之后的美术时期。
史前美术产生于旧石器时代晚期，是西方人美术史的起源阶段，距今三万到一万多年。
至远古时期，那时的国家只有两件大事：祭祀和打仗，人们对于比自己强大的东西都感到敬畏。因此他们画各种各样的神，并且艺术创作所画的神，会保持着各种人的原始欲望。
随着时间的不断发展，中世纪时期基督教逐渐成为欧洲人普遍信仰的宗教，所以画上帝成为了当时的主要艺术形式。主题基本就是对上帝的敬畏。与古希腊古罗马的风格完全对立，由于基督教强调要克制自己的欲望，所以中世纪的艺术不注重客观世界的表现。画面单一，为宗教服务；绘画技法单一，人物不符合现代审美，以虔诚，信仰为主；抽象化、符号化，注重抒情和装饰性等都是这一时期的美术风格特点。
14-16世纪，伴随着科技的革命，欧洲美术迎来了文艺复兴时期。这一时期以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，在追溯古希腊古罗马艺术精神的旗帜下，创造了最符合现实人性的崭新艺术。由于技术的进步让大家的生活过得越来越好了，人们就不再过那种清规戒律的生活，所以就打着解放天性的旗号，来反抗教会那套让人反感的大道理。艺术家们就借着画神的名义，开始画人。以意大利的达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔为代表。
工业革命之后，由于科技技术的发展，印象派、立体主义、抽象主义、未来主义随之产生。印象派是新时代背景的再现、追求内心和情感的表现、走出文学宗教的附属地位、追求形式自身的美。这个时候画人已经没有什么新意了，所以大家开始画风景，从房间里走出去，到户外去写生。以莫奈最为代表性。到了二十世纪，各种奇葩的艺术风格随着出现。人们从画人画风景，转到了画一些极度抽象的东西。例如：毕加索的立体主义，用来表现战争给人的心灵带来的那种支离破碎的创伤感；康定斯基的抽象主义，他只画各种线条和图形，什么直线、正方形和三角形，统统往上加。用这个来表现世界的和谐感；一战前出于意大利的一个文学艺术思想流派对资本主义物质文明大加赞赏，对未来充满希望。否定传统的艺术规律，宣称要创造一种全新的未来艺术理念。并将机器和工业作为现代艺术偶像和主题，力图表现现代生活的活力，在很长时间内依旧影响着画家们。代表作品有勒加的《机械的要素》、德普罗的《钢与透平》等。
综上所述，欧洲美术史和设计史一样是动态的，他会根据不同地域和文化背景而有所变化和相区别。是不同时期艺术家追求自我解放的革命之路，并为工业设计的健康发展铺平了道路。

《畴人传》是世界上第一部有关设计师的传记，由清代阮元于1799年撰写。
“畴人”古称专门研究天文、历法、数学的人。《畴人传》历时4年，书中记录自上古至乾隆末年的243位天文、历法、算学家，另有37位西洋学者。内容涉及历代天文、历法、推算资料、论天学说、仪器制度以及算学等方面，星占之学则未予收入。
阮元撰《畴人传》的刊行标志着中国历史上有了第一部纪传体科技史和第一部科学和设计师传记。

工业革命之后，设计发生哪些变化？
第一次工业革命是指18世纪60年代从英国发起的技术革命，是技术发展史上的一次巨大革命。它开创了以机器代替手工劳动的时代，这不仅是一次技术改革，更是一场深刻的社会变革，对设计造成了巨大的影响。
首先，第一次工业革命使工厂制造代替手工工厂，用机器替代手工劳动；从社会关系上来说，工业革命使依附于落后生产方式的自耕农阶级消失了，工业资产阶级和工业无产阶级形成和壮大起来。设计不得不改变自身，应对变化的消费群体、适应新的技术改革以及迎合工业革命所带来的批量化与批量消费。
其次，在消费品的领域中，新颖的设计成为了一种主要的促销方式。为了刺激商业消费，需要不断的翻新花样，推出新的产品，设计师便渐渐的成为了引领潮流的主角。虽然设计师的作业本身没有发生变化，但是他们的地位和重要性却在这个世纪得到了巨大的提升。这从一定意义上，也推动了设计的发展。
最后，18世纪末与19世纪初，机器成为了工业中的新成员，许多技术性的工作也由大量未经传统工艺训练的工人承担。由于机械加工的准确性，这些工人也不会对产品进行个人影响，这样的变迁导致了设计与加工的分离。生产中劳动分工的不断增强，设计与制造过程不可避免的分开了，劳动分工设计专业由此产生。
总而言之，工业革命给设计带来了翻天覆地的变化，从原先的手工艺制造变成批量化生产，无不给设计界造成巨大的冲击。为了适应生产方式的改变，设计也不断的在改变自身去适应社会的发展。从而推动了现代设计的发展，使设计真正达到“服务于人，用之于生活”这一设计哲学。

欧洲手工艺阶段起源于四大文明古国，主要经历了奴隶制社会时期、中世纪时期和文艺复兴之后三个阶段。
奴隶制社会时期，可拆分为古埃及、古希腊古罗马时期。古埃及文明的设计崇尚自然，且风格沉稳、单纯、朴实。这些设计风格不仅仅体现在金字塔、木乃伊、方尖碑这些众所周知的事情上，他们的家具、饰品上也有所体现。埃及的家具设计几乎都带有兽型一样的腿，而且前后腿的朝向一致，这是埃及家具与古希腊、古罗马家具的一个重要区别。古希腊的家具早期继承了古埃及家具风格，线条刚毅，装饰有狮子形象，靠椅的线条极其优美，也很注重和符合力学，与早期希腊与埃及家具的僵硬线条有着鲜明的对比。其中最具代表性的是一种称为克里斯姆斯的靠椅。古罗马时期，建筑注重比例，有许多风格迥异的立柱设计，如简介刚毅、具有阳刚之美的多利克柱，秀美华丽、具有女性轻盈秀美的爱奥尼克柱，以及柱头装饰有卷草、具有少女窈窕体态之美的科林斯柱。
欧洲中世纪伴随着公元476年西罗马帝国灭亡，直到14-15世纪资本主义制度萌芽之前，这一封建时期就被称之为欧洲中世纪。这一时期的设计主要是为基督教通知服务的，主要建筑特点为哥特式风格，利用垂直向上与顶端尖锐的姿态表现出直刺苍穹的感觉，内部的彩色玻璃与高高的顶部给人以高大飘渺的感觉，从而达到神灵降世的压迫感。代表作品有巴黎圣母院，科隆大教堂、马丁王银座等。
文艺复兴在14世纪欧洲资本主义在意大利萌芽开始，15世纪开始遍及各地。这一时期，人们打着“人文主义”的旗帜，开始重视人的地位，主张人性高于神性。一反中世纪的刻板风格，从古希腊与古罗马中汲取灵感，大量运用曲线。而在16-17交替时期，巴洛克设计风格开始流行，一反文艺复兴时代艺术的庄严、含蓄均衡，反而开始追求豪华、浮夸和矫揉造作。18世纪，洛可可风格延续了巴洛克风格，同时也收到中国清式设计风格的巨大影响。设计特点强调构图的不对称性、自然主题的装饰题材、纤细、轻巧的妇女姿态、华丽雕琢、纤翘繁琐的装饰等。
综上所述，欧洲手工艺阶段的设计风格是在一直反复变化中进行的，由此可以看出，设计是动态的，他依据不同地域和社会环境而有所变化和区别，他的风格也深受服务对象的影响。

简述中国手工艺阶段的设计特征：
中国手工艺时期是我国先民在经过原始社会的生存设计后，伴随着温饱与危机得以解决，继续有意识的探索，为了取得更加舒适生活的创造性活动。这一时期的探索，不仅仅停留在生存与功能的需求上，还带有一定的审美追求，并对所设计的器具赋予了精神追求、等级观念和社会意义等。代表了中国工艺设计逐步走向成熟的一个阶段，是原始社会生活质量的飞跃。
手工艺阶段有着两个重要的特点：
一、由于生活方式和生产力的限制，设计产品大多数是比较简单的生活用品。其生活用品主要依靠手工劳动，设计的产品往往具有丰富等个性和特点，装饰体现设计风格与价值的重要手段。随着农业和定居生活的发展，谷物的储藏和饮用水的搬运促进了彩陶的发展。彩陶既是我国原始先民的日常生活用品，也是新时期时代杰出的美术创造。从出现的时间和风格大致可分为：半坡型陶器、庙底沟型陶器、马家窑陶器、半山型陶器和马厂型陶器等。每一种类型都有其各自的功能要求，并代表了不同的个性和特点，是技术渗入道生活中的例证，将使用的便利与器形的合理统一起来，达到了物化与文化的融合。后有商朝对铜的充分认识，迎来了青铜器的一度盛行，到汉代时期，青铜器已经开始从礼器向生活用品方向发展。其中代表作品长信宫灯，一改以往青铜器的神秘厚重，整个造型及装饰风格都显得舒展自如、轻巧华丽。是一件既实用、又美观的灯具珍品，堪称中华第一灯。
二、设计销售一体化，设计者与使用者都非常熟悉，因而涌现出大量优秀作品。设计者既是制造者，同时也是使用者，甚至还是销售者的现状，要求他们能充分洞悉使用者的意愿。例如明代的家具，以精、简、厚、雅为设计特点，得益于园林建筑的兴起，加之材料的不断丰富和手工艺技术的进步。生产出了许多精美的家具，充分展现了意匠之美、材料之美、结构之美、工艺之美等；充分发挥了科学性与艺术性的高度统一；充分落实了“设计服务于人、用之于生活”这一设计哲学的内涵。
总之，每个时代都有与之生产力相匹配的设计，手工艺阶段的设计特点也以其独具匠心的工艺美与为使用者服务的功能追求绽放着艺术设计的光辉。不仅是早期的陶器、技术成熟的青铜器、精湛的制瓷工艺、还是功能良好的清代家具等，都无不体现出中国民众早先通过手工艺努力创造出富有个性和具有良好功能的器具，提高了中华民族的社会生活品质，并在设计实践中展示了中华文化的精神内涵，不断启示着后代。

生存设计：
生存设计是指人类为了日常生存活动而开始的一场有意识的设计活动，具有很强的功能性，且设计质量很高。它在一定程度上只满足了设计的功能需求，还未涉及到艺术审美的层面。
原始社会的生存设计分为两个时期：旧石器时期和新石器时期。早在远古时期，人类有意识地制造和使用原始工具和装饰开始，人类的设计文明就萌芽了。例如旧石器时期，人们打制石器，使石头在一定程度上满足自己的狩猎等需求，这便是生存设计的开始。随着温饱与危机问题得到逐步解决，人类逐渐由游牧变成定居生活，开始设计建造房屋，制造陶器和少量青铜器，产生了农业喝畜牧业。正是如此，人类也开始由原始部落道建立奴隶制国家，由设计萌芽阶段进入到设计的手工艺阶段。
生存设计是人类萌生和发展的初级阶段。人类的历史就是从设计和制造器具开始的，从这个意义上讲，生存设计伴随着人类早期的发生而不断进步着。

简述安东尼奥·高迪迪设计思想：
安东尼奥·高迪上新艺术运动河塑性建筑流派的杰出代表人物。他不仅是西班牙建筑史中嘴伟大的人物，也是现代设计运动中最关键的设计大师之一。在巴塞罗那，几乎所有最具盛名的建筑物都出自他一人之手，被称为巴塞罗那最前卫、最疯狂的建筑艺术家。是西班牙现代建筑的开拓者，在国际上享有很高的地位，高迪的设计生涯经历了三个阶段：
1.阿拉伯摩尔风格：此期作品具有强烈的阿拉伯风格特点：不是机械复古，而是通过折中处理，特别是材料的混合应用，这一时期的建筑代表是—文森公寓。
2.新哥特式和新艺术风格混合的风格：
受到工艺美术运动和新艺术运动的影响，并与其终身喜爱的哥特风格结合在一起。形成其中期的新哥特式和新艺术混合的风格，中期的设计，哥特风格更加明显。这一时期的代表作品是—圣特雷萨斯修道院、卡勒基修道院。
3.有机风格：高迪从中年开始，设计风格开始成熟，逐渐摆脱咯单纯的哥特风格的影响，开始逐步走出自己的风格道路。他的新风格具有有机的特征，同时又带有神秘的、传奇的色彩，不少装饰图案都有很强的象征性。为卡尔维家族设计的巴赛罗那住宅是其风格转变的转折点，此转折使他的设计更加具有个性，而不再单纯模仿时尚风格。这一时期的代表作品是—居里公园、圣家族教堂、米拉公寓。
高迪在现代设计史上具有举足轻重的地位，其风格对后世产生了深远的影响，被新一代设计师称为能与国际主义、现代主义相抗衡的符号，并加以借鉴。
总的来说，高迪是一位充满幻想的浪漫主义建筑家，高迪的建筑风格不是纯粹的哥特式，也不是罗马式或混合式，而是一种多元化融合的艺术风格。他拒绝在建筑上用直线，认为直线是人为的，曲线才是自然的。他的原创精神正是他的名言“创作就是回归自然”的真实写照。

简述威廉·莫里斯的设计思想的现代性：
威廉·莫里斯是“工艺美术”运动最重要的代表人物，英国设计师、诗人和社会主义者，是真正实现约翰·拉斯金思想的一个重要设计先驱，是拉斐尔前派的主要成员，被设计界称为“现代设计之父”。
他所提出设计的民主思想，是设计理论史上的重大突破，在一定程度上奠定了现代设计的理论基础，并在现代设计中得到发扬和贯彻。其中，他反复强调两个设计的基本原则：（1）设计是为千千万万的人服务的，而不是为少数人的活动。这一民主思想，打破了工业革命前设计只为少数贵族所特有的单一局面。由于在“工艺美术”运动中，过于强调装饰，增加了产品的费用，没有可能为低收入的平明百姓所享有。因此它依然是象牙塔的产品，是知识分子一厢情愿的理想主义结晶，使这一理论只停留在了理论层面，并没有在社会中得到实践。但这一思想，却逐步在包豪斯学院、格罗皮乌斯的宣传下，得到了发扬，并通过包豪斯的大批优秀教师带到了美国，并通过美国影响了全世界。使设计真正开始为千千万万人服务，为社会发展做出贡献，发挥了设计真正的哲学内涵，不再是精英主义的附属品。
（2）设计工作必须是集体的活动，而不是个体的劳动。它所强调艺术与技术的结合，充分发挥了设计能产生的巨大成就，更好的为社会大众服务。例如后续陆续出现的德意志工作同盟所以倡导的的“强调艺术、工业、手工艺的结合”；包豪斯宣言中提出的“强调社团和集体的重要性，强调不同分工之间的联合”、“强调艺术与技术的统一、艺术家与工程设计的合作”；乌尔姆设计学院与布劳恩公司的成功合作等。威廉·莫里斯的设计思想贯彻了现代设计的始终，并在现代设计中进步一点被落实，完成了从“乌托邦的幻想”到“落到实处的设计实践”。就此而论，莫里斯真正是20世纪的预言家，称得上“现代设计之父”。
虽然莫里斯反对机械化的艺术生产，但他的美学思想却背主张机器生产的新艺术运动发扬光大。新艺术运动可以说是从莫里斯领导的工艺美术运动中成长出来的，并做为一个世纪之交的承上启下的设计运动，继承了英国工艺美术运动的思想和设计的探索，推动了现代主义时代的到来。
总的来说，威廉·莫里斯领导的英国工艺美术运动，是现代设计中真正意义上的第一个设计运动，它的影响遍及欧洲各国，从这个意义上来讲，工艺美术运动以新的装饰反对矫饰，主张精致、合理的设计，并保存了手工艺，对现代设计思想的形成有重要的影响。

水晶宫对中国设计的启示：

    在艺术的历史继承性这一对范畴中，继承和创新的关系尤为重要。西方的设计史从现代设计前奏水晶宫起，经历了包豪斯这种现代设计的启蒙者和形形色色的后现代主义的自觉和反思等一系列漫长的过程中，不断影响着世界，通过设计创造出了巨大的经济效益。水晶宫对与当下中国设计而言，具有历史借鉴的意义，我们要坚持批判的原则，对过去的艺术取其精华，去其糟粕，在谬误中寻求设计的真理。

1851年，为了炫耀英国工业的进步，在英国伦敦海德公园由英国维多利亚女王和他的丈夫阿尔伯特亲王举办了一场19世纪最著名的博览会——水晶宫博览会。英国工程师潘克星顿运用钢铁与玻璃建造温室的原理，大胆的把温室机构运用在这次博览会的展厅设计中，开创了采用标准构件、钢铁与玻璃设计与建造的先河；是工业革命之后人类近半世纪技术成就的综合检阅；也是这一时期技术与艺术分离现状的集中暴露。技术与艺术的割裂在一定程度上细分了设计与艺术的范畴，但艺术与设计的关联性是密不可分的。两者的有效结合，才能更好的为社会和大众服务，更好的发挥艺术与艺术其自身的特点。这在西方后期的设计实践中均有所体现。
西方现代设计的前奏从水晶宫等一系列博览会、工艺美术运动等因素开始，其中水晶宫的探索，由于当时对于机械的茫然性，存在一些偏航；但也逐步在包豪斯、荷兰风格派、俄国构成主义等运动的不断反思下前进，使艺术与设计的结合产生新的飞跃，更好的结合去服务当下社会；直至像乌尔姆设计学院与布劳恩公司的成功合作，产生出例如系统设计原则等具有里程碑意义的设计理论，为现代设计奠定了基础，产生了巨大的效益。
今天中国的设计当然与150年前的英国不可同日而语，但在物质财富日益增长的同时，中国的设计环境却似乎更接近于“水晶宫”时代的英国。在实现以价取胜向以质取胜的关键转兴期，我们要以水晶宫为鉴，在艺术的历史继承中，不但对本民族艺术遗产进行吸收和接受，而且要对其他民族和国家优秀文化和艺术成果的吸纳，把继承与创新紧密联系在一起，艺术与设计紧密联系在一起，历史经验和当下问题结合在一起辩证考虑。实现“中国制造”向“中国智造”这一伟大突破。
只有当理性的功能分析取代了感性的外观评价进入到设计评价体系之中的时候，才能在全面的意义上评价设计作品。中国的设计行业和设计教育，只有在现代性、科技、市场等多方面充分与真正的“大众”沟通，尽快培养起一个接纳设计的社会环境，才能毫无羁绊地实现“设计为人民服务”这个唯一永恒的梦想！