理性设计与无名姓设计(20C 60s- )
时间:19世纪60年代以来
公司:索尼公司（电视机)、奥利维蒂公司（打印机)、无印良品（原研哉、深泽直人、
山本耀司、田中一光）、博朗公司（迪特拉姆斯）
特点:
1.设计科学：在设计的多元化潮流中，以设计科学为基础的理性主义占着主导地位;
2.集体活动:强调设计是集体活动，是对设计过程的理性分析，不追求任何表面的个人风格;
3.延续发展:体现出了一种“无名性”的设计特征，实际上是现代主义的延续和发展。
贡献:
1.设计科学：用设计科学指导设计，以减少设计中的主观意识，使得技术、社会学成了设
计的决定性因素，而不是设计师的个人风格:
2.学科综合:设计科学是多学科、跨学科的综合，体现了对技术因素的重视;
3.设计管理:许多企业都建立了自己长期设计策略，这就要求企业产品必须体现一贯的
特色,以保持设计的连续性,个人风格就难以体现在产品的最终形式上。

装饰艺术运动是20世纪初期在欧洲兴起的一种艺术运动，它主张通过装饰来增强建筑的美感和艺术价值，同时反对机械化和工业化的趋势。该运动提倡手工艺和传统工艺的使用，重视艺术和设计的细节和精神内涵。装饰艺术运动对于现代建筑的意义不可小觑，以下是一些方面的介绍：

突破传统建筑的形式
装饰艺术运动挑战了传统建筑的形式和规则，提倡新颖的设计和装饰方式。其提倡的非对称性和装饰艺术元素的运用，为现代建筑打开了新的设计思路，激发了建筑师们的创造力和想象力。

倡导实用性和美学的结合
装饰艺术运动主张实用性和美学的结合，追求建筑的美感和艺术性同时也要满足其实用性和功能性。这一理念对于现代建筑的发展起到了重要作用，使得建筑师们更加注重建筑的功能性和实用性，同时也要考虑其美学价值和艺术感染力。
强调建筑与环境的融合
装饰艺术运动强调建筑与环境的融合，建筑应该与周围的环境相互配合，而非与之对抗。这一理念对于现代建筑的可持续性设计和生态环保意识的提高起到了重要作用，使得建筑的设计和施工更加注重环境保护和生态平衡。

美国国际主义风格
概述：
二战前的欧洲现代主义设计运动的设计理论与美国的市场相结合，形成了国际主义风格。首先在建筑设计上得以确立，欧洲一批现代主义设计大师如密斯、马谢·布鲁尔、格罗佩斯等人的思想引导了整个国家的建筑风格，因此从发展根源上来看，美国的“国际主义风格”与战前欧洲的“现代主义”设计是同宗同源的，是包豪斯解散后的师生来到美国发展出的美国现代主义风格。
时期及地点:20世纪60-70年代、起源于欧美遍及全球
代表人物:米斯·凡德罗&菲利普·约翰逊(西格莱姆大厦)
特点:
1.理性:与欧洲现代主义一脉相承,强调功能主义，注重系统化、理性化;
2.形式:受“少即是多”的影响，主张减少主义，漠视功能需求:形式上是由单调几何形
态和无装饰、纯净透明、施工精确的钢铁、玻璃等材料组成的“方盒子”:
3.利益:为企业谋取商业利益,追逐利益最大化。
乌尔姆设计学院
概述：
由平面设计师艾歇·舒尔创建于1953年，是一所继包豪斯之后德国历史上又一座著名的影响巨大的设计学院。其设计思想被德国家电公司布莱恩公司广泛实施，把学院研究与企业生产密切结合，形成了“乌尔姆—布劳恩体系”；

战后的乌尔姆设计学院与战前的包豪斯设计学院有着一脉相承的关系，乌尔姆设计学院在很多问题上体现了与包豪斯的一致性，特别是将设计视为社会工程重要组成部分，这就避免了美国那种市场驱动的、为形式而形式的设计模式。

时期及地点:1953-1968、德国
代表人物:奥托·爱舍、马克思·比尔、马尔多纳多
目标:培养熟练掌握美学、研究、技术、加工、市场的全面人才,提高德国设计整体水平
特点:
1.功能主义:在继承包豪斯精神的前提下，进一步发展了功能主义教学思想;
2.高度理性:高度理性的系统设计思维、教育模式，为企业输送了大量设计人才、方案
设计教育体系
（1）学院以理性主义设计，技术美学思想为核心，倡导系统设计原则；
（2）把现代设计完全建立在科学技术基础上，培养科学型现代设计师；
（3）提高工业产品设计，建筑设计，平面设计等的总体水平，为德国工业发展服务。
波普艺术
介绍
1.来源：波普是英文POP的音译，源于英文单词popular，意味着大众的，流行的，通俗的。2.20世纪60年代起源于英国，流行于美国，是一场前卫，面向大众的设计运动。
3.思想：波普风格认为艺术不应该仅供少数人享用，而是应该走向普通大众，进入每一个人的生活，因此要打破艺术与生活的界限，打破一切传统的审美观念。

4.背景：它产生的背景与战后日益形成的西方丰裕社会，青少年消费市场，特别是对现代主义设计和国际主义设计的反感有密切关系。

5.宗旨：波普设计从产品，服装，平面三个设计艺术领域寻求突破，打破传统束缚，寻找代表自己的视觉符号，追求新奇古怪的宗旨。
风格特点
1.设计题材：
（1）取材生活：直接取材于充分商业化的日常世界，强调灵活性和消费性，追求大众化的，通俗的趣味
（2）消费心理：表现出年轻一代对于传统，包括现代主义的传统有依赖的感情，更加重视自己这一代人的习惯，喜好和个性消费心理。
2.设计形式：
（1）样式设计：取自日常生活用品，如工业产品，生活垃圾，如罐头盒，汽水瓶，包装纸等作为绘画和设计的素材和摹仿形式，然后采用变形的手法运用在产品式样设计中。 （2）形式异化：追求形式上的异化、娱乐化的表现主义倾向，并大胆采用艳俗的色彩;采用夸张、变形的手法运用到产品式样的设计之中
孟菲斯集团
介绍：
是后现代设计的流派之一，发起者是意大利设计师索扎斯。1981年他召集一群不满30岁的青年设计师在米兰成立了孟菲斯设计组织，孟菲斯没有固定的宗旨，他们本意就是反对一切固有观念。他们树立了一种新的产品内涵，即产品是一种自觉的信息载体，在风格上孟菲斯表现出各种极富个性的情趣与天真，华丽，怪诞和离奇的特点。
人物:索扎斯（博古架）
设计理念
1.反对现代主义，恢复色彩、装饰
2.破除一切固有模式，用造型、色彩、材料表达情趣
3.不仅要有使用价值，更要表达文化内涵
风格特征：
1.反权威：开放式的设计思想。
2.重个人：对功能的新解释。对产品功能着力研究，产生人体工学新发展
3.重人文：树立产品语义的新内涵。产品是一种自觉的信息载体，是某种文化体系的隐喻或符号。
4.重精神：赋予材料人文含义。把材料看成是设计的物质保证，也是一种交流感情的媒介
5.重装饰：装饰不是罪恶。十分重视装饰，把装饰作为设计的有机组成部分
战后日本设计
简述：
日本现代设计发展的成果令人嘱目，20世纪50年代结束朝鲜战争后，美国开始扶持日本发展现代设计。
在短短几十年，其产品都凭借其独特风格和特色打入国际市场，并把战前日本产品质量低劣、设计落后的形象一扫而空，一跃成为亚洲设计四小龙之一。日本夏普、索尼、无印良品等国际名牌也充斥着我们生活。今天，对于日本设计特点的研究已成为当下社会理论研究的重要课题。
代表:柳宗理（蝴蝶凳-模压成型胶合板凳)、索尼（随身听）、松下（数码照相机)
发展特点：
1.传统与现代并行的双轨制
.1.民族的、传统的、温和的历史的
.2.国际的、理性的、功能主义的
2.自上而下的吸收他国成果
.1.请欧美设计师来日本设计教育
.2.国内举办设计展览
.3.鼓励留学生记录设计经验

极简主义是一种现代主义设计风格，起源于20世纪初期的欧洲，尤其是德国和荷兰。它最初是作为一种哲学和艺术运动而出现的，旨在摆脱过度装饰和复杂性，强调简单和实用性。
在设计领域，极简主义通常指产品、家具、建筑和图形设计的风格和理念。极简主义设计师通常注重产品的实用性和美感，并努力消除多余的细节和装饰，以创造简约而又富有内涵的设计。
极简主义的初创者包括德国的建筑师、设计师和艺术家，如华格纳（Peter Behrens）、德斯（Walter Gropius）、莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）和万德尔·罗（Ludwig Mies van der Rohe）等人，他们曾是包豪斯学派的成员。荷兰的“De Stijl”运动也对极简主义的发展有着深远的影响，其主张将艺术和设计转化为一种纯粹的、抽象的形式语言。
在20世纪后期，极简主义成为了一种全球性的设计趋势，它在建筑、室内设计、产品设计和平面设计等领域中得到了广泛的应用和发展。当代的极简主义设计师和艺术家包括苹果公司的前首席设计师乔纳森·艾夫斯（Jonathan Ive）、日本建筑师安藤忠雄（Tadao Ando）、美国建筑师约翰·梅森（John Pawson）等等。

《Domus》是一本国际知名的建筑与设计杂志，创刊于1928年，总部位于意大利米兰。该杂志涵盖了各种建筑、设计、艺术和文化相关的主题，内容包括建筑、室内设计、家具、城市规划、景观设计、艺术、摄影等领域。杂志的特点是对设计的深度分析和批评，并强调设计与人类生活之间的关系。该杂志还向读者介绍了许多国际上的设计师、建筑师和艺术家，以及他们的作品和思想。《Domus》杂志的创始人和第一任主编是意大利建筑师Gio Ponti（1891-1979），他是20世纪意大利现代主义建筑的代表人物。他的设计风格独具匠心，既注重实用性，又注重美学和艺术价值，他的建筑作品被广泛认为是现代主义和意大利设计的典范。
自Gio Ponti去世后，许多著名的设计师和建筑师都为《Domus》杂志作出过贡献。例如，著名的建筑师和设计师Alessandro Mendini、Mario Bellini、Zaha Hadid、Rem Koolhaas、David Chipperfield等，都曾在杂志上发表过文章或设计作品。此外，《Domus》还有一支由编辑、记者和摄影师组成的专业团队，他们在全球范围内报道建筑、设计、艺术和文化领域的最新动态。

"新艺术之家" 是指法国的 "Art Nouveau" 运动的发源地，该运动也被称为 "新艺术运动"。这场艺术运动于19世纪末至20世纪初在欧洲兴起，主张通过自然主义和曲线形式来表现艺术作品。在巴黎，有一些著名的建筑和艺术品代表了这种风格，例如法国艺术家Emile Gallé设计的花瓶，和法国建筑师Hector Guimard设计的著名的 "Metro" 地铁入口。
它的发展经过可以大致分为以下几个阶段：
成立和初期经营（1895-1904年）：新艺术之家由德国商人西格弗里德·巴沙特（Siegfried Bing）创立，旨在推广新艺术运动的理念和设计风格。在这一时期，新艺术之家展示了许多艺术品和设计作品，包括了建筑、家具、玻璃和陶瓷等。
高峰期（1904-1914年）：新艺术之家在这一时期达到了顶峰，它成为了新艺术运动的代表性机构之一，吸引了大批艺术家和设计师前来展示他们的作品。在这一时期，新艺术之家展示了许多杰出的艺术品和设计作品，包括了Emile Gallé和Louis Comfort Tiffany的玻璃艺术品、Gustav Klimt和Alphonse Mucha的海报、以及Hector Guimard的建筑设计等。
一战期间和衰落（1914-1935年）：第一次世界大战的爆发对新艺术之家的发展造成了严重影响。在这一时期，新艺术之家停止了展览和经营，直到1919年才重新开放。在20世纪30年代，新艺术之家逐渐衰落，最终于1935年关闭。

Charles Robert Ashbee（1863-1942）是一位英国工艺美术设计师、艺术家和企业家。他是英国艺术工艺品运动的主要人物之一，也是伦敦工艺美术学校的创始人之一。
阿什比在19世纪末和20世纪初期推广了工艺美术运动，主张将手工制作艺术品与现代工业相结合。他的设计风格强调手工艺和简约美学，他的作品包括家具、银器、珠宝、陶瓷和玻璃制品等。
他的家具设计采用了实用、朴素和简洁的形式，强调材料的自然美感。他的银器、珠宝和陶瓷作品也体现了这种美学风格。他常常使用银和贝壳来制作自己的作品，这些材料能够呈现出极致的精致和细腻，同时也符合阿什比推崇的自然主义和简约美学。此外，阿什比还深受日本艺术和设计的影响，他的作品中也融入了一些日本美学的元素，如简洁、自然、不加修饰等。
总的来说，查尔斯·阿什比的作品和设计风格是以实用性、简约美学和自然主义为特点的，代表了英国艺术工艺品运动的精神和理念。
查尔斯·阿什比的代表作品涵盖了家具、银器、珠宝、陶瓷和玻璃制品等领域。以下是他的一些著名作品：
Red House：查尔斯·阿什比设计了威廉·莫里斯的红房子（Red House），这是一座典型的英国乡村别墅，是英国艺术工艺品运动的标志性建筑之一。
Honeysuckle pendant：这是一款珠宝设计，以繁花似锁的忍冬为灵感，精美而又简洁。
Guild of Handicraft：阿什比创办的手工艺协会，旨在推广英国艺术工艺品运动，提倡手工制作艺术品与现代工业相结合。
East Surrey College：查尔斯·阿什比设计的校园建筑，充分体现了他的设计风格和理念，注重自然美感和实用性。

贝壳香炉：这是一款银器设计，使用贝壳和银制成，精致而又充满自然之美。

手工艺设计和制造设计都是创造产品的过程，但它们之间存在着一些重要的区别。
手工艺设计强调的是手工艺人的技能和创造力，通常是通过手工操作和传统的工具和材料来完成。这种设计通常涉及到手工艺人对材料的选择、工具的使用、设计的形式和结构等方面的判断和决策。手工艺设计的产品通常是独特的，具有艺术性和文化传承的意义，因为每一个手工艺品都是手工艺人亲手创造的，具有个性和独特性。
制造设计则更加注重工业化生产的规模化和标准化。这种设计通常是通过机械来完成，其产品经过计算和试验，以确保产品的质量和性能。制造设计的产品通常是大规模生产的，因此要求设计师考虑成本、效率和可重复性等因素。
因此，手工艺设计和制造设计在设计的过程、技术手段、设计的目的和产出的结果等方面存在着很大的差异。

饕餮(tāo tiè)是古人融合了自然界各种猛兽的特征，同时加以自己的想象而形成的神秘怪兽。这种怪兽没有身体，只有一个大头和一个大嘴，十分贪吃，见到什么吃什么，由于吃的太多，最后被撑死。它是贪欲的象征。
饕餮纹，青铜器上常见的花纹之一，最早见于长江中下游地区的良渚文化陶器和玉器上，盛行于商代至西周早期。兽面纹有的有躯干、兽足，有的仅作兽面。是典型的纹章风格。“饕餮纹”是后人附会的称呼。
饕餮纹常作为器物的主要纹饰，与古代人民的文化生活息息相关，充分体现了古代劳动人民的智慧和创造能力，研究者称为兽面纹。
商周青铜器的兽面纹饰反映了当时人们对自然神的崇拜，因而有着神秘而肃穆的气氛。青铜器是殷商先民“尊神”意识的体现，周代则发展为“敬天法祖”，形成宗教、政权、族权三位一体的表征。 由于原始社会生产力水平低下，人们把许多无法解释的现象都归结为神的力量，人们对神灵充满敬畏之心，乞求神灵，取悦神灵，借助神力以支配事物。因此“可以通神”的巫师有着极高的地位，巫师阶层也就成为最初的帝王统治阶层。祭祀是巫师的特权，也是沟通人、神，使人间秩序神圣化的中心环节。巫师们利用青铜器上的动物们与神灵交流，因此这些怪异动物纹样也就代表着神秘和权力。

什么是设计语境？语境在设计中的含义到底是什么？
首先解释一下设计和语境两个词语，设计指的是人类有意识的创造性活动，根据需求使用多种或者一种工具而创造出满足需求的产品；语境指的是语言所处在的背景环境，在不同语境下理解相同的语言能够得出不同的意思。由此而知设计语境指的是人类有意识所创造出的满足需要的产品所处在的背景环境。具体的设计语境包括所处社会环境、市场环境、科技发展情况、教育发展、文化艺术情况等等。
语境在设计中的含义具有非常大的影响。一方面来说，根据研究历史语境中的设计，纵向的看待历史长河中的设计，能够以史鉴今，过去不同的设计语境变化带来的设计发展结果可以帮助判断当下的设计方向或者和推测未来的设计趋势。例如工业1.0到5.0的变化，工业1.0机械化的到来蒸汽时代拥有的科技力量给设计带来的史大规模机械、批量化的生产，人们的生活带来的不仅仅是许许多多廉价的物品还有工厂工作效率的极大提高。对于工业1.0对于社会的变化，现如今处在的智能化工业4.0的时代，现有的5G信号的普及和新能源的广泛使用，可以判断当下时代背景下人们在大数据信息化的生活中二维码、远程办公所带来的变化，以及未来信息化智能化时代背景下需要更多的人文关怀。另一方面来说，根据研究当下语境的设计，横向的观察生活中的设计，能够在竞争激烈的红海中开阔更为广阔的蓝海市场。简单的来说，就是设计走向生活中的细节，其中代表有无印良品的设计师原研哉，设计来源于生活的设计理念在物欲横流的社会中让人们认识到设计不仅仅是冗杂的包装和装饰，而是给自己更多的空间，更加简单的享受生活。
设计没有好坏之分，只有是否所处在正确的的设计语境中之分。理解好设计语境，是对于人们有意识地创造出所需要地产品中最需要考虑清楚地一步。在错误地设计语境下进行地设计，是对消费者地不负责，是对资源地浪费。