波普设计风格是20世纪60年代发端于英美的一种流行风格，它是后现代主义艺术中势力最大、最为风行、传播最广、最有影响的一种艺术表现形式。它反对一切虚无主义思想，通过塑造那些夸张的、视觉感强的、比现实生活更典型的形象来表达一种实实在在的写实主义。波普艺术一方面对当时的流行时尚产生了长久的一系列，为社会氛围增添了大量活力的元素，另一方面又缺少坚实的文化和理论内核，是一场商业的、脆弱的设计运动。

首先，波普设计的影响是广泛的，特别是在利用色彩和表现形式方面为设计领域吹进了一股新鲜空气，由此刺激了这方面的探索。它不仅是一个青年知识分子的个人表现探索，波普已成为一种文化、商业和经济现象。其创作题材都是直接取材于充分商业化的日常世界，是商业主义的；作品的形象间接取自日常生活用品：汽车、可口可乐、汉堡包以及商标广告、照片、影片、电视图像、报纸杂志等，采用生活中的通俗文化中一切可以利用的东西；艺术风格基本接纳商业性艺术的直接效果：机械的、冷漠的、简化的、轻率的、快乐的和引人注目的色彩，具有鲜明的现实感和时代气息。波普艺术冲破了原有绘画的界限，商品形象或工业设计品形象大量进入艺术创作中，对英国设计乃至后来国际上的设计风潮都产生了极大的影响。

波普设计消极的一面也是显而易见的，它基本上是一场自发的活动，没有系统的理论来指导，也没有找到一种有效的手段来填平个性自由与批量生产之间的鸿沟。追求新颖、古怪、新奇的宗旨却因缺乏社会文化的坚实依据，最终成为一个历史风格的大杂烩，虽来势汹汹，却消失地非常迅速。波普设计的本质是形式主义的，它违背了工业生产中的经济法则、人机工程学原理等工业设计的基本原则，因而昙花一现便销声匿迹了。

波普设计反叛正统的追求完美、简洁、高雅、具有现代功能主义观点的设计，追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向。放眼历史，这些风格都是为当时的商业、经济而服务的，是对刻板单调的国际主义风格的反动，推动了英国美国的经济内循环竞争力。回到中国的设计多样化，我国是一个有着深厚文化底蕴的国家，改革开放以来，国际主义风格开始渗入我国的设计领域，从而使抄袭之风盛行，时间一久不免审美疲劳。随着今天对文化的愈加重视，中国设计开始朝向多元化发展，中国设计的世界格局和文化格局也开始发生转变，多样的设计文化与波普之风一样，给中国的经济产生了一定的推动作用。设计的多元化满足市场需求，扩大设计市场，从而提升经济内循环的竞争力。

“兼相爱，交相利”是出自《墨子·兼爱中》的哲学思想，“兼相爱”指的是不分人我、彼此，一同天下之利害、好恶。“交相利”即互惠互利，这是“兼爱”的背景。墨子把小生产者互爱互利的道德原则推广为天下普遍的原则。这一思想体现出一种平等博爱的人际关怀，具有民主思想。从设计角度来解读，这种人际观蕴藏着为谁设计和设计利益观的问题，对今天的设计实践依旧有着深刻的指导意义。

设计是人为了实现某种特定的目的而进行的造物活动，不管是过往还是当下，“为谁设计”就成为一个不可绕开的话题，工艺美术运动期间，莫里斯就反复强调设计的两个基本原则，即：1、产品设计和建筑设计并不是为少数人服务的，而是为千千万万的人服务的；2、设计工作是集体的活动，而不是个体劳动。这两个原则都在后来的现代主义设计中发扬光大。其个中包含的“为大众服务“，不正是一种”兼相爱“，”设计是集体活动“不也正是”交相利“的写照。这两种思想是相互融会贯通的，都蕴含着对人的尊重和关怀，以及社会的平等性，设计历史的发展告诉我们，这种普遍的爱是为现代人所需要的。

“兼相爱”是为大众的设计思想，从伦理视角来看，设计应关注价值群体中的特殊群体、弱势群体，去关注设计之物对他们的意义。这种伦理思想，往往流露出设计师的价值取向，20世纪80年代美国著名设计理论家维克多·帕帕纳克提出《为真实的世界设计》并出版，对设计界产生了颠覆性的影响。他认为设计应为世界上的大多数人服务，而不是为少数富裕国家服务，尤其是为第三世界国家服务，他还将设计的目光转向特殊群体。在他的影响下，日本和瑞士的很多设计即是以此为出发点，体现出对每一个个体的深切关怀的设计，是对人的普遍的爱的证明。帕帕纳克的这种伦理关怀与先秦时代墨子的”兼爱“有着诸多共同之处。

”兼相爱，交相利”的现实意义便是在“兼爱”的前提下，遵循“义”的原则，将爱人的情感和利人的行动紧密相连，本质上是通过人与人之间的相爱，进而达到社会的和谐，在设计实践中，便是“真、善、美”价值观念的体现。

由于国际交流、国际贸易的急剧增加，国际对话也与日俱增，现代主义在战后美国的酝酿之下最终成为国际主义设计风格。这种风格在战后的年代，特别是60、70年代以来发展到登峰造极的地步，影响世界各国的建筑、产品、平面设计风格，成功垄断性的风格。此时正值中国改革开放，中国设计刚处于起步阶段，国际主义风格最先开始影响到台湾、香港地区，并取得了丰硕的设计成果。改革开放中的南部沿海设计师们意识到这种风格的力量，把国际主义风格以狂潮般带到中国内陆，于是国际主义从平面设计开始在80年代的中国大规模发展起来。随着改革开放的深入，人民开始意识到国际主义风格对中国民族特征的结合的重要性，本文将围绕国际主义风格对中国设计的影响进一步展开论述。

（1）国际主义风格对中国设计风格的影响

国际主义风格是具有国际统一性的视觉语言的设计风格，它形式简单、具有反装饰性、强调功能、高度理性化、系统化且略显单一刻板，它一方面促进了国际贸易的发展，另一方面遭到了世界众多设计师的反感，引发了后来的对传统现代主义和国际主义的反动，即后现代主义。同样的，国际主义风格的引入，对我国本民族的风格特征造成了强烈的冲击，我国设计师对这种风格纷纷展开模仿，并具有一定的席卷之风。

随着人们设计意识形态逐渐觉醒，有一批设计师开始把中国的民族特征和国际性、现代艺术的一些特征融为一体，初步形成了国际主义和中国民族特征既统一又多元化的面貌。如在平面设计上，有中国银行的标志设计，在建筑设计上，有贝律铭先生香港中银大厦的设计等。中国当代的设计在新技术交流的前提下，出现了统一中有变化的特点，产生了设计在基本形式良好的情况下多元发展的局面。

（2）国际主义风格对中国设计思想的影响

对于一个人民当家作主的中国特色社会主义国家来说，设计的服务对象，即设计的大众性对我们来说是很重要的。特别是上世纪70-80年代，中国民众普遍不富裕的情况下，最初的国际主义那种为大众的、带有乌托邦色彩的民主思想，对我们有着积极的指导意义。虽然后来的国际主义经过美国资本主义符号的洗涤，但在那之后发展的新现代主义和后现代主义设计，仍有着为广大人民为己任的设计目的，是一种高度民主化和社会主义色彩的知识分子的探索。它努力创造一种非个人性对能够以工业化方式大批量生产的普及的新设计。

此外，在当今越来越注重民主与个性的时代，现代主义即国际主义的广泛传播对我国文化底蕴在设计上的觉醒具有警醒作用。国际主义倡导“功能第一、形式第二”的原则，使得设计使用者的心理功能需求被漠视。对于设计的目的而言，也就是为广大的使用该设计的人群服务的宗旨丧失，这种思想上缺乏科学性的。

（3）当下中国设计的前进道路

中国是一个具有悠久历史、文化的国度，具有深厚的精神底蕴。中国目前所处的新时代，设计界已经觉醒，并已着手准备思想理论体系的建立工作。设计在新时代具有新的意义，其本身就是以物质方式来表现人类文明进步最主要方法之一。国际主义设计风格上当今设计界流行且不可阻挡的潮流，把我国的文化、企业推向国际市场，以期被世界认知和接受的同时，民族风格是展示我国文化、企业内涵的有效手段。由此，中国应在国际主义风格的大趋势下，努力探索根据设计目标的应用范围，考虑其服务对象，发展民族特色。如何把国际主义风格和民族特征二者完美地结合起来是中国当代平面设计师们长期的任务。

中国设计现在面临的问题

随着我国经济水平的不断提升以及综合国力的不断增强，20世纪70年代末开始，工业设计在中国大陆开始受到重视，最早改革开放区域——深圳、广州等城市成为设计发展较为先进地区，走上了向全球市场转型的道路。进入21世纪以来，工业设计作为增强企业全球化竞争力和建设新型国家的重要一环，得到了极大的发展，国内的工业设计产业结构也在不断的转型和升级优化中。“中国设计”正日益成为国际设计界关注的焦点之一，但与此同时，中国设计仍存在一系列问题，阻碍着我国工业设计进一步发展，本文就围绕国内工业设计面临的问题进行分析并提出合理的发展对策。

（一）着眼现在：中国设计现在面临的问题

从20世纪中国从“工艺美术”“图案”向“现代设计”转化的过程到现在21世纪从“中国制造”转向“中国创造”的发展趋势，中国工业设计经过了从仿制、引进、自主创新到融入企业乃至国家战略的过程，提升了人民的生活水平和企业的市场竞争力，工业设计成了中国走向世界，进行物质与精神文明的重要载体。中国制造的成绩来自大量仿制和一些自主研发的项目，如航天飞船、蛟龙、航母、高铁等，并获得独立的知识产权，但都偏向于大型工业。现代设计在发展的过程中越来越趋向多元化的发展方向，满足人们日益提高的生理、心理以及情感的需要。

由于中国的现代设计起步较晚，在很多方面依然远远落后于发达国家，仍有众多问题亟待解决。如设计师的社会责任感；对传统文化的研究度和创新度不够；对知识产权的保护、立法，业内与教育界达成的共识不够；法律的建设也还在不断优化和完善；具有全球视野的设计人才的培养；设计基础理论研究等。

中国近年来在设计领域取得了长足的进步是全世界有目共睹的，但是跟西方相比仍然有明显的不足。中国的工业设计需要获得世界的认可，就需要产生中国设计的流派，要立足于过去从而看向未来。如何在研究中国传统文化的基础上，建立起富有中国特色的国际化、现代化的设计学派和设计领导力，是中国设计师们面临的共同课题。

（二）展望未来：中国设计的未来发展趋势

关于设计发展趋势的课题建立在人们对过去的反思和经验总结的基础上，在设计发展了一个多世纪后，作为物质的设计研究被注入更多的精神和文化内涵，设计领域开始探讨设计的民族化和个性化语言以及设计的文化含量。中国的传统文化有其时代的内涵和独特性，是具有生命力的文化，经过悠久的历史文化的沉淀，有着自己独特的韵味，由此，传统文化的“延续与演变”、“继承与发展”是当今设计师们着手的重要基点。最近举办的杭州亚运会吉祥物是一组承载深厚底蕴和充满时代活力的机器人，组合名为“江南忆”，出自唐朝诗人白居易的名句“江南忆，最忆是杭州”，融合了杭州的历史人文、自然生态和创新基因。在杭州亚运会上可以看到我们的传统文化向着全世界展示，用艺术和设计的手法传颂中国文化精神和强大的文化底蕴，让传统文化走向世界。

21世纪的设计技术基础正在从批量化的机械生产转变到以移动互联网、物联网、大数据、人工智能等数字技术，同时中国已由世界上最大的制造大国转变为最大的消费国之一。当今世界在“可持续发展“的思想引导下，”绿色设计“”服务设计“”产业创新“正在成为设计发展的新趋势 。

在经济全球一体化的时代背景下，我们不仅要注重保护环境和节约资源，还有个设计出符合“人性化”、“情感化”的产品，同时，让产品价值最大化，创新传统文化；唯有此，才能推动中国的现代设计走向良性发展之路，“中国制造”才能向“中国创造”升级。

传统手工艺与现代设计是设计的两种形态。传统手工艺的特点是以手工单件制品为主，一方面生产者和设计者往往是一个人，生产者可以有自由发挥的空间，因而产品具有丰富的个性和特征；另一方面，它是以行业的记忆传统、生产工艺、创作设计的继承和发展为主线。而现代设计以机械化、批量生产为基础，作为工业生产系统中的一个环节，它更强调设计师个人的素养与才华，它以现代工业的大生产为基础，以人的创造力的培养为主线。传统手工艺往往代表着传统文化，我国的民族文化产业正处于上升发展的阶段，传统手工艺和现代设计的融合，对文化传承的思考和关注，对当代设计实践的研究具有重大意义。

（一）传统手工艺文化是现代艺术设计发展的巨大资源和宝贵财富

在历史文化长河中，以工艺美术为代表的艺术设计文化或者说手工艺文化被历史性地赋予了文化代表者的角色，工艺文化具备了大千的艺术风采和雄浑的生命旋律，浓缩了历史文化的优秀精髓，是评定一个民族一个国家文化和文明的永恒尺度。从设计的形式到精神内核，文化传统都给予我们无穷的启示和帮助。

现代设计中包含的文化，是一种以创新为核心的文化，它既来自传统，又来自于当代，既是本民族的，又是外来的，既是原有的，又是整合的。现代设计首先是为当代中国人的设计，是立足于民族文化的设计，因此，无论当代设计是否自觉，设计中的文化取向尤其是民族文化的取向是设计成败的关键之一。

（二）现代设计是对传统手工艺的继承

早在工艺美术时期，威廉莫里斯等人主张从传统的手工艺去寻找设计灵感，主张艺术与技术结合，但它始终是反对工业化生产的，处于现代主义的对立面。现代设计与传统手工艺的真正融合，是从斯堪的纳维亚国家的设计开始的。

质朴的斯堪的纳维亚地区的设计注重传统风格，传统和现代结合，具有人情味和手工艺传统，把功能和外观完美地结合起来，其设计成为优雅的代名词，具有丰富的人文内涵。汉斯瓦格纳便从中国传统手工艺家具中获取灵感，设计了有名的“中国椅”，被称为世界上最美的椅子，享誉全球。

现如今，手工艺传统与现代设计的融合，是许多现代设计师追求的目标，以表达其民族文化传承的连续性。黑川雅之设计的IRONY茶壶，秉承了日本传统手工铸铁工艺，是日本传统手工艺与现代设计的完美融合，有很强的东方美学禅意。

综上所述，在传统文化源远流长、博大精深的中国，传统手工艺与现代设计的融合是十分重要的，中国传统造物文化在思想智慧、造物原则等方面为中国的现代设计打开了一座可供借鉴的宝库，我们应该多从中国传统手工艺中汲取智慧与营养，使中国的工业设计体系在我国民族文化的深厚土壤中找到契合点，从而让我国的传统文化得到继承和发展，实现“洋为中用，古为今用”的目标。

“有之以为用，无之以为利”是古代老子《道德经》中提出的观点，追溯历史，可以发现它与现代主义的设计思想有着异曲同工之妙。”有“和”无“是一组对立统一的哲学思想，存在不可分割、相互作用的辩证关系，“有”能够给人带来便利，无则发挥了它的作用，这里是指制作器皿，有了器具的中空才有器皿的作用；建造房屋，有了门窗四壁的中空才有房屋的作用。老子的哲学理念蕴含着的设计思想，与中国古代的“留白”、“绚烂至极归于平淡之饰”有着相似的内涵。老子的观点指出功能第一的原则，摒弃“无用”的装饰，靠结构和功能来展现形式之美。如格罗皮乌斯设计的包豪斯校舍，摒弃表面装饰，以功能决定形式，即建筑真正的价值、其装饰之美通过结构化而不是表面化，简洁的构造，看似“无”，实则处处都是“有”，满足学生和教工们的空间诉求。这种无装饰的建筑追求和崇尚的是淡美、归趣本真的境界。

（1）大数据带动工业设计产业转型升级

工业4.0推动了工业设计产业发展步伐，以人工智能技术为主的一系列新兴技术，尤其是大数据技术的应用，使得设计中的用户研究更加深入，能够让用户直接参与产品研发设计，以此推动传统制造业向精细化与高效化转型。大数据具有海量的数据规模、快速的数据流转、多样的数据类型和价值密度低四大特征。未来设计研究的发展，得益于大数据在技术服务等方面的渗透，通过研发模式与创新思维转变，带动工业设计产业转型升级。

（2）大数据推动设计以用户体验为中心

大数据往往隐藏着用户的需求，通过技术，我们对用户资料的感性的定性研究可以上升到其与理性的定性研究相结合，在科学的基础上为理解用户的真实需求、发现用户背后的行为逻辑挖掘有力的证据。由此，大数据可以提升设计调研的价值，参与到产品的研究和战略过程。

随着移动互联技术的高速发展，我们要求用户体验研究必须与情境紧密关联，有学者便使用大数据，在认知科学、人机交互领域构建用户体验数据采集模型，使该设计研究领域得到了一定的发展。

（3）大数据帮助设计师转变设计思维

俗话说“物极必反”，包豪斯时代强调的“功能主义”最终演变成过于冷漠国际风格。当今提倡以“以人为本”的设计内涵，但是若设计师陷入思维固化，只会一味满足用户需求，设计出来的产品仍然会差强人意。一名优秀的设计师，在了解用户需求的同时，应当逐步向资本、运营、设计、创意的联合模式迈进，学会灵敏感知新生事物，以此形成设计新思维，在互联网+的时代背景与大数据技术的有力工具的帮助下，成为掌握战略全局的“能主之人”。

不仅是设计师，新的信息技术在发展的道路上，必然会引起人们情趣、生活方式和生活态度的重大变化，带来深刻的思维转型升级。大数据时代和“互联网+”思维加上工业设计产业的发展，影响到全社会的用户思维的转变，新互联网思维推动社会产生“体验经济”、“服务经济”等新产业形态，工业设计产业将面对新的挑战和新的机遇。

以人为本的设计内涵，就是设计的主题要从人们的需求出发，遵循实用、经济、美观的基本原则，以造物的实用价值的实现为基点，创造出最适合人们实用需求和精神文化需求之间的产品，使产品真正体现出对人的关怀和尊重，同时强调人、产品、社会、环境之间相互依存、互促共生的关系，为人类创造健康、和谐、持续的美好生活。接下来我将以工业产品设计为例展开论述。

（一）人是设计的中心

WDO在2015年对工业设计的最新定义中指出，工业设计旨在引导创新，促进商业成功以提供更高质量的生活，是一种将策略性解决问题的过程应用于产品、系统、服务及体验的设计活动。它是一种跨学科的专业，将创新、技术、商业、研究及消费者紧紧联系在一起，共同进行创造性活动。工业设计是通过其输出物对社会、经济、环境及伦理方面问题的回应，旨在创造一个更好的世界。

不难看出，不管是产品、系统、还是服务或体验，从设计的构思到最终实施的整个过程中，都是围绕着人来进行，或者以人作为基本的触点来开展的。在当今瞬息万变的信息社会中，设计的社会性是设计中关系成败的重要因素，无数的个体组成了整个多彩、复杂的社会系统，所谓以人为本的设计，所有的设计都是围绕着人的需要来展开的，就是要以满足人的需要为核心的。

（二）设计满足人的需求

美国行为学家马斯洛提出需要层次理论。展示了设计人性化的实质，从最基础到最高级的需要分别为生理需要、安全需要、社会需要、尊敬需要、自我实现的需要。当基本的需要实现了，才会满足上一级的需要。人类生理需要包括最基本的衣食住行、社会发技术进步、产品更新生活节奏紧张等，在产品设计上，这一方面意味着人这一切自然导致产品质量观的变化，还意味着设计师要从人体工程学的角度探寻人体的构造、习惯以及生理。在保证产品功能的前前提下，改进产品的外观形状以达到人机工程的一般原理。由此，在设计的过程中是产品适合于人，而不是人适合于产品，人是一切产品形式存在的依据。

（三）设计“以人为本”为美好生活服务

从个人体验的层面，设计会引发人们强烈的情感反应。随着需求层级的满足，大众对设计功能的需求转变为对设计心理的需求，设计师将注意力集中在精神价值和审美价值。设计需要拥有独特的文化内涵，设计的发展需要更加重视人文情怀和大众的审美取向，这样，在”以人为本“的思想的引导下，设计就能更好地为人们创造美好生活服务。

从个性化的层面，当今设计发展到一个新模式，用户及需求者成为”共创者“，与设计师一起投入到设计活动中来，这样每个人都可以根据自己的需求从而产生创造性的设计，发展出多姿多彩的体验设计、服务设计、社会创新设计风潮。设计为人服务、为人解决问题，这不仅是设计领域的共识，也是整个社会的共识。

综上所述，优良的设计可以看作是人类肢体的二度延展，如今人民群众对美好生活的需求更加多元，更需要我们以高品质的工业设计创造出更多优质的产品从而达到更加完善的用户体验。这就需要”以人为本“的设计理念贯穿到我们生活的方方面面，将”艺术化生活“”美好生活“成为现实是新一代设计师践行设计的社会责任。

安东尼高迪是西班牙新艺术运动的代表人物，他是一位建筑师，是新艺术运动中最引人注目、最复杂、最天才和最有创新精神的人物，而西班牙的新艺术运动是最极端、最具宗教气氛的新艺术运动。他在国际设计史上极富盛名，这种盛名上基于他将传统与现代融为一体的能力、他技术手法的大胆创新以及他对明艳、风格独特和富有创造性的装饰品的使用。他以浪漫主义的幻想，极力将塑性艺术渗透到三维空间的建筑中去，他吸取了东方艺术和哥特式建筑的结构特点，并结合自然形式，精心研究者他独创的塑性建筑。

高迪的设计思想经历了一个发展的过程，他的早期建筑带有强烈的阿拉伯摩尔风格，在设计上不单纯复古，而是走折中路线，将多种材料混合使用，如文森公寓——他的第一座摩尔风格建筑。由于对哥特式风格情有独钟，又受到新艺术运动的影响，他中期是新哥特式和新艺术混合风格。到了晚期，高迪逐渐摆脱了单纯哥特式风格的影响，探索出了自己独特的风格道路，采用有机的风格特征，同时又具有神秘、传奇的色彩，不少装饰图案都带有很强的象征性，如巴塞罗那公寓和米拉公寓，极具浪漫的塑性艺术特色，标志着他个人风格的形成。

高迪的代表作有居里公园、圣家族大教堂、米拉公寓等。米拉公寓是高迪最著名的建筑之一，是新艺术运动有机形态和曲线风格的极端代表。米拉公寓整个结构被一种蜿蜒蛇曲的动势所支配，体现出一种生命的动感，宛如一座巨大的抽象雕塑，但由于未使用直线，在使用上颇有不便之处。高迪对现代设计和后世产生了深远影响，被新一代设计师认为能与现代主义、国际主义相抗衡的符号，并加以借鉴。

莫里斯是英国”工艺美术“运动的奠基人，是真正实现拉斯金思想的重要先驱人物，他之所以被称为“现代设计之父”，不仅仅是因为他开设了世界上第一座设计师事务所，更多的是他的设计思想中含有的现代性。他所引领的“工艺美术“运动在民众中倡导”手工与艺术结合“的理念，以新的装饰反对矫饰，主张精致、合理的设计，并保存了手工艺，对现代设计对思想形成有重要影响，从推动整个欧洲大陆的新艺术运动，到以德国为中心的对于标准化、大批量生产方式探讨的“德国工作同盟”，再到1919年的建筑大师格罗皮乌斯在魏玛创立的“包豪斯设计学院”，至今仍影响着千千万万的设计师。

首先，莫里斯反复强调设计的两个基本原则，即：1、产品设计和建筑设计并不是为少数人服务的，而是为千千万万的人服务的；2、设计工作是集体的活动，而不是个体劳动。这两个原则都在后来的现代主义设计中发扬光大。实际上，包豪斯学院的许多模式都隐含着莫里斯设计思想的影子。一方面，第一任校长格罗皮乌斯的思想就具有鲜明的民主色彩和社会主义特征，他希望通过设计为社会提供更多更好的建筑产品，希望人人能享受设计，这点体现在运用钢筋、混凝土等现代材料，摒弃不必要的装饰，尽量压低造价。另一方面，他也主张设计的团队精神和集体工作的方式，在教学过程中，也建立起与企业界、工业界的广泛联系，学生们会到企业、工厂里去实习，与其他技术人员组成设计上的合作关系。

其次，莫里斯的思想核心是唤醒人们对自然的装饰、纯净的色彩和真正的美的精神的热爱，他不关心与工业的协调，而是一种对商业主义、大规模生产和由此产生的趣味的日渐低俗的反抗。于是他提出”艺术为大众“，在民众中倡导”手工与艺术结合“，要打破艺术与手工艺之间的界限。同样的，包豪斯也提出了三个基本观点：1、艺术与技术的统一；2、设计的目的是人而不是产品；3、设计必须遵循自然与客观的法则来进行。回顾历史，我们不难发现两者的思想出现了惊人的相似之处。

再次，工艺美术运动的目的之一，就是要将应用艺术提高到艺术的境界，将手工艺工匠提升到艺术家的地位。而格罗皮乌斯在包豪斯宣言中提出学校的两个目标：一是打破艺术界限；二是提高手工艺人的地位，使其与艺术家平起平坐。可以看出莫里斯的设计思想在后来的现代设计中体现的淋漓尽致。在包豪斯的实践中，由伊顿、纳吉等艺术家从事设计与基础课教学工作，是艺术推动设计发展的典型体现。

最后，曾有人说莫里斯并不是真正意义上的”现代设计之父“，他的言行使其走入一个具有历史意义的怪圈：他探索的重点恰恰是否定现代设计赖以生存的中心———工业化与机械化生产，但他却号召人们把生活用品的设计与其功能相结合，并身体力行。因此，他实际上是在引导人们对产品（不论是手工艺还是机器产品）设计与其功能的关系予以特别重视，指出了正确的设计方向，极大地推动了工业产品设计这一新生事物的发展。

纵观历史，一座炫目的水晶宫建筑引发的一系列改革和运动，拉开了现代设计的序幕。以历史的眼光来看，水晶宫的诞生处于工业革命后社会迅速更替，社会矛盾和思想矛盾不断的时代节点，引发了一系列对于“艺术”和“工业”的激烈讨论。而以当代的眼光来看，当今的中国，正处于奠定新时期发展基础、从传统型向现代型转变的时期，在变革与转型的过程中，势必存在着矛盾、混乱以及不平衡性，这种不平衡性与一百多年前的工艺美术运动时期存在一定的相似之处，于是我们就能够从中获得启示。

1⃣️设计师应该为了“民众的福祉”而创作

一个半世纪后的今天，当年从水晶宫中开展的世博会来到了中国上海，这意味着中国也成为了世界瞩目的中心，我们会为此付出不少努力，也会有不少设计诞生，但是所有现代设计的审美、功能、价值都有没有问题，我们不得而知。但是既然世博会站在了祖国大地，我们就要像对待2008年奥运会那样，使其绽放中国的独有魅力。但是中国的设计还处于发展初期，正如工业革命后的英国，要想使设计走上良性的发展轨道，还需要立足于中国的本土民众，首先满足大众的需求。中国的设计行业和设计教育，只有在现代性、科技、市场等很多方面充分的与真正的“大众”沟通，尽快培养起一个接纳设计的社会环境，才能毫无羁绊的实现“设计为人民服务”这个唯一永恒的梦想。

2⃣️设计应该避免抄袭和拼凑，立足于问题和设计自身

随着国家经济建设的发展，人民生活水平的提高，社会对艺术设计的需求不断上升，发达国家的艺术设计产品和文化思潮也随着中外文化艺术交流而深刻地影响着中国当代设计的发展。中国工业还处于一个大规模改造和建设时期，大量的工业产品的设计主要还是外来样式，只要国内有市场，这种靠仿制的生产就会持续下去，大多数的企业家认识不到设计对于企业发展的重要性。回顾水晶宫中所谓”粗制滥造的工业产品“及其身上”矫揉造作的优雅和虚饰的诱惑“，此时构成产品的元素来自过去的时代及工业革命的新技术，是折中和肆意拼凑的结果。历史告诉我们，这种做法引起了设计改革派极大的愤怒，抄袭与折中主动会被时代淘汰和摒弃。

中国的设计若要步入良性的发展轨道，需要立足于设计自身的特点，基于市场调研和社会需求，解决设计如何进一步与企业生产实践结合、如何更好地设计创新而不是模仿等重大课题。

3⃣️应该在具有民族特色的设计中站稳脚跟

自90年代开始，一些有思想的设计师一手伸向传统，一手伸向现代，在中外设计交流中逐渐站稳了脚跟。“中国设计”正日益成为国际设计界关注的焦点之一，作为有源远流长的传统文化的华夏地区，如何在研究中国传统设计文化的基础上，建立起富有中国特色的国际化、现代化的设计学派和设计领导力，是中国设计师们面临的共同课题。而在处理民族特色设计的过程中，要处理好艺术与设计的位置，反观水晶宫时期大量来自中世纪和文艺复兴装饰式样的产品，我们可以看到许多历史教训。

当今中国的设计与150年的英国不可同日而语，但在物质财富增长的同时，中国的设计环境更趋向“水晶宫”时代的英国。水晶宫突破了传统建筑观念，新技术、新材料使传统形式美的法则失效，开辟建筑新纪元。工艺美术运动是现代设计中的第一个设计运动，由于反对工业化和大批量生产的设计产品，导致设计无法与技术相结合，最终导致工艺美术运动的失败。中国正面临着开辟设计新纪元的时代，新的设计形式、新的技术发展滚滚而来，只有真正“脚踏实地”，与现实接壤，中国设计才能得到有效的发展。

我们认为艺术是一个复杂的现象，既有精神性的产品，也包括精神与物质结合的产品，所以艺术必然有纯艺术、实用艺术、现代艺术等多种艺术类型。实用艺术即设计，是纯艺术与生活之间的桥梁，是艺术生活化的重要手段，艺术起源于实用艺术，但是设计又不仅仅只能用“实用艺术”来定义，显然，设计与艺术之间存在紧密的联系，它们相辅相成，共同改造着我们的世界。
（1）艺术，是人类通过情感和想象等把握和反映世界的一种特殊方式。具体而言，它是对人们现实生活和精神世界的形态反映，也是艺术家知识、情感、理想、意念等综合心理活动的有机产物。
（2）设计就是设想、运筹、计划和预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动，设计能够使多种视觉元素，如线条、形体、色彩、色调、质感、光线、空间等有机结合在一起，它涵盖了艺术的表达、交流以及所有类型的结构造型。 中国设计之父柳冠中先生说：“设计是某种意义上的第二生产力，设计早于科学、早于艺术，那时科学没有诞生，艺术没有载体，人类最早的智慧与冲动，最早的创造行为就是设计即发现问题、解决问题。”
（3）设计又被称为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然具备相应的艺术含量。从古至今，设计的艺术追求都是通过设计产品体现出来的。设计的艺术手法主要有：借用、结构、参照、装饰和创造等，不同设计产品体现着多元化的艺术特征。纵观历史，设计与艺术，特别是装饰艺术之间，走了一条否定之否定的曲折发展道路，从早期的新古典、巴洛克的繁琐，到现代主义提出的“无装饰的装饰”，再到波普艺术、后现代主义的百花齐放，可以看出设计是艺术的重要载体，艺术也是设计重要的灵感源泉。
（4）设计虽然超越了纯艺术，存在于设计生产的全过程，和技术、材料、工艺、市场等因素紧密地结合在一起，但设计创作与艺术思考并不能截然分开。设计师的设计始终要考虑到具体的设计对象，根据生产技术条件和制作技艺的可行性，进行创造性设计，而整个创造性过程也一直与艺术的审美特性发生联系。
（5）艺术也推动设计的发展。首先，艺术变革为现代设计的发展开辟了道路。其次，艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。再次，设计师关注艺术，投入艺术研究，也可以推动设计进步。最后，设计师与艺术家合作则更有可能推动设计进步。如荷兰风格派设计师里特维尔德设计的红蓝椅，显然受到了画家蒙德里安的抽象艺术作品《红黄蓝》的影响，将风格派艺术由平面推广到了三度空间，以一种实用的方式体现设计原则。

综上所述，设计与艺术从来都是相互交融，相互促进的，纵使历史演变中也曾出现艺术的纯化、“装饰即罪恶”等思想，但随着时代的发展，设计已经离不开艺术，艺术生活化成为趋势，同样，艺术活动的规划也离不开设计。作为当今中国的设计师，面对国民审美水平还有较大提升空间的时代背景下，结合传统艺术，将艺术融入设计，融入生活，是我们应尽的责任。