科隆论战是1914年，在德国工作同盟举办的工艺艺术和建筑展览会上爆发了一场重大论战，这也是现代主义设计艺术与传统手工艺理论上的最后一次交锋。对德国乃至世界产生了深远的影响。
争论双方是亨利凡德威尔德和穆特修斯。威尔德认为艺术家的本质是热情的自我表现者，是自由自在的表现者，他们是绝对自由、绝对自发的，绝不屈从于任何规律和原则；否认产品的标准化。穆特修斯的观点则为艺术家因凭借标准化去把握现代主义的工业发展，工业发展应遵循科学原理进行标准化生产，以及让人们接受标准化。同盟在实践中实现了这一主张，把美国底特律的福特汽车流水线引入德国，使流水生产线和标准化进入德国工业设计。
虽然当时威尔德的观点得到了大多数人的支持，但是随着时代的发展，穆特修斯的观点更符合社会工业发展。由此可见，通过标准化的设计能让产品更好的走向全球化也更好的服务于大众。科隆论战对德国乃至世界产生了深远的影响，不论是当时还是现在，设计应从工业出发，艺术应该独立于经济需要，设计品质也不应以经济利益而动摇，这使德国自德意志工作同盟以来德国设计保持至今的优良品质。正是因为这一优良品质，德国的产品设计才会精彩绝伦，令人印象深刻。标准化设计的大量推广，提高了德国的工业水平。但是，标准化生产的过度使用则会导致千篇一律的风格（国际主义），会引起大众的反感和厌恶。
标准化和批量化是社会发展的趋势所在，是德意志工作同盟寻找到的降低生产成本，让设计服务于大众的道路。对于当下的设计，要以史为鉴，不要过度标准化批量化，不然则导致不近人情的设计。当下的设计师既要遵循标准化的设计原则，也要考虑到用户的情感需求。

韦德伍德起源于18世纪，由魏德伍德创立。18世纪的社会背景下，陶瓷工业与家具行业有很大的不同，其组织化程度要先进很多。影响了陶瓷工业的商业结构和生产，当时人们德生活习惯德改变，人们对陶瓷产品德需求量的增加，使陶瓷工业在18世纪下半夜迅速扩展。魏德伍德首先作出反应，他将以家庭手工生产为基础的陶业转变成大规模工业化生产的巨大转变中，起着关键性作用。
魏德伍德陶瓷工业的成功首先取决于他的商业眼光，他的商业技巧使设计不仅在生产中而且在市场开拓中成为关键因素，设计是一种自觉的手段，通过设计所具有的“趣味价值”使不同的产品能适应不同的市场需求。
他有意识地将生产分为两个部分以适应不同市场的需求。一部分是为上流阶层生产的极富艺术性的装饰产品，另一部分是大量生产的实用品；针对国内不同阶层及国际不同国家，采用了不同的营销技巧，并精心组织生产不同风格的产品以适应不同的市场；他还建立了长期的展销场所，方便顾客选择、订货；
同时还有新技术和新材料的运用，18世纪中叶，陶瓷工艺上有两大革新：一是通过洗的方法及改善陶泥混合比使陶更洁白，使之接近于瓷器；二是在模具中重复浇筑泥浆的成型方法。魏德伍德的工作是这两种革新的继续和创新。为了扩大生产规模，在工厂中使用了机械化的设备，并实行劳动分工。此外还委托艺术家进行产品设计，使产品适合流行艺术趣味，提高身价；使用花边图集来表明标准的花边图案，使工匠能依样复制。推动了工业技术在陶瓷上的应用，扩大了生产规模，提高了生产效率和产品质量。
由此可见，首先可以采用劳动分工的方法提高当代设计的生产效率，其次在商业市场上，产品设计要与市场相结合，在设计的过程中，要针对不同的人群去做市场定位设计不同的产品，对于用户需求和审美的设计，部分上流阶层还可以选择定制。对于设计者而言，要了解当下新技术和新材料，了解当下人们的需求，积极的去运用新技术和新材料，可以促进生产效率和产品质量的提高。

工艺美术运动是19世纪50年代起源于英国，由于工业批量化生产导致设计水准下降，一批艺术家企图通过手工艺恢复当时的设计局面。新艺术运动起源于19世纪末20世纪初的法国，是工艺美术运动在欧洲大陆的延续和传播，是一场影响面很大、内容很广泛的形式主义运动。
相同点：首先都是对矫饰的维多利亚风格和其他过分装饰风格的反动，他们希望在艺术与技术上建立一种有机的平衡，都放弃了传统风格的参考而转向自然的装饰动机。其次都反对机械化生产，旨在重新掀起对传统手工艺的重视程度，同时受到日本装饰艺术的影响。最后两者都是对工业化风格的反映，漠视机器生产，具有悲剧色彩，因此无法真正构造技术与艺术、手工艺与机器生产之间联系的桥梁。
不同点：工艺美术运动是19世纪下半叶的一场具有实质性的设计运动，是有史以来第一场大规模运动。为了抵制工业化对传统建筑、传统手工艺的威胁，复兴以哥特式风格为中心的中世纪手工艺风气，通过建筑和产品设计体现出民主思想。代表人物有理论指导约翰拉斯金，他的著作《威尼斯的石头》和《建筑的七盏明灯》，实践者威廉莫里斯《红屋》。强调哥特、中世纪的设计风格寻求简单、朴实的装饰风格作为装饰动机，与此相反，新艺术运动是19世纪末20世纪初的一个影响广泛的国际化设计运动。在于追求与传统的决裂，是一种全新的自然风格。新艺术运动反对任何学院派和复古主义的装饰样式，主张在自然中寻找艺术灵感，强调自然中不存在的平面和直线，在装饰上突出曲线，装饰动机来源于自然形态。注重探索材料和技术所带来的艺术表现的可能性，为工业设计的发展扫除了形式上的障碍。虽然两者都有回归自然的主张，但有实质区别，莫里斯主张回到中世纪那种工匠集技术于一身的自然状态，以排除生产条件下产品功能和形式的隔阂。新艺术运动则是把从自然获得的动植物的纹样装饰于实用产品之上，是为了艺术而艺术。
综上所诉，都是工业革命背景下人们对于设计发展的积极探索，在设计史上均具有重要影响，给后世的设计家们提供设计参考，以及设计理念也值得我们学习和借鉴。

欧洲的手工艺阶段从奴隶社会到封建社会再到18世纪的工业社会，主要代表的阶段有古埃及、古罗马、古希腊和欧洲中世纪哥特式风格、文艺复兴、巴洛克和洛可可等。这个时期的设计是动态的，它会依据不同地域和社会环境而有所变化和区别。
古埃及设计风格是沉稳、单纯、朴实和崇尚自然的设计风格不光体现在金字塔、木乃伊这些众所周知的事物上，在家具、饰品上也有所体现。埃及金字塔在设计上突出表现建筑的高大、稳定等效果，起到震慑奴隶的效果。家具设计几乎都带有兽型一样的腿，但前期的家具设计没有注重靠背和作为比例的调整，后期的设计加入了背部的支撑，表明设计师开始注重家具的舒适性和实用性。古希腊在建筑上取得辉煌成就，石质深柱构件和组合的特定艺术形式。最具代表的是希腊卫城和帕特农神庙。在罗马立柱的设计上，多兰克柱式具有男性阳刚之美，爱奥尼柱式具有女性轻盈秀美的特征，科林斯相对于其他两个柱式装饰性更强，具有少女窈窕体态的模仿。古希腊家具继承了古埃及家居风格，线条刚毅，装饰有狮子形象，最具有代表性的是克里斯姆斯的靠椅，靠椅线条极其优美，注重和符合力学。13世纪的欧洲中世纪的设计目的是为基督教统治服务，其建筑特点为哥特式风格。哥特式风格利用垂直向上与顶端尖锐的姿态表现出直刺苍穹的感觉，内部彩色玻璃与高高的顶部给人以飘渺的感受，从而达到神灵降世的压迫感。代表作品有圣母玛利亚大教堂，马丁王银座等设计。文艺复兴是14-17世纪意大利资本主义打着“人文主义”的旗号，开始重视人的地位，主张人性高于神性，一反中世纪刻板的设计风格，开始从古希腊与古罗马的古代艺术汲取灵感，曲线得到了大量的运用。浪漫主义是法国大革命催生的社会思潮的产物，提倡“自由、平等、博爱”的思想推动了个性解放和情感抒发的要求，对个人独立和自由的强调，成为浪漫主义文学的核心思想。巴洛克和洛可可风格便是从此思潮中诞生出来的，但是两者的风格和诞生时间不同。巴洛克风格追求豪华，浮夸和矫揉造作的表面处理效果。主要体现在天主教教堂上，并影响家具与室内设计。其特点概括为具有贵族与宗教的威严、具有男性的雄壮和刚毅之感、色彩鲜艳、华丽等。洛可可风格是由于当时的路易十五沉溺于凡尔赛宫中的奢靡生活，一切都为宫中女宠所左右，所以家具样式随贵妇的爱好而转移，其特点概括为自然主题的装饰题材，纤细、轻巧的妇女姿态等。
这个时期的设计是循环往复的螺旋式上升的，是围绕大众和上层社会探索的。

远租时代，人类的生存环境是极为严酷的，人们受到各种自然灾害的威胁，还经常受到野兽的袭击。因此，人类最早的设计工作就是在受到威胁的情况下为了保护生命安全而开始的。早期设计的如猎具、衣物、武器等，都是为了抵御自然灾害和野兽的袭击。在这种情况下，设计便成了生死攸关的问题。按照达尔文的适者生存的理论，人类作为自然物种之一，其生存取决于适应自然环境的能力，这种适应包括设计制造有用的工具来保护自己的能力。这种设计的质量决定设计者的生死，因而设计往往是成功的质量很高。尽管这些设计技术都是很简单的，但都是很有用的。人类的设计就是在满足生存最基本需求的工具的基础上发展起来的。
例如：澳大利亚土著居民使用的飞镖，格陵兰人用的兽皮筏图

中国手工艺阶段是经过原始社会生存设计后，温饱问题的得以解决，希望生活更加舒适的探索结果。人类最早通过化学方式将一种物质转化为另外一种物质的创造性活动例如制陶 炼铜，随后慢慢转化到手工艺阶段。中国手工艺阶段有着重要的两个特点：
第一点：由生活方式和生产力的限制，设计产品大多是比较简单的生活用品。生活用品主要依靠手工劳动，设计的产品往往具有丰富的个性和特点，装饰成了体现设计风格与价值的重要手段。第二点：设计销售一体化，设计者与使用者非常熟悉，因而涌现出大批优秀作品。
例如：中国的手工艺分为彩陶、青铜器、瓷器和家具，它们在加工方式和装饰上也有所不同。陶器是氏族社会形成后的一项重要成就，在这之前，人类只能对自然材料进行加工与改变外形。而制陶的发明则是通过使用火的应用，而人为的改变器物的造型。陶器分为汲水器皿，储藏器皿和称物器皿，不同的器皿在造型上也不同。比如，汲水器皿是尖底在取水时可以固定在那里便于取水。铜是人类最早冶炼和使用的金属，起先，人们使用纯铜，后来使用铜与锡的制成合金青铜。商之前大多是直接仿制陶器造型，体壁较薄，多为平底与尖足。商之后，商周时代多为礼器，造型精美，花纹繁复细致。青铜纹有饕餮纹、云纹、雷纹、圆圈纹等装饰。云纹在古代是吉祥图案，象征高升如意，应用较广，在2008年的奥运会的火炬也利用了云纹进行装饰。汉代时期的青铜器已经开始转向生活用品方向发展，长信宫灯利用虹管将灯烟吸入盛水的灯座，使之溶于水以防室内空气污染 这对于现代的环保设计和水净化有很好的借鉴作用。手工艺时期的瓷器在宋代达到鼎峰时期，同时还有宋代的五大名窑：哥窑、汝窑、官窑、定窑、钧窑。中国的陶瓷很大程度上受到书画艺术的影响，在保证实用功能的情况下在设计上崇尚自然，这种师承自然的设计理念与欧洲的新艺术运动的设计理念有异曲同工之妙。人类生活方式的改变，园林建筑兴起、木材材料的丰富和木工具的发展，让家具设计在明代达到顶峰。明代家具的艺术具有精、简、厚、雅四个特色而且设计上也具有意匠、材料、结构和工艺这四美。
中国的手工艺阶段的设计，不管是陶瓷、青铜器还是家具在功能的表达、传达的精神文化和审美上对当代的我们都有借鉴作用。

马家窑型
距今约5000年 分布地区主要是甘肃和青海部分地区
装饰特点：马家窑文化的制陶业非常发达，其彩陶继承了仰韶文化庙底沟型爽朗的风格，但表现更为精细，形成了绚丽而又典雅的艺术风格，比仰韶文化有进一步的发展，艺术成就达到登峰造极。装饰多用同心圆为中心组成图案，运用曲线和直线相结合的方式，产生了对比的艺术效果。马家窑型彩陶的艺术特点：1、满。从器物的口沿到接近底部，几乎都饰满了花纹，显得多而满。2、内彩。内壁绘彩是马家窑型彩陶的一种流行装饰手法，也有内外都加彩的。3、点和螺旋纹。点的运用成为这个时期装饰特点。在点的外面绘以螺旋纹，有动的感觉。
表现手法：繁彩 内彩
艺术风格：旋动流畅
代表器物：《舞蹈纹彩陶盆》

在设计的多元化潮流里，以科学为基础的理性主义占据着主导地位。它强调设计是一项集体的活动，强调对设计过程的理性分析，而不追求任何表面的个人风格，因而体现出一种无名性的设计特征。这种设计观念实际上是现代主义的延续和发展。但它于早期现代不同，并不着急于艺术与设计上的结合，而是试图为设计确定一种科学的、系统的理论，即所谓用设计科学来指导设计，从而减少设计中的主观意识。
随着技术越来越复杂，要求设计越来越专业化，产品设计师往往不是一个人，而是多学科专家组成的设计队伍，国际上一些大公司大多建立自己的设计部门，设计一般都是按一定程度以集体合作的形式完成的，这种情况下个人风格就难以体现于产品的最终形式之上。
此外随着设计管理的发展，许多企业都建立了自己的长期设计政策，这就要求企业的产品必须体现出一贯的特色。即使聘请由设计师的产品也必须和公司的特色一致，以保持设计的连续性，这些都推动了无名性设计的发展。
二十世纪60年代以来，以无名性为特征的理性主义为国际上一些引导潮流的大公司所采用，对于这些大公司而言，无名性意味着减少设计师风格而去突出企业产品的总体特征。在办公机器设计上，无名性更为明显，无论是复印机还是计算机，造型上都十分稳健。
无名性设计的一个极端的例子是日本家具产品公司无印良品的产品。无印良品在日语中是无品牌的意思，无印良品的设计者田中一光、深泽直人、山本耀司等都是国际著名的设计大师，但是他们的名字从不出现在产品上，在设计中也不刻意强调自己的个性和特色。这种无名性设计在很大程度上代表着工业设计的主流，其影响力一直延续至今。

《Doums》由吉奥庞蒂于1928年1月在米兰创刊，是意大利最著名的建筑和设计杂。志始终以敏锐的视角，客观、及时、全面地报道全球建筑、设计及艺术动态，以其灵活多样的形式、深刻的思想和充满活力的内容为特色，在78年的发展历程中，对国际建筑、设计及艺术界有着广泛深远的影响，成为全球最具活力和影响力的专业杂志之一。在78年的发展过程中，不断调整主题、栏目、版式等，从而始终保持其活力和前瞻性；它的发展也同时折射出整个人类社会与文明近一个世纪以来的发展变迁，记录了城市、建筑、设计、艺术、文化中最深刻、最有力的那些思想和作品。
《Domus》并不只局限于建筑，而是将视线拓宽到一个更大的范围，将建筑、设计、艺术三大领域结合在同一本杂志中。在这里，既有最专业的建筑评论、最新的建筑作品，也有以“环球设计”为题的工业设计专栏，有专门介绍当今全球最新材料技术的“材料世界”，有最新、最酷的各类产品介绍，还有hans ulrich obrist做的艺术家访谈，以及《Domus》和艺术家合作的项目等；这里有关于材料、结构、环境等问题的讨论，也有关于地域政治、社会、伦理道德的评论，同时，还有来自艺术最前沿的讯息、最新的技术、和最富活力的时尚。而这种集深度、广度、趣味和时尚于一体的多学科贯通的风格，恰恰吻合今天人们对于跨学科交流、互动的呼吁，也符合今天世界的发展趋向。