波普设计运动是一场前卫而又面向大众的设计运动，兴起与20世纪60年代的英国并波及欧美。波普艺术是为了改善英国设计落后的地位而产生的。波普设计运动的思想根源是从美国大众文化中而来的。波普设计与当时主流的国际主义风格、理性主义、减少主义的待征背道而驰。其特点是①利用现实生活中任何可利用的视觉元素作为绘画和设计的素材。②采用夸张变形的手法，运用到产品设计中。③强调色彩和图案的平面效果。
波普艺术极大冲击了传统美学的设计标准，它比传统美学更适应当时的消费人群，极大提高了人们的审美层次。在波普艺术的兴起与冲击下，传统美学越来越没有新意，枯燥和重复的设计使得设计师开始注重对设计目的的考虑，逐渐面向商业化，这也促进了传统转向现代的进度。吸收了波普艺术的现代设计让人们注重绘画与设计的紧密性，在一定程度上对现代设计的多样化有着正面作用。在受到波普艺术冲击后的现代艺术摒弃了传统单调的设计模式，运用多样化的手法来丰富设计的形式，这样的表现形式使更多设计师勇于打破传统观念，创造出更加丰富、新颖的作品。波普艺术在设计上的影响是巨大的，对于启发后来的设计，启发设计师的想象力与创造力都具有一定的影响与作用，这种影响，极大地拓展了设计思考的层面推动了设计观念的发展，对现代设计的影响还包括带来了新的设计理念与思路。所以在今天我们依然可以看到波普设计的作品，这些作品仍然丰富着我们的生活。

“兼相爱，交相利”在尊崇墨子思想的国度里，他希望人人都能互助互爱，多为对方着想，把别人的事也看做是自己的事一样地关心，这就是所谓的兼爱、交利。对于设计而言，给我们的启发也有启发和指导意义的。设计为人，关心人，以给人们提供便利，为社会发展进步而不懈精进的设计思想。
在工艺美术运动期间，莫里斯就反复强调设计的两个基本原则，即：1、产品设计和建筑设计并不是为少数人服务的，而是为千千万万的人服务的；2、设计工作是集体的活动，而不是个体劳动。这两个原则都在后来的现代主义设计中发扬光大。
20世纪80年代美国著名设计理论家维克多·帕帕纳克提出《为真实的世界设计》并出版，对设计界产生了颠覆性的影响。他认为设计应为世界上的大多数人服务，而不是为少数富裕国家服务，尤其是为第三世界国家服务，他还将设计的目光转向特殊群体。在他的影响下，日本和瑞士的很多设计即是以此为出发点，体现出对每一个个体的深切关怀的设计，是对人的普遍的爱的证明。帕帕纳克的这种伦理关怀与先秦时代墨子的”兼爱“有着诸多共同之处。

在经济全球化背景下，设计作为各国交流的重要手段需具备国际性的共通语言，这也使得国际主义设计成为不可阻挡的潮流。在这种发展趋势下，各国设计的民族特征逐步消失，被国际特征所取代。国际主义风格虽具备理简明准确、利于传播的特点，但其单一、刻板的风格特征也会使得民族性设计缺乏生动性和多元化。中国设计在国际主义风格的影响下，虽然加强了与国际的交流与联系，但也需要重视其对于民族特征的作用，不可一味挪用。因此，如何在设计上既保持我国的民族特征，又能被世界所认同和接受，是我国设计的一项长期任务。
国际主义设计的目的是为社会大众提供能够买得起的设计，希望通过工业化大生产向人们普及最新的设计产品。这一乌托邦色彩的探索，其思想是进步的，体现了民主主义与社会主义倾向。虽然它在满足人的情感需求这一方面有所欠缺，但整体看来，对于中国设计发展有着积极的指导意义。中国现代设计起步较晚，发展较慢，设计教育的建设尚未完备，许多设计师并没有较强的设计道德与社会责任感，缺乏以人为本的设计观念，这些都是尚待解决的问题。
国际主义风格对中国设计产生了巨大影响，我们应在国际主义风格的大趋势下，努力探索根据设计目标的应用范围考虑其服务对象，发展民族特色，在新的历史时期的大背景下，走统一与多元化相结合的道路，使中国当代设计成为为广大人民服务为目的的设计。

在英国工业革命以前，我们所熟知的工业产品与工业设计现代概念还未诞生，世界上的造物大多都是传统的手工艺造物，手工艺造物讲究“精心致巧”的匠人精神，讲究手工艺者对于造物整体的把握，有十分强烈的制作者个人特色和审美表达。在20世纪中叶的战后年代因为现代设计一味的追求功能性，忽视了人的个性追求，许多设计者们希望重新找回手工艺的精神，把传统的手工艺和现代设计进行融合，让现代设计达到更高层次的“否定之否定”的跨越式发展。以下我将从思想和物质两个层面，具体谈谈传统手工艺对于现代设计的意义。

（一）回溯“中国匠人精神”的时代意义
如今我们正在面临工业4.0时代发展任务，需要加快进行从“中国制造”向“中国智造”的转型。积累了几千年的“匠人精神”成为了可借鉴的要点，中国的“匠意”中包括了极强的创造性与审美境界，在中国古代匠人通过实践摸索和经验传承发明出了“失蜡法”、“夹伫”、“青花五彩”等革新性的创意技艺，这与其可以求新求精的精神是分不开的，也是在当代我们对于形式僵化情况的解决良策。另外，正是因为有了在匠人在制作时所遵循的“天人合一”、“制用利人”、“重己役物”的设计思想以及《考工记》中提到的“天有时、地有气、材有美、工有巧”的设计规范才让我们古代造物诞生了“长信宫灯”这样形式与功能完美结合，并且具有人性化的优秀设计。这些思想与现代主义思想所提倡的绿色设计、形式与功能结合、以人为本的理念往往不谋而合，是具有时代性的。我们从本国特色民族手工艺精神中汲取力量，不仅是升华了现代主义设计的融合，并且还让本国的现代主义具有民族性，在世界范围了弘扬了“中国精神”的内核。
（二）融合促进设计产业发展意义
手工艺在经历现代主义的机械化冲击后逐渐的转向了“纯艺术”领域，成为另外一种层次的力量。回顾现代设计史，从英国“艺术与手工艺运动”对于手工艺力量的呼唤到美国“工作室手工艺运动”的手工艺当代表达再到英国70年代“手工艺复兴运动”可见手工艺和现代设计的融合的融合从未间断，只是在不同时期表现为了不同的目的和形式，都在当前的时代解决了社会发展中遇到的问题。当我们感叹日本设计大师柳宗理设计出“蝴蝶凳”的实用并兼具意匠之味时，当我们感叹英国设计师韦斯特伍德的“迷你蓬裙”在商业时装设计上既潮流又复古的品味时，我们都应该追寻其在背后对于手工艺与现代设计融合的实践，如民艺运动等的思潮运动，只有把握这一点我们才能发挥手工艺对于现代设计的促进作用，提高整个设计产业品味和商业上的发展。

总上来说，对于今天的中国来说传统手工艺和现代设计融合有着溯源精神思想、促进实际发展的重要意义。我们是世界上唯一没有“断流”的文明古国，这一传统优势我们应该不断思考转化为时代优势，为中国面向工业4.0的新时代、设计的增强国际影响力发挥重要的引领作用。

设计是发现问题、分析问题、解决问题的过程。设计就是在观察生活中发现其不合理之处，然后找出相应的解决办法，变不合理为合理。中国的现代设计发展轨迹与西方并不完全一致，西方国家发起艺术设计的运动的核心是设计教育。1892年英国皇家艺术学院和1919年德国包豪斯设计学院都是先进的设计思想家利用教育作为支撑点来发起设计运动:而我国的艺术设计教育，从20世纪80年代才开始。直到今天，国内的设计教育虽然表面很热闹，事实上在设计教育体系中存在许多问题。
中国设计缺少创新，设计同质化，处于中国制造转变为中国智造的阶段。受西方影响下，普遍以西方为样板设计，没有融入自身传统文化。市场流行什么，则模仿什么。
大众审美水平有待提高加强美育，设计教育体系需改良。市场审美水平不高，设计为迎合市场，从而放弃设计。从出现许多“五彩斑斓的黑”“甲方爸爸”等网络热词，也能看到其设计创新，设计发展的困难。
设计市场规则不明确，缺少知识产权保护。缺少版权保护，抄袭成本低，使得创新动力低。大众对抄袭敏感度低，例如近年出现的大学生设计比赛中，出现获奖作品抄袭事件，能看到“未来的设计师”都对此不敏感，市场更会“包容”抄袭，“赚快钱”。
我认为应该从中国设计教育的发展培养，从而推动我国设计又快又好的向前发展

1. 提倡创新、培养个性
2. 教学与实践相结合，设计与市场相结合
3. 培养设计师的设计道德与责任

老子云：“有之以为利，无之以为用”。
其中的智慧放在当今工业企业的商业模式和产品设计中依然十分有用。“有”指的是可见的、固定的、有别于其他的实体；“无”则是隐藏的、变化的、发挥效用的无限可能性。“利”代表的是可占有、可收获、可使用的基础条件，而“用”则是可供发挥和可有所作为的空间和方向。
如果拿一个杯子来做比喻，杯子当中看似“无”的空间才是容纳水的地方，才是真正的载体。因此，“有之以为利，无之以为用”则可理解为，一切事物的实体为我们提供可以凭借的、可见的基础条件，而其中所隐藏的空间和可变化的无限可能才是被我们真正使用并创造价值的所在。
未来工业界卖给用户的不再是产品，而是有价值的能力；对于驾驶者而言，汽车是一个产品，但是更重要的是汽车带来的行动力、时尚感、经济性、舒适性和安全性等一系列能力。

随着大数据时代的来临，大数据背景设计技术与方法不断更新，加之新的传播媒介与承载物料不断涌现，从某种意义上讲，它改变了设计的结构，丰富和更新了设计内容，同时不断创造新的设计形式，推进这设计向前发展，赋予其新的范畴，核心形式和外延领域都发生着巨大的变革。

大数据就是互联网发展的一个环节，对繁杂冗长的数据进行收集利用，针对信息从采集、处理、储存到形成结果的整个过程的计算。大数据类型包括视频和图片，这就涉及到设计领域，设计工作者在数字信息化发达的时代背景下，可以利用大数据，结合新技术和应用，调整优化设计过程，实现以人为本的可持续化的设计。

21世纪的设计已经随着媒介和技术不断演变，成为一种复杂的系统工程，涉及多个领域。就如视觉传达设计而言，已经从二维平面设计到动态化、综合化的三维、四维的设计。设计的目的是为了满足人的需求，而对于设计前期工作是需要大量的数据调研分析需求、寻找痛点、受众定位等等。设计追求的是让消费者受益。在以往的设计中，对于设计对象定位笔了具有较强的主观性，数据收集比较困难，结论相对片面具有较大的局限性，甚至可能是错误的。而如今，可以利用大数据进行分析，进行准确的设计目标定位，再同创新思维结合共同完成设计工作。设计中利用大数据进行目标定位，这对于之后的设计有指导性意义，也是建立正确设计观点和思维方向的前提，为设计研究打下坚实基础。

“以人为本”的设计思想，从上世纪60年代发展至今，已经有五十多年的发展历史，但追根溯源，从1851年英国水晶宫博览会引起的工艺美术运动。到后来的新艺术运动，现代主义运动等“以人为本”的设计思想也在不断的发展演变之中。
直至今日，“以人为本”的设计理念依旧是设计发展的大趋势。“以人为本”的设计中所说的“人”并不是指某一类占比较大的人群，不同年龄的人群对于设计的要求也是不同的。例如在一些公共区域，室外或者室内应该设计一些儿童玩耍的区域。或者适合老年人活动的专门的区域，兼顾不同年龄段的人群，这样的设计更加的人性化，尤其是现在随着社会年龄化的进程，这种考虑到特定年龄群体的设计将会意义重大。“以人为本”的设计也不仅仅是为正常人的设计，还包括残疾人的设计，残疾人中又分为不同的类型，针对不同的类型要有不同的设计。
设计是为人服务的，一切设计要以人为核心，因此在设计过程中必须把人的心理，生理，行为习惯，思维方式等因素考虑在设计当中，从而达到人与产品自然的交流，接受生理，心理，功能与情感的平衡让人感到舒适。

西班牙著名建筑师，西班牙“新艺术”运动的代表人物之一。高迪的设计生涯经历了三个阶段：阿拉伯摩尔风格、新哥特式和新艺术风格混合的风格，以及有机风格。他早期的设计风格具有强烈的阿拉伯摩尔风格特征。其在设计上不单纯复古，而是采用折中处理，把各种材料混合利用，比较典型的是建于1883-1888年，位于巴塞罗那卡罗林区的文森公寓。
设计思想:
1.反对工业化，认为建筑设计应该向古典学习，从而衍生出自己的新形式。
2.认为每-一个独立的建筑元素都可以更符合逻辑、更有表情、更丰满、更具有装饰效果，少一点平庸。3.他的设计为贵族和宗教服务
4.他的设计经过了摩尔风格时期，哥特式风格时期，有机建筑时期。
5.有机建筑风格:建筑与宗教、雕塑有机结合，带有神秘的传奇色彩，装饰图案带有强烈的象征性。
6.他的设计带有强烈的艺术特征和科技特征。
代表作品:圣家族大教堂、米拉公寓、巴特罗公寓、文森公寓、居里公园、圣特雷萨修道院
评价:高迪的艺术和建筑风格是很独立的，作品极为大胆、极端、特异。高迪在现在设计史，上具有举足轻重的地位，其风格对后世产生了深远的影响。

现代主义的灵魂其实是功能主义和为民众设计，机械化只是一种实现生产的方式，在莫里斯之前人们追求的是功利主义的省时省料省钱，装饰又代表着资本主义社会下个人主义的社会和文化身份地位，所以莫里斯之前人们是追求装饰大于功能（装饰的社会价值功利主义）。但是莫里斯是要求产品注重功能和真实材料并且付诸实现的第一人，且莫里斯是社会主义者，而且莫里斯的影响力在新艺术运动中巨大，现代主义的形式风格来源又和维也纳工坊（分离派）和风格派有很深的渊源，而分离派和风格派又受格拉斯哥影响很深，格拉斯哥和莫里斯同属英国，这样说起，是不是有联系了呢。
莫里斯是英国工艺美术运动的代表人物，有着强烈的中世纪哥特情节。他的初衷是为大众提供品味高雅而价格低廉的产品，但在工业化不可逆转的环境里，手工艺生产模式恰恰是最大的奢侈。
尽管工艺美术运动在20世纪初期落下来帷幕，莫里斯的“设计为大众服务而不是少数人”“设计是集体工作而不是个体劳动”两个基本观点在后来的现代主义设计中得到了发扬光大。

1，1851年，英国为了炫耀他们的工业化进程中的一些伟大成就,在伦敦海德公园举办了水晶宫博览会，并邀请各国参加。它开创了标准构建、钢铁和玻璃设计与建造的先河。启示中国设计可以从新的新领域进行研究，从多方面突破传统建筑观念。
2，水晶宫世界博览会新材料新技术的运用，预示中国设计非建筑师也可以成为建筑风格的革命者，即从多个维度来突破现有的设计。
3，水晶宫的丑陋展品启示中国设计，外观不是设计的全部因素，甚至不是最重要因素。要理性的对功能进行分析，还不是一味注重外在。
4，水晶宫国际博览会暴露出来的问题启示中国的设计行业和设计教育，只有在现代性，科技，市场等很多方面充分与真正的大众沟通，培养起接纳设计的社会环境，才能毫无羁绊地实现设计是为大众服务的。

艺术是我，设计是他。
在当下，我认为艺术与设计之间的关系仍然是以明确区分为主轴的，对这种以区分为主的关系，学界已有一句精辟的概括：艺术是我，设计是他。在我看来这种关系主要表现在如下三个方面
设计具有艺术指向。设计是一种特殊的艺术活动，是艺术生产的一个方面。所以，设计行为中的审美意识便决定了设计中必然具有艺术指向。从古至今，设计的艺术追求都是通过设计产品体现出来的。如荷兰风格派里特维尔德的红蓝椅子，便是对蒙德里安新造型主义绘画的三维解读。
设计运用艺术的手法。设计中会运用重复、对比、渐变、统一、交替、协调、主导、平衡等艺术手法。巧妙运用这些手法可以提高设计的品位与水平。
艺术推动着设计的发展。艺术变革为现代设计的发展开辟了道路。从现代设计的发展历程来看，艺术的变革以一种激进的方式影响许多设计领域。现代设计的美学原理是以20世纪出的现代设计艺术运动的设计艺术探索为基础的，如包豪斯的基础课形成了现代设计教育平面、色彩、立体三大构成课程的主体框架，奠定了现代设计教育的结构基础，使视觉教育第一次比较牢固的建立在科学基础上。荷兰风格派简单的几何造型形，三原色、中性色彩的反复运用，以及立体主义造型和理性主义特征成为欧洲前卫艺术先锋，其美学思想对现代建筑和设计产生了深远影响。
艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。如现代设计之父“威廉·莫里斯”，工业革命后，机器取代了传统手工业，社会来不不及为工业产品准备设计师，大量粗糙、过度装饰的工业产品涌进市场，身为艺术家的威廉·莫里斯决心克服这个弊端。他组织一批艺术家开设公司，投入设计实践，发起了一场影响深远的工艺美术移动，他的设计经验为现代设计的诞生打下了基础。
设计师关注艺术，投入艺术研究也可以推动设计进步。以布鲁尔为例，1920年布鲁尔进入包豪斯学院学习色彩与形体理论，这为他后来从事家具设计奠定了良好的基础，1925年设计生产了第一把钢管椅子瓦西里椅。