波普设计运动是一个形式主义的设计风潮，它的产生背景与战后日益形成的西方“丰裕社会”、青少年消费模式还有他们叛逆出新的风格，尤其对现代主义设计和国际主义设计的反感有很大关系。波普设计非常强调产品表面视觉的装饰设计，而不仅仅注重结构、功能方面的结合。它致力于通过艺术设计让人们感受到生活的愉快，自然地表达出享受生活的快乐。正因如此，波普设计的青春活力、花样繁多、色彩鲜明、丰富式样为我们的现实生活注入了新鲜的、有价值的东西。现代设计中，人们更愿意去关注这样冲击力强、视觉效果好、明快活泼的设计作品。而且这种设计风格也为现代设计的商业化带来了更多的价值，对现代设计的影响很大。
（1）波普设计的有利方面
从波普设计风格的出现，我们可以清楚地看出，在大众一次性文化背景之下，功能主义已难满足新的消费心理和观念的需要，它促使设计师将注意力转移向消费者及其心理需要，带来了新的设计理念，使得设计师开始注重对“设计目的”的考虑。设计不再只供少数人享用，而是走向普通大众，进入每一个人的生活，设计应该具有人性和多元化。设计的目的，不仅仅是为眼前的功能、形式服务，更应形成一定的社会体系。这种影响，极大地拓展了设计思考的层面，推动了设计观念的发展。
（2）波普设计的弊端

波普设计运动追求新颖、古怪、新奇的宗旨，缺乏社会文化的坚实依据，60年代中期以来波普运动寻求新奇的设计动机已力不从心，开始在历史风格中找寻借鉴。一个以反传统为核心的运动成了历史大杂烩。这场运动只有在形式主义中进行探索，并没有更加深层的意识形态依据。所以，本身形式的不断改变使它没有一个统一的设计风格。其本质是形式主义的，它违背了工业生产中的经济法则、人机工程学原理等工业设计的基本原则。
（3）现代中国设计多样化对提升经济内循环竞争力的意义
随着时代的进步，社会经济也发生着巨大变化，我们正在步入创意经济时代，多样化的设计对提升国民经济发展举足轻重，设计力量将成为提升国民经济竞争力的强大动力。
我们正在步入创意经济时代，设计的力量逐渐被人们所看到，韩国更是提出了”设计兴国“的口号。纵观各国经济的发展，日本、德国即是依靠创意与设计的力量，一转国民经济颓势，重新振作起来。在信息社会的浪潮下，每天大量繁杂的信息使人眼花缭乱，要想在其中引人注意，创意是必不可少的，可以说，创意正改变世界。 
当前，为了满足消费者多样化的需求，设计也变得多元化，以更好地满足消费者的需求，不同的消费者总能找到适合自己的产品。商品的市场竞争力是商品生产者和销售者的共同要求，一件产品的成功与否，要看它是否能够销售出去。因此，设计既有对市场需求的适应，又有对市场需求的引导作用。设计通过满足市场需求适应市场，同时又通过引导市场需求创造市场。设计转化为商品进入市场时，作为新设计新产品被人所接受，并形成新的市场需求，在一定意义上是设计创造了一个新市场。
设计是具有商业性的，为了能够获得更大的经济效益，设计就必须多样化来满足人们的心里期待，以此促进人们消费，推动经济增长。同时，企业看到了设计对经济效益的巨大作用后会加大对产品设计方面的投入，提升产品竞争力，又以此来促进设计发展，进而满足消费者更高的需求。可以说，设计是提升经济内循环竞争力的强劲引擎。

兼爱与民本是墨子所有思想的出发点。“兼相爱”指的是要无差别地爱所有人，在设计中，“兼相爱”可理解为为广大人民群众设计，而不仅只是为精英权贵设计，设计的目的应该是为整个社会服务。“交相利”可理解为一种互惠互利、合作共赢、良性互动。随着设计师职业分工的细化，如今的设计越来越倾向于跨学科跨领域的交流合作，一个项目的成功需要靠多方的共同努力，因此，在设计中设计者应追求共生互利的自然状态。作为流传了千年的东方哲学，墨子“兼相爱，交相利”的设计思想在今天仍意义非凡，指引着设计师们进行更好的设计活动。

（1）“兼相爱”中蕴含的设计的思想
“兼相爱”中的平等、公平、无等级无差别的博爱思想与维克多·帕帕纳克的设计理念不谋而合。帕帕纳克认为设计应该为广大人民服务，而不是为少数富裕国家服务，特别是为第三世界的人民服务。其次，设计不但为健康的人服务，更应该为残疾人服务。在当代人们物质生活丰富的背景下，“兼相爱”应延伸为不止为人类自身，而且为其他生命、为自然。设计要以促进生态平衡、保护自然资源为目的。例如北欧设计关于民主与理想的实践，其产品的定位在提高公众生活质量上，产品设计也折射着一种精致与节制的生活态度，即无铺张炫耀之势，又无粗鄙简陋之态，通过设计的技艺、手法、原则，创造平等生活的观念，为大多数人设计有品位的产品。
（2）“交相利”中蕴含的设计思想
随着当下时代的迅速变化，设计师职业分工越来越细化，如今的设计向着多学科、多领域融合的方向发展，设计师往往只是一个项目的其中一小部分，一个成功的项目离不开多方的合作努力。“交相利”中蕴含的互利互惠、合作共赢思想对今天的设计发展具有指导意义。例如一位荷兰设计师将3D打印技术运用到时装设计上，古老的技艺与高科技融合，打破人们固有认知里对服装的定义，赋予时尚特别的灵魂。在她这里，设计与科技完成了一次又一次的合作，科技给予天马行空的设计以技术支撑，设计赋予科技以灵魂，形成了一种良性互动的局面。

国际主义风格是在1950年代兴起于瑞士和德国的设计运动，其影响力横跨1950-1970年代，并延续至今。国际主义设计风格强调干净、易读、客观，其主要特征包括非对称排版、栅格、无衬线字体、靠左对齐等。依靠着美国大型企业的推广，国际主义风格在全球范围内流行并影响至今。

（1）广泛的适用性与高效传达的语言
国际主义在1950年代美国的盛行，时至今日，在不同地区亦有不同的演绎，今天中国的消费市场也可以找到与之对应的一些场景。在当下的新消费市场环境中，消费场景与受众审美已经转变，一套可以快速复用、高效传达的通用视觉语言，逐渐被越来越多的品牌所青睐。而清晰、整洁美观、系统化、可读性强的国际主义风格无疑是一种极好的选择，其广泛的适用性，更证实了它的延展性。在信息时代飞速发展的今天，品牌数字化的发展快速，小电子屏的媒介投放增加，用户对3D效果出现疲劳，设计趋势从拟物化转向极简风格、扁平化。例如前段时间滴露将品牌logo设计扁平化，去掉了立体的光泽感和倒影，增加了渐变的调整，边缘增加一圈灰色边框，去掉原logo上的蓝色，强化绿色，整体视觉更沉稳、可读性更高，也更年轻化，以此来适应品牌在社交平台上的传播。由此可见，设计师在工作实践中，可以根据具体情况和语境，有效地利用这一经典风格的排版规则，创造出自己的视觉语言。
（2）日益同质化，缺少人情味
由于国际主义风格高度次序化、理性化、没有装饰，导致今天不少也采用了去装饰、几何图形、纯文字排版当视觉处理方式的设计被打上了“国际主义”的标签，引起了趋同化的讨论。地方特色、民族特色逐渐消退，设计面貌越来越单调刻板，缺少人情味。在当前越来越注重民主与个性的时代，对设计师来说，针对消费群落的设计思考应是首当其冲要考虑的因素。
中国是一个具有悠久历史、地大物博的文化古国，源远流长、博大精深的精神底蕴是中国设计发展取之不尽、用之不竭的宝库。当代中国设计师应在深刻挖掘民族文化遗产的基础上，融贯中西，设计出民族化、本土化的作品。
综上所述，设计在新的时代具有新的含义，中国设计在顺应时代发展的同时不能忘记民族的内容，以为广大人民服务为内核，设计出彰显民族风格特色的国际化作品。

随着国家经济建设的发展，人民生活水平的提高，社会对艺术设计的需求不断上升，发达国家的艺术设计产品和文化思潮也随着中外文化艺术的交流而深刻的影响着中国当代设计的发展。80年代以来的几十年是艺术设计发展最快成就最大的时期，在这一时期中不同的设计门类虽然发展不平衡，但其成就无疑是巨大的。发展是主题，在发展中必然存在着不少的问题，如何平衡现代与传统的关系，注重设计教育设计理论体系的建设，促进国家民主制度的进步及民主设计的形成，将是中国现代设计未来发展的方向和即将面临的机遇与挑战，这些问题必然随着发展而得到解决。
（1）结合科学技术，深刻理解民族传统和精神
平面设计是当代中国艺术设计中发展最快成绩最好的一个领域。20世纪上半叶随着商品经济的发展，书籍装帧、商品包装、广告等设计已取得较好业绩。20世纪80年代，中国的平面设计开始转型，这一时期的转型从模仿开始，模仿对象从日本到港台再至欧美。九十年代，一些先觉设计师兼顾传统与现代，逐渐在中外设计交流中站稳脚跟，世界平面设计界有了中国一席之地。例如陈汉民设计的中国工商银行、民生银行的标志。在当下信息工业迅速发展的时代，电脑成为设计的主要工具后，构思能力即创造能力成为设计中最主要的因素。信息设计等新的平面设计也开始影响和改变原有平面设计的面貌，网络的页面设计、电视的片头设计等新的设计对平面设计提出了更新的要求。因此，国内设计仍需变革设计观念，吸收世界设计的经验，结合科学技术的最新成果更深刻地理解民族传统和精神，而非停留于借鉴民族设计的表面形式，这是中国平面设计界面临的重大任务和挑战。
（2）设计与实践相结合
产品设计在一定意义上是一个国家工业生产水平的标准。从工业设计的角度而言，中国工业还处于一个大规模改造和建设时期，大量的工业产品的设计主要还是外来样式，只要国内有市场，这种靠仿制的生产就会持续进行下去，但是不可否认的是中国的工业设计也开始步入良性发展的轨道。工业设计的观念，得到社会的确认和政府的重视，对工业设计的需求、工业设计教育的发展，为社会提供这一批有较高质量和较高水平的设计师，不仅适应社会的需求，并且会进一步推进工业设计观念的社会普及，促进工业设计整体水平的提高。且改革开放的进一步深化，国内外设计交流将会在新的层面上开展形成良性互动，有利于中国学习世界先进的设计经验和方法，超越先进，形成民族的设计特色。在设计上中国仍有很长一段路要走，设计师与设计教学如何与其生产实际相结合、如何与工程师协同工作、如何更好的设计创新而非模仿，这都是我们面临的重大课题。历史上乌尔姆设计学院与布劳恩公司的合作，真正做到设计与生产实践相结合，实现设计艺术教育服务于工业生产，由此促进了德国设计的发展。学习借鉴其经验能使我们的设计得到长足发展。
（3）设计的公益性与商业性并重
在如今全民设计的时代，设计作品应蕴含着设计师的责任感与社会伦理性，设计当中应该保持商业性与公益性的平衡，让大众对设计功能的需求转变为对设计心理的需求，设计师将注意力集中在精神价值和审美价值。设计是关注未来的，具有前沿性与预测性，设计未来的发展趋势会随着时代的飞速发展，新技术的大量涌现而相互交融，为世界创新的设计提供更多、更新的发展机遇。设计同时提供实际解决方案，而作为实际的执行者，掌握知识与情感的设计师必须要跨越学科的界限，进行跨领域的设计，同时设计师应该保持一定的社会责任感。如今人类又一次站在新的起点，以前设计所注重的功能、形式设计等问题以及商业性设计的现状已经无法满足客户对设计的新追求、新体验。设计的公益性与商业性在今天以经济发展为主导的设计背景下，总是此消彼长的，商业性更多时候是大于公益性的。设计作品哪怕创作的是社会责任点，却仍然还是不能逃脱相关的商业性需求。所以设计的商业性和公益性是一体的，如同正反面无法分割，这要求设计师用辩证的眼光看待两者的关系，去努力寻找商业性和设计公益性的平衡点。承认商业设计需求的合理性，我们不要盲目遵从设计的商业需求，要真正地去关注社会的问题，体现出 “以人为本”的设计责任意识，设计的公益性（责任）意识已经是产品中不可分割的一部分。
综上所述，设计在西方发展了几百年，但在中国发展了几十年，要解决当代中国设计的问题还需要一个漫长的过程。希望每个设计师能够从我做起，加强自身对传统文化的修炼，坚持走中国设计的本土化路线，学习借鉴，但不抄袭，加强自身对科学文化的深造，提高社会则感。当前设计者面临诸多机遇与挑战，设计师当敢于尝试勇于创新。只有中国设计师在设计之路上不断努力，将中国五千年的文化发扬光大，中国未来设计才会大放异彩。

传统文化或文化传统是现代设计的最大资源和宝贵财富。包括艺术设计传统在内的文化传统，是民族优秀智慧和才能的结晶的体现。作为民族精神的具体形式和内在要素，传统文化是民族文化延续发展的内在动力和桥梁，是民族文化发展的根本基础，是文化连续性的保证。文化传统是现代艺术设计最大的艺术资源，从设计的形式到精神内核，文化传统都给予我们无穷的启示和帮助。设计实际上是一种文化的设计，设计中的文化取向尤其是民族文化的取向是设计成败的关键之一。而传统手工艺是传统文化中一个重要内容。在社会向现代化转变的过程中，对传统文化的理解和发扬，需要将其与现代设计相融合，与人们的实际生活相贴近。将传统手工艺与现代设计融合有以下几点意义：
（1）现代科技手段可以促进对传统手工艺文化的保护。地处北部欧洲的斯堪迪纳维亚国家，在制陶、纺织和玻璃制作工艺上有悠久的传统和历史。在现代设计的发展过程中，芬兰，丹麦，瑞典快速稳步的发展了具有地方特色的设计风格。早在20世纪初，这些国家就开始了与欧洲同步进行现代设计，他们在发展现代设计的同时，也制定了保护传统手工艺的措施，力求把传统的手工艺与现代工业设计结合起来，创造一种艺术的工业产品。这种发展策略使他们在二三十年代在陶瓷家具和玻璃设计方面取得了杰出的成就。战后功能主义流行时期，斯堪的纳维亚国家在认同功能主义的同时，也强调产品设计的人情味，反对冷冰冰、过分机械化的风格，他们的设计简洁优雅，形式与功能完美统一，设计师擅长在传统和民间的样式及自然的造型和色彩中获得设计灵感，喜欢采用自然的材质，注重材料命的纹理和温暖的距离感，他们的设计单纯、稳定、舒适、实用，在产品设计中把重功能、重理性和细致的做工、简洁的形式美感结合起来，在设计中考虑技术美学和人体工程学，在功能主义的基础上又展示出典雅的审美效果。利用现代科学的设计方式展示传统手工艺，在获得商业利益的同时也传播传承了传统工艺文化，一举两得。北欧设计重视传统，但并不拘泥于传统的符号和形式，而是把传统作为内在的精神从更富现代感的设计中呈现出来，体现北欧设计师在设计美学中的追求，得到了世界设计界的广泛认可，使斯堪的纳维亚设计风格的设计成为世界设计界普遍认同的优秀设计，成为优良设计的代名词，在国际市场上享有极好的声誉。我国拥有博大精深的传统造物文化m这也启示中国设计师将传统工艺与当代艺术深入互动，设计出兼具民族文化特色和市场潮流特色的产品，传承和发扬传统工艺文化，促进中国文化更好地走出去。
(2)博大精深的传统手工艺文化为现代设计提供了创意来源。传统工艺通过与当代艺术，当代设计的深入互动，平等合作，将以新的面貌进入文化舞台，展现国际的文化形象。如在贵州省黔西南布依族苗族自治州晴隆县定汪村，设计师与村民一起运用布衣蜡染、彩绣，设计制作了兼具民族风、现代感，精致和实用性的厨房四件套、茶席组件背包、挎包、儿童玩偶等，并在线上线下销售，受到人们的欢迎。在这次项目中，设计者将传统手工艺与文创设计融合，打造乡村文化伴手礼，伴手礼以实用产品为主，以纯装饰产品为辅，在物技相融中充分展现出工艺特色和温度，同时彰显传统手工艺中的精神、文化、思维等非可视化内容，因地制宜，传统手工艺与现代设计相融合，创造艺术的工业产品，激活传统手工艺再生 ，满足当代人们的精神文化需求。
综上所述，文化传统、艺术传统是无数前人给我们留下的无穷的财富，是现代艺术设计发展的真正基础。我们只有认真地学习传统、认识传统、善待传统，才能有发展的力量和方向。把握文化传统中的精神内核，把它融入到我们的设计中，以致在我们的设计中，创造出那种深具民族精神和美感的优秀设计来，应是当代每个艺术设计师所追求的。

“三十辐，共一毂，当其无，有车之用；埏之以为器，当其无，有器之用；凿户牖以为室，当其无，有室之用。有之以为利，无之以为用。”“无”和“有”指空间，“利”和“用”可以指凭借的基础和条件。老子用实际生活中的例子说明了“有”“无”的辩证关系，无论是车、器皿、房子，我们使用的都不是它实体的部分，而是它的空间，正是有了它们中空的部分，我们才得以使用，才有了它们使用的价值。在老子看来，“有无相资”，“有”“无”是互相依存、互为前提的辩证关系。《老子》中蕴含的丰富的东方哲学思想为中国的艺术创作开拓了特有的时空观念、思维方式和艺术追求，深刻影响着中国乃至世界的设计观念和创作思维，并促进了现代艺术设计的不断发展。

在我看来，老子“有无”观即是一种“虚实”观，在运用到具体设计实践中时就要求我们通过有限的艺术形象揭示出尽可能丰富的内涵，追求一种“意在言外”“境生象外”的境界。信息社会的时代，大量涌现的信息铺天盖地向我们而来，我们又该如何取舍？以传达信息为目的的展示设计为例，设计师可以使用“虚实相生”“有无相成”的手法处理空间层次，通过空间的布置、展品的陈列等有效的传达信息。同时关注用户体验，使受众有效接收信息，与空间形成交流，使信息完成从物理空间向心理空间的延伸，更好地传达信息。

大数据的概念最早由维克托·迈尔-舍恩伯格和肯尼斯·库克耶在其所著的《大数据时代》一书中提出。2011年，马云在第八届网商大会上提出“云计算+大数据”的概念。此后，大数据的概念才真正在中国落地开花。大数据是指那些数据量特别大、数据类别特别复杂的数据集，这种数据集无法用传统的数据库进行存储，管理和处理。大数据的特点为Volume （海量性） 、Velocity （高速性） 、Variety （多样性） 、Value （重要性）、Veracity （真实性） ，可以概括为5V。一个好的成功的设计必不可少的一步就是需要设计师走出去，深入用户调查研究。只有真正做到以用户为核心的设计，深度挖掘用户数据，从庞杂的数据背后分析用户的行为习惯与喜好，找出符合用户口味的产品和服务，并结合用户需求有针对性地调整和优化自身，才可能设计出受大众欢迎的产品。而这些则需要大数据技术在背后做支撑。因此，大数据对设计而言非常重要。

在当下“互联网 +”的背景下，设计行业面临着机遇与挑战并存的局面。随着互联网模式的不断深化发展，传统的经济体制和旧的商业模式逐渐被时代击落，设计师的很多思维模式需要不断的发生变化。基于“互联网 +”背景下设计行业的转变升级，设计师越发需要被互联网武装起来的大数据思维，运用大数据技术体察用户，进行创新设计。

（1）强调用户为主，推动以用户为中心的产品创新

互联网思维是一种商业民主化的思维，是用户至上、扁平化的思维。这与设计”以用户为中心“的理念不谋而合。两者都在强调用户驱动产品的设计需求方向，这也是大数据时代下表现出来的设计机遇。由用户行为习惯形成的大数据思维和互联网思维快速更新，也让设计师及时更新得到用户的真实反馈。这种”互联网+“的结合让设计师的设计作品更多的符合用户的需求，服务社会。
对企业来说，未来的企业竞争主要是大数据应用技术的竞争。拥有较强的大数据运用能力，将会使得企业处于不败之地。对于企业，海量的数据难以推动新产品的出现，但经过整合和分析的数据，可使企业了解到消费者的真实需求，从而进行智能化的工业设计，生产出客户满意的产品，从理念和创新思维的角度推动产品创新，从而发展为具有较强市场竞争力的产品。可以说大数据的发展指引着设计的创新发展。大数据技术的应用，将使强调以用户为主的设计不断融入大数据应用技术，催生出创新的新型设计模式，为企业带来丰厚的利润。

（2）强调使用反馈为主，形成以用户体验为中心的创新设计新模式
人与产品的高度融合是意味着一个设计项目的成功。用户作为最佳的使用者和体验者，对产品的设计与发展具有重要的意义。产品的成功与否，与客户的使用反馈具有直接的关系，用户的满意度高，意味着产品的设计很成功。然而，大部分客户与设计师、工程师不同，他们对产品的好感仅来源于选择、购买、使用过程中的切身感受，往往考虑的是产品的功能多样性、舒适度和美观等。因此，建立以用户体验为中心的新型设计模式，搜集海量用户体验数据，挖掘和实时分析这些数据来改善设计中存在的问题，可有效的解决产品本身的质量问题和使用问题。通过客户体验搜集反馈的数据，可有效的证明产品的合理性，获得客户对产品最真实的评价。使设计师能够根据客户的反馈及时地调整设计和生产中存在的缺陷，改善运营和服务。基于大数据技术，提高用户体验的创新设计，才能推出功能多样、客户满意的产品。
（3）大数据时代对设计师提出更高的要求
大数据的时代，人们每天被各种各样的讯息资讯包围着，丰富的物质条件要求设计师更灵敏地感知新生事物，更加注重创意，以用户为核心，展开跨学科跨领域的合作交流，向资本、运营、设计、创意的联合模式迈进，形成设计新思维。此外，信息技术高度发达的时代带动了设计行业的转型，许多问题可以通过设计手段得到解决，设计的价值与意义随之加强。对此，设计师应当紧跟时代步伐，加强设计价值问题的分析，设计出高效、环保又美观的产品，引导人们的消费观念往更健康的道路上走，以良好的设计理念反过来带动产业转型升级。
综上所述，大数据时代既充满挑战也充满机遇，设计需要依靠当前的新兴技术来得到发展。设计与科技的结合也将反过来推动产业升级，促进科技的发展，并帮助人类解决许多问题。这启示我们一名优秀的设计师应当转变思维，深入生活实际，在设计产品的同时，要兼顾用户多样化的需求，提高生活观察能力，加强产品与生活的关联度，致力于成为人们通往美好生活的领路人。

设计的目的是为人服务，现代设经常提到要以人为本，设计不仅要满足人的物质需求，还要满足精神需求。早在150年前的欧洲大陆，工艺美术运动的奠基人拉斯金与莫里斯便强调设计的社会功能性，认为设计应为大众服务，已粗具民主思想的影子。发展到现代主义，从美国工业设计大师雷蒙罗维在设计中讲究工业化与人情味并重，到更具民主化与人文色彩，重视人的心理需求的“北欧现代建筑之父”阿尔瓦·阿尔托，再到如今的当代社会，人本主义一直都是每代设计师探讨的焦点，时代也赋予了“以人为本”不同的内涵。
（1）“以人为本”设计的时代内涵

以人为本理念指的是在设计中以人为核心。在艺术设计中，以人的需求为核心开始设计，主要用于满足人们的需求。设计产品的最终目的是为人们提供更好更便利的服务。随着社会及信息技术的不断发展，“以人为本”在不同时期具有不同的内涵。在最初时期，人们重视的是产品的功能及使用效率。随着生活品质的提升，人们对产品关注的内容也在不断提升，对设计产品提出了更高的要求，关注的重点从功能效率转变为对质感、审美方面的综合要求。随着当下技术与工业的发展，绿色理念、可持续发展、特殊群体得到越来越多的关注，“以人为本”的内涵也不再仅局限于人，而是扩大到与人息息相关的社会、自然环境等方面，可持续设计、全设计、非物质设计、趣味设计等都从不同方面体现了以人为本。
（2）以人为本的设计要满足人的生理需求
设计出的产品主要服务于人们，便于人们完成各项工作。从这个角度出发，设计出来的产品主要是解放人们的双手以满足人们的生理需求，如机械手臂、书桌、电脑的设计，这些产品服务于人们，可以为人们提供更舒适的生活环境，满足人对产品实用性和功能性方面最基本的需求。人性化的设计是以设计的理性化和功能性为前提条件的，离开了科学结构的理性化和合理的功能性，人性化将走向极端，最终将违背人性。因此，物理层次上的关怀是基本的。
（3）以人为本的设计要满足人的心理需求
设计如果仅仅追求一种功能至上的原则，是行不通的。一旦理性压倒人的个性，也就偏离了人性。这就要求我们在注重物理层次关怀的同时，也关心人的心理、关怀人的情感，设计就是为了满足人们各个方面的需求，承载着慰藉精神与心灵的重任。例如年轻的消费者购买商品是为了装饰自己，张扬个性与活力；中年消费者则怀着成熟的、能展示自我成就的想法；老年消费者则倾向于选择朴实的、功能良好耐用的商品。无障碍设计考虑到身有不便的群体，致力于设计出方便他们生活又能减少他们心理上的负担。例如为老年人与残疾人设计的卫生间和通道，既方便了他们的生活，也减轻了他们的精神压力，不必再去寻求他人的帮助，借助设计的力量可以和正常人一样生活。
（4）以人为本的设计要处理好人与自然、与社会的关系
“以人为本”不仅仅只是以“人”为中心。左右设计的核心因素并不只有人，如果在设计中为了追求人自身的利益和需求而忽视一切，将会带来种种弊端，最终受到危害的还是人自身。当前还存在仅以盈利为目的的工业活动和过度消费文化带来的弊端，为了利益不择手段采用对自然环境不利的方式，盲目破坏自然。我们应当认识到人类是自然中的一部分，人类属于自然，而自然并不属于人类，人类必需选择与自然和谐共处，处理好人与自然的关系。从这一方面来说，“以人为本”的范围更加广泛，可以说是“以自然为本”了。
作为一位有社会责任感的设计师，不能为了利益而设计，而应该真正为人类、为人类的生存去设计，改善人与自然的关系。同时还应通过设计改善人与人的关系，汲取借鉴本土文化中的哲学智慧来改造人的思想观念，使人与人之间和睦相处，促进社会的稳定和谐。
综上所述，“以人为本”的设计思想具有时代性，随着时代的发展会被赋予不同的时代属性，但其为人类长远的生存去设计的内涵是不变的。这就要求设计师在关注人的需求的同时也充分考虑到人与社会、与自然的关系，为人类长久的发展考虑。只有这样，才能毫无羁绊地实现“设计为人民服务”的永恒梦想。

安东尼奥·高迪是西班牙著名的建筑师，新艺术运动和塑形建筑流派的杰出代表人物，不仅是西班牙建筑史中最伟大的人物，也是现代设计运动中最关键的设计大师之一。在巴塞罗那，几乎所有最负盛名的建筑物都出自他手，被称作巴塞罗那建筑史上最前卫、最疯狂的建筑艺术家。高迪的设计生涯经历了三个阶段：阿拉伯摩尔风格、新哥特式和新艺术混合的风格、有机风格，从中可以窥见高迪的设计思想。
（1）多元化融合的艺术风格
高迪的建筑风格不是纯粹的哥特式，也不是罗马式或混合式，而是多元化融合的艺术风格。收到工艺美术运动和新艺术运动的影响，高迪的设计从前期的较为简单的阿拉伯风格开始具有新艺术运动的风格，并与其终身喜爱的哥特式风格融合在一起，形成了新哥特式和新艺术混合。例如在卡勒基修道院上采用了尖塔、拱门、大窗户等传统的哥特建筑式样，但他没有使用常规的哥特曲拱，而是采用了自己的抛物线。
（2）反功能主义立场，追求建筑的精神力量和纯粹形式
高迪被认为是一位充满幻想的浪漫主义建筑家，他的建筑具有强烈的装饰效果与雕塑艺术特征，是高度的表现个人的作品，充满了丰富的想象力和创造力。为了抗衡日益增长的工业化的影响，他以反工业化为设计宗旨设计了圣家族大教堂。教堂设计主要模拟中世纪哥特式建筑式样，内外布满钟乳石式的雕塑和装饰件，上面帖以彩色玻璃和石块，宛如神话中的世界，设计上没有遵循任何形式古典教堂设计风格的约束，具有强烈的雕塑式的艺术表现特征。在居里公园的设计建造中则设法将建筑、雕塑、艺术融为一体，充满了儿童式的想象和天真。
（3）将有机风格、曲线风格发展到极致
高迪逐渐走出了自己的风格道路，具有有机特征的同时又带有神秘的、传奇的色彩，不少装饰图案具有很强的象征性。他在建筑中将手工艺技术的发展推向了极致，对各种曲线的运用精妙绝伦，正如他所认为的“曲线属于上帝”，在米拉公寓的设计中，他更是将有机形态、曲线风格发展到了极端。无论是外表还是内部，都尽量避免采用直线和平面，整座建筑好像一个融化时的冰淇淋，采用混凝土模具成型，全力造成一个完全有机的形态，内部家具、门窗、装饰部件也全部是吸取植物、动物形态动机的造型。新艺术运动对机械化的反对，巴塞罗那人对形式的大胆探索、对新风格的高度容忍，卡塔兰人的丰富想象力和创造力都凝聚在这栋著名的建筑中。
综上所述，正是源于对自然的崇敬与热爱，对细节的注重，对建筑人文之美的关注，才使他将自然界的种种美运用自如，创造出了世界上最奇妙、最富观感的建筑。这也启示今天的设计师应更关注自然、人类与社会，引领设计往更好的方向发展。

威廉·莫里斯是工艺美术运动最主要的代表人物，是真正实现约翰·拉斯金思想的一个重要设计先驱，被称为“现代设计之父”，开设世界上第一家设计事务所，强调实用性与美观性相结合。
（1）莫里斯深受奥古斯都·普金和约翰·拉斯金理论的影响，主张重新发扬工业化之前的中世纪英国社会的精神，主张哥特式风格，讲究简单、朴实、功能良好的设计。
（2）他提出设计的民主思想，反复强调设计的两个基本原则：第一，产品设计和建筑设计是为千千万万的人服务的，而不是为少数人的活动；第二，设计工作必须是集体的活动，而不是个体劳动。他意识到设计是团队协作的产物，而不是个人劳动，因此与朋友开设了世界上第一家独立的综合设计公司，打破艺术与手工艺的界限，将各行各业的手工艺人纳入艺术家的殿堂，使产品达到实用性与美观性相结合。这两个原则都在后来的现代主义设计中得到发扬光大。
（3）他强调手工艺，在产品装饰上反对矫揉造作的“维多利亚”风格和古典主义复兴，主张艺术家和技术家团结协作的创造活动。例如当下人人都有的手机，即是在设计师与工程师的共同努力配合下实现产品的功能和外观上的创新迭代。
（4）在具体设计方面，莫里斯强调实用性与美观性的结合，强调为社会提供真正好的设计。例如他为自己设计的红屋，一反当时住宅的常规形式，采用非对称的形式，功能良好，同时表面没有任何粉饰，单纯采用红砖，建筑结构完全裸露，整栋建筑典雅美观，真正做到了功能与美观的结合，影响深远。可以说，功能与审美是每一代设计师无法避开探索的重要方向。在他的推动下，由英国开始的工艺美术运动逐渐影响到西方各国，由此产生了新艺术运动、装饰艺术运动，影响了包豪斯，进而发展出现代主义与后现代主义。
虽然莫里斯否定机械化、批量化的生产，但毫无疑问，他讲究简单、朴实、功能良好，实用性与美观性结合，为大众服务的设计思想值得每一代设计师学习探索。

1851年，为了炫耀英国工业的进步，改善公众的审美情趣，在英国伦敦海德公园举办了水晶宫博览会。英国工程师帕克斯顿运用钢铁与玻璃建造温室的原理，采用钢铁与玻璃结构，外形为一个简单的阶梯形长方体，并有一个垂直拱顶，没有多余装饰，开创了采用标准构件、钢铁和玻璃设计与建造的先河。水晶宫的建造从多方面突破传统建筑的观念，建筑尺度和材料是传统形式美法则失效，没有多余的装饰，预示着设计简洁性和功能性研究的新领域，开辟了建筑形式的新纪元。
水晶宫对中国设计的启示：
（1）对新材料和新技术的应用
水晶宫在新材料和新技术上的运用达到了一个新高度，实现了形式与结构、形式与功能的统一，向人们预示了一种轻、光、透、薄的建筑美学，开辟了建筑形式的新纪元。水晶宫从设计思想到建造安装，突破了传统的建筑观念，将建筑的功能发挥到极致。这启示中国设计应仅仅跟随时代、技术的发展，在设计的手段、方法、材料上进行创新，来更好地满足大众的需求，拓宽设计形式的多样化。
（2）培养接纳多元化设计的环境
水晶宫博览会暴露了技术与艺术分离的问题，成为工艺美术运动产生的直接原因。工艺美术运动反对工业化的大批量生产，导致设计无法与技术结合，直接导致工艺美术运动的失败。反观当今中国，在物质财富增长的同时，中国的设计环境却更趋向“水晶宫”时代的英国。中国的设计行业和设计教育，只有在现代性、科技、市场等多方面做到充分的与大众沟通，尽快培养起一个接纳设计的社会环境，才能毫无羁绊地实现“设计为人民服务”的永恒梦想。这就要求设计师在设计一个产品前进行充分的市场调查，真正贴近大众生活，了解大众所需，想大众所想，才能设计出令大众满意的产品。

设计与艺术密切相连，艺术中有设计，设计中有艺术，二者如同双生花般在人类文明发展史上相辅相成，向前迈进。设计可以是艺术，艺术包括设计，但不等同于设计。没有设计性的艺术不是艺术，同样，没有艺术性的设计也不是好的设计。设计是艺术与生活相连的桥梁，是艺术生活化的必由之路，而设计的艺术内涵也是设计中必不可少的元素。
（1）艺术即通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想象中实现审美主体和审美客体的相互对象化。具体说，它是人们现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知识、情感、理想、意念等综合心理活动的有机产物。
（2）设计就是设想、运筹、计划和预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。设计能够使多种视觉元素，如线条、形体、色彩、色调、质感、光线、空间等有机结合在一起，它涵盖了艺术的表达、交流以及所有类型的结构造型。
（3）设计又称为艺术活动，是艺术生产的一个方面。设计对美的不断追求，决定了设计中必须具备相应的艺术含量。而众多的优良设计组成一个艺术的物态环境和生活场景，将不仅带给给人带来各种生活的便利，而且会给人以美的、舒适甚至高尚的精神享受。这是设计通过物和环境的创造与塑造，不仅出色地完成了使用功能的预期目的，也完成了预期的文化的、美学的乃至哲学上的价值目标。可以说，艺术设计是美的方式的设计，它肩负着构建人类艺术化生活中的重任也是实现人类艺术化生活的最重要工具之一，是人类通向艺术化生活的桥梁。
（4）艺术也推动着设计的发展，艺术变革为现代设计的发展开辟了道路。艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。反之，设计师关注艺术，投入艺术研究，也可以推动设计进步。而设计师与艺术家合作，则更有可能推动设计进步。当代设计越来越呈现出一种艺术化的发展趋势。这种趋势在时装、家具、建筑与室内平面设计及广告产品设计诸方面都有明显的表现。作为世界著名的设计公司之一的德国青蛙设计公司，继承了乌尔姆设计学院和布劳恩的严谨简练风格，又具有后现代设计的夸张隐喻、艳丽怪诞的色彩，引领着20世纪末期世界设计的潮流。
（5）设计发展的最终方向是设计的艺术化，当代设计越来越呈现出一种艺术化的发展趋势。从设计和产品的生产方式上看，在未来社会，产品设计和生产的艺术化途径主要有以下几个方面：一、手工艺复兴，新兴手工艺将成为设计领域的一支重要力量。二是设计与手工艺品性的结合。在高科技的设计与生产中，极具传统手工以及手工造物的优秀经验和方式，将高科技的工业生产设计与手工艺术结合起来，走一条所谓的中间道路，是现代设计和产品生态化、人性化、艺术化。三是机械产品趋向的人性化诗化设计。随着科学技术的发展，它为产品设计和生产提供越来越多的可能性，人性化设计和诗化的产品生产都将成为现实。例如黑川雅之八大审美意识，把“微、并、气、间、秘、素、假、破”融入自己的设计中，他的enon挂钟，表盘如同皱巴巴的纸，但摆放至墙面极具艺术性及审美气息。
综上所述，设计与艺术是相辅相成的一种辩证关系，随着社会现代化的发展，经济的不断提高，科学与艺术不断更新增益，设计与艺术随时代潮流也不断的自我更新与发展。我们不能把设计与艺术割裂看待，因为它们之间本身存在内在联系，因彼此的进步而发展。因此，艺术如何通过设计走向生活，而设计如何通过艺术得到升华，是未来设计师的一大课题。