可以选做：
1.具身智能如何重塑“服务设计”的流程与方法？请列举实际案例说明。
2.论述具身智能（Embodied Intelligence）对未来设计思维的影响。请结合产品、服务或交互设计举例说明。
3.2. 具身智能与人工智能的区别。结合未来交互设计说明其意义。
可以选做：
1.具身智能如何重塑“服务设计”的流程与方法？请列举实际案例说明。
2.论述具身智能（Embodied Intelligence）对未来设计思维的影响。请结合产品、服务或交互设计举例说明。
3.2. 具身智能与人工智能的区别。结合未来交互设计说明其意义。
快手“无限摄影机”品牌形象进行多维解构，不仅是对其视觉符号与功能系统的分析，更是一次以设计为透镜观察技术、社会与文化互动关系的学术实践。以下将从设计史的发展脉络、设计学的核心理念出发，系统阐释这一数字时代典型设计现象背后的深层逻辑。
“无限摄影机”的形象构建，首先可置于现代主义设计思想的历史坐标中加以审视。
包豪斯（Bauhaus）作为20世纪最具影响力的现代设计运动，提出“形式追随功能”、“艺术与技术统一”、“为大众而设计”三大核心主张。这些原则在“无限摄影机”中得到了非物理形态的创造性转化：
正如知识库所述：“包豪斯通过三大构成课程系统化地构建了现代视觉语言的基础。” 快手平台亦通过算法推荐机制，潜移默化地塑造用户的影像审美认知体系——这是一种新型的“大众视觉教育”。
“无限摄影机”的界面设计深受国际主义平面设计风格影响：清晰的信息层级、无衬线字体、网格布局、高对比色彩。这种视觉语法强调高效传达与跨文化传播能力，契合短视频在全球化语境下的传播需求。
然而，它又超越了冷峻的理性主义，融入动态图形、情绪化滤镜与个性化推荐，形成一种“有温度的功能主义”——这正是后现代设计对现代主义单一美学的修正与发展。
“无限摄影机”最深刻的革命性，在于它实现了摄影权利的彻底平民化，是“设计民主化”理念在数字时代的巅峰体现。
回溯摄影发展史，每一次技术跃迁都伴随着观看权力的再分配：
“无限摄影机”正是这一历史链条的最新环节。它不再是一个工具，而是一种制度性设计——通过算法分发机制，让每一个普通人的镜头都有可能被看见。
美国设计师维克多·帕帕奈克（Victor Papanek）在其著作《为真实世界的设计》中明确提出：
“设计应服务于大多数人，尤其是弱势群体；设计师必须承担社会责任，反对只为利润驱动的消费主义设计。”
“无限摄影机”正是对此伦理主张的技术实现：
如知识库指出：“维克多·帕帕奈克将设计视为一种具有深刻道德内涵的社会实践。” 快手的实践表明，当平台设计嵌入公平正义的价值导向时，便可能成为推动社会融合的温和力量。
依据《设计学概论》对设计类型的划分，“无限摄影机”已不属于传统意义上的“产品设计”或“视觉传达设计”，而是典型的为了互动的设计——新媒介设计。
《设计学概论》指出：“随着信息时代的到来，设计领域正经历从‘物’的设计向‘非物’的设计扩展。”
“无限摄影机”没有实体材料与制造工艺，其“材质”是数据流，“工艺”是算法逻辑，“结构”是用户行为路径。它的存在依赖于一整套复杂的数字基础设施：云计算、5G网络、AI图像识别、推荐引擎。
这标志着工业设计范式正在发生根本性迁移：
| 传统设计 | 当代设计 |
|---|---|
| 关注产品本身 | 关注用户体验全过程 |
| 强调静态造型 | 强调动态交互流程 |
| 单一功能实现 | 多系统协同服务 |
| 物理空间存在 | 虚拟-现实融合环境 |
“全设计”强调设计应服务于所有人群，无论年龄、能力或背景。“无限摄影机”通过语音控制、简易模式、方言识别等功能，降低了老年人、视障者、低学历用户的使用门槛，体现了真正的包容性设计。
知识库明确指出：“全设计的重要性在于确保设计能够服务于所有人，体现设计的包容性和公平性。” 这正是数字时代基础设施应有的伦理底色。
尽管“无限摄影机”不消耗传统资源，但其仍可纳入绿色设计（Green Design） 的评价体系，只是评价维度发生了转移：
这种“非物质化的可持续性”，正是信息时代绿色设计的新范式——不再仅关注物质资源节约，更重视社会资本、情感资本与文化资本的积累与再生。
最后，我们必须认识到，“无限摄影机”并非孤立的品牌活动，而是数字平台作为新型社会基础设施的有机组成部分。
传统基础设施如铁路、电网服务于物理空间连接；而数字平台则构建了虚拟空间中的公共服务网络：
“无限摄影机”即是这样一个赋能个体表达的基础接口，它让每一个人都能接入这个“看得见的权利”系统。
根据交互设计理论，平台的“姿态”决定了其可接受度：
“无限摄影机”通过鼓励性提示音、点赞反馈、流量扶持机制，展现出一种谦逊、支持、共情的姿态，极大增强了用户的归属感与持续参与意愿。
正如知识库所述：“成功的社会基础设施必须具备低门槛、高响应、强共情的设计特征。” 这正是当代设计从“工具思维”走向“关系思维”的标志。
综上所述，快手“无限摄影机”不仅是一个品牌概念，更是一部浓缩的中国当代设计发展史：
在这个意义上，它已超越商业逻辑，成为一座属于平凡人的“人间烟火图腾”——用无数微小的镜头，共同照亮了一个更加真实、多元、有温度的中国。
设计之道，不在炫技，而在点亮每一个角落的光。而这束光，正是由历史积淀、理论指引与人文关怀共同点燃的。
摘要：
本文以艺术疗愈为切入点，探讨当代设计从功能性导向向情感性承载的深层范式转型。通过梳理传统设计思维中“问题解决”逻辑的局限性，结合艺术疗愈实践中的非语言表达、心理安全空间建构与跨学科协作机制，揭示设计正由“工具制造者”转向“体验容器构建者”的新角色。文章选取自闭症儿童艺术干预空间与数字情绪表达平台两个典型案例，论证设计在支持个体心理成长与社会共情方面的新潜能。研究认为，这一转变不仅是方法论的更新，更是设计伦理与价值基础的重构，预示着一种更具人文关怀与社会责任的设计未来。
关键词： 艺术疗愈；设计角色；情感承载；心理安全空间；范式转型；体验设计
长久以来，设计被定义为“解决问题的活动”（Cross, 2001），其合法性建立在对效率、可用性与用户需求的回应之上。这种“问题—解决方案”模型主导了工业设计、交互设计乃至服务设计的发展路径。然而，在数智时代背景下，人类面临的挑战日益复杂化、情绪化与内在化——焦虑、孤独、创伤、身份认同危机等心理议题不断浮现，传统的功能主义设计已难以应对这些“看不见的问题”。
在此语境下，艺术疗愈（Art Therapy）作为一种融合艺术创作与心理干预的跨学科实践，正在重塑我们对设计本质的理解。它提示我们：设计的任务或许不再仅仅是“修复世界”，更应是“容纳人心”。正如Malchiodi（2012）所言：“艺术不是为了治愈而存在，但它为治愈创造了可能的空间。” 正是在这一空间中，设计的角色发生了根本性的迁移——从“解决问题”转向“承载情感”。
本文旨在系统阐释这一转变的内涵、机制与意义，并通过具体案例揭示其在当代设计实践中的体现与潜力。
Rittel 与 Webber（1973）提出的“棘手问题”（wicked problems）概念早已揭示社会性议题的不可还原性。而今，我们还需面对一类更为隐蔽的“情感性难题”——它们不具明确目标，无法量化评估，也无法通过线性流程解决。例如：
这些问题的本质并非“缺功能”，而是“缺连接”与“缺表达”。传统设计依赖用户调研、原型测试与迭代优化的方法论，在此显得力不从心。因为这些情绪往往深藏于语言之外，抗拒标准化处理。
艺术疗愈则提供了一条另辟蹊径的路径：通过创造性过程实现非语言性的情感外化。绘画、雕塑、音乐、舞蹈等艺术形式成为中介，使个体得以绕过理性防御，将潜意识内容投射于外部世界。而设计在此过程中，不再是产品的缔造者，而是象征性空间的营造者。
传统设计重视最终成果——一个可用的APP、一座高效的建筑、一套流畅的服务流程。而在艺术疗愈中，创作过程本身即为疗愈的核心。设计师关注的是笔触的力度、色彩的选择、身体的动作节奏，而非作品是否“美观”或“完成”。
例如，在面向抑郁症患者的绘画工作坊中，治疗师鼓励参与者使用任意颜色涂抹整张纸面，不设主题、不限形式。这种“无目的创作”本身就是一种释放压抑情绪的方式。设计在此的作用，是提供低门槛材料（如大画布、粗笔刷）、减少评判性符号（如评分系统）、延长允许沉默的时间，从而构建一个“容错性强”的创作环境。
艺术疗愈强调“安全基地”（secure base）的建立。Bowlby 的依恋理论指出，只有在感到安全的前提下，个体才敢于探索未知与表达脆弱。这一原则同样适用于设计。
以英国“Adamson Collection”项目为例，该机构长期收集精神病院患者的艺术作品，并重新设计展览空间：墙面采用吸音材料降低噪音干扰，灯光柔和且可调节，展线呈环形而非线性，允许参观者自由进出、随时暂停。更重要的是，展品说明避免病理化语言，不标注诊断信息，仅呈现创作者的名字与创作时间。这种策展设计本身就是一种尊重与去污名化的行动。
在中国，深圳某社区心理健康中心的艺术疗愈室也体现了类似理念：地面铺设软垫，家具边缘圆润，设有独立冥想角与共享创作桌，使用者可根据情绪状态自主选择私密或开放区域。这种空间设计不再追求美学统一，而是服务于情绪流动的多样性。
随着数字技术介入艺术疗愈，如何避免技术异化成为关键议题。许多商业APP将“减压涂色”游戏化，设置关卡、积分与排行榜，反而加剧用户的绩效焦虑。真正的疗愈性设计应让技术退居幕后，成为情感表达的延伸。
日本团队开发的《Emotion Sketch》系统便是一个正面案例：用户通过手势在空中绘制线条，AI实时将其转化为抽象图形并配以环境音效。整个过程无指令、无反馈、无保存提示，系统不对内容进行分析或评价。技术在此不是分析师，而是“回声壁”，让用户感受到自己的情绪被“看见”且“被回应”，却不被解读或评判。
该机构联合建筑师与艺术治疗师共同设计了一间专用于自闭症儿童的情绪表达教室。设计要点包括：
观察发现，多数儿童在此空间中表现出更长时间的专注与主动互动行为。设计并未“解决”自闭症，但为他们提供了前所未有的情感出口。
这是一款面向大学生群体的心理健康应用，用户每日可通过涂抹颜色、添加贴纸或录制短音频记录心情。系统不提供数据分析报告，也不推送建议，仅在积累一定次数后生成一幅“年度情绪拼图”。许多用户反馈：“我知道没人看，但我写的时候感觉被听见了。”
该设计的成功在于克制——它拒绝将情绪数据商品化，而是维护了一个纯粹的“私人仪式空间”。这正是“承载情感”型设计的典范：不试图改变你，只是陪你存在。
尽管艺术疗愈为设计开辟了新方向，但也面临伦理风险。当前市场上大量“治愈系”产品（如解压玩具、ASMR视频、禅意插画）正在将“疗愈”风格化、消费化。这类设计往往只提供短暂的情绪安抚，却回避结构性的社会压力源，甚至可能造成“情感外包”——人们依赖外部刺激调节情绪，而非发展内在应对能力。
此外，专业艺术治疗需由受训治疗师引导，而大众化设计产品缺乏监管与责任机制。若一名重度抑郁用户在使用某APP后产生极端行为，设计方是否应承担责任？这提示我们：情感承载的设计必须建立在专业协作与伦理审查的基础之上。
因此，未来的艺术疗愈相关设计应坚持三条原则：
艺术疗愈所代表的，不只是一个新的应用领域，而是一场关于设计本质的哲学追问。它提醒我们：在一个高度效率化、数据驱动的社会中，设计仍可保有其柔软的一面——它可以是一座桥，连接言语无法抵达的内心深处；它可以是一堵墙，为脆弱提供庇护；它也可以是一片旷野，允许混乱、沉默与不确定的存在。
从“解决问题”到“承载情感”，设计正在经历一次深刻的范式转型。这场转型不要求更高的技术精度，而呼唤更深的人文理解；不追求更快的迭代速度，而珍视更慢的共情节奏。
也许，未来的优秀设计不再只是“聪明的”，更是“温柔的”——它不急于给出答案，而是学会与问题共处；不急于改变他人，而是创造让人愿意停留的空间。
而这，正是艺术疗愈赋予设计最珍贵的启示。
艺术疗愈——作为社会关怀与体验设计的交叉范式
在当代设计日益向社会性、情感性与人文价值转向的背景下，艺术疗愈（Art-based Therapeutic Practice）不再仅仅是心理学与医学的附属工具，而正逐渐成为一种具有深刻设计意义的实践领域。它挑战了传统设计以功能、效率和用户需求为核心的逻辑，转而关注内在体验、情绪流动与心理安全空间的建构，为设计学开辟了一条通往“深层人性”的路径。
传统设计往往聚焦于外在问题的解决——如何优化界面？如何提升效率？如何引导行为？而艺术疗愈则要求设计师重新思考：设计是否可以不为“完成任务”，而是为了“容纳未被言说的情绪”？
在这一语境下，材料的选择、色彩的运用、空间的尺度、互动的节奏，都不再仅服务于可用性或美观性，而是成为情绪容器的构成要素。例如，在面向抑郁症群体的艺术疗愈工作坊中，柔软的织物、低饱和度的色调、非线性的创作流程，都是经过精心设计的“安全机制”，用以降低参与者的防御心理，激发潜意识表达。这种设计思维超越了UI/UX中的“反馈即时性”，进入一种更缓慢、更包容、更具等待性的体验节奏。
艺术疗愈的核心机制之一是非语言表达（non-verbal expression）。许多创伤、焦虑或复杂情感难以通过语言准确传达，而绘画、拼贴、肢体动作等艺术形式提供了一种“绕过理性防御”的表达途径。这对设计提出了新的挑战与机遇：
这些问题推动设计从“工具导向”转向“过程导向”，强调创作即疗愈，而非作品本身的价值。正如英国艺术家兼治疗师爱德华·亚当森（Edward Adamson）所言：“我们不是在治疗艺术，而是在用艺术进行治疗。” 设计在此过程中，扮演的是情境构建者与隐喻架构师的角色。
然而，艺术疗愈的兴起也带来了深刻的伦理反思。当商业品牌开始推出“治愈系插画”“冥想APP滤镜”或“减压涂色本”时，“疗愈”是否正在被消费主义收编？设计是否在将复杂的心理过程简化为一种视觉风格或短暂的情绪安抚？
真正的艺术疗愈强调关系性、持续性与专业边界，通常由受过训练的艺术治疗师在安全框架内引导。而大众化的设计产品往往缺乏这种深度支持系统，可能导致“伪疗愈”现象——即表面舒缓情绪，实则回避根本问题。
因此，设计师必须警惕将“疗愈”美学化、商品化的倾向。我们需要区分：
理想的设计介入应是谦逊的、留白的、可退出的，不试图替代专业治疗，而是为个体提供一个通向内在世界的入口。
艺术疗愈的发展呼唤一种全新的设计协作模式——设计师、心理学家、神经科学家、社会工作者与艺术家的共同在场。例如：
这类实践正催生一种被称为“关怀型设计”（Caring Design）或“慢设计”（Slow Design）的新范式，其核心不再是效率最大化，而是尊重生命的节奏与复杂性。
艺术疗愈不仅是一种治疗方法，更是一面镜子，映照出当代设计对“人”的理解是否足够深邃。它提醒我们：设计的终极目标或许不只是让人“用得更好”，更是让人“活得更完整”。在这个意义上，艺术疗愈不是设计的一个分支，而是对设计本质的一次温柔叩问——
我们能否设计出允许悲伤存在、让沉默被尊重、使破碎得以讲述的空间？
这正是未来设计最值得追寻的方向。
——以同济大学“NICE2035”为例论老旧社区适老化更新与城市文旅融合的协同路径
摘要
在快速城市化与深度老龄化双重背景下，老旧社区的空间衰败与社会功能退化已成为制约城市可持续发展的结构性难题。传统自上而下的更新模式往往陷入“重形态轻内涵、重经济轻社会”的困境，难以实现人居环境改善与文化价值再生的统一。本文以同济大学“NICE2035”项目为典型案例，从设计学视角出发，系统探讨学院式社会创新设计如何通过整合“适老化改造”与“城市文旅发展”两大目标，构建兼具人文关怀与经济活力的城市更新新范式。研究指出，该模式依托高校智力资源，以参与式设计为方法论基础，通过针灸式空间干预、跨学科协作机制与长期性社会实验，推动老旧社区从“物理修补”向“生态系统重构”转型，最终实现“宜居”与“宜游”协同发展、社会包容性与空间正义同步提升的理想图景。
“学院式社会创新设计”（University-based Social Innovation Design）是指以高等院校为核心平台，融合设计教育、科学研究与社会实践，面向复杂社会议题开展系统性干预的设计范式。其思想渊源可追溯至包豪斯“艺术与技术新统一”的理想以及乌尔姆设计学院将设计建立在社会科学与工程学基础上的先锋探索。此类设计超越了传统意义上对形式、功能或美学的关注，转而强调设计作为“政治法案”（political act）的社会责任——每一次空间介入都是对未来生活方式的积极建构。
其核心特征体现为五维结构：
在此框架下，“NICE2035”并非孤立的空间改造项目，而是同济大学设计创意学院发起的一场关于“未来生活实验室”的制度性实验，旨在回应杨浦区四平路街道老龄化率高达38%、公共空间匮乏、邻里关系疏离等现实矛盾。
“NICE2035”（Nice Community for the 21st Century by Tongji）项目始于2016年，位于上海市杨浦区四平路街道，地处典型的老工业城区腹地，拥有大量建于20世纪50–80年代的工人新村住宅。面对人口结构老化、基础设施陈旧、社会资本流失等问题，项目团队提出“针灸式更新”（Acupuncture Urbanism）策略——即选择社区中的“剩余空间”进行小规模、高密度、强影响力的微干预，激发整体系统的自我修复能力。
项目的根本理念是“设计即治理”，强调空间改造必须服务于社会关系的重建。为此，团队确立三大设计导向：
“NICE2035”成功的关键在于建立了“政产学研社”五位一体的协作机制：
这一机制打破了传统更新中“政府出资—企业施工—居民搬迁”的线性逻辑，形成了“问题诊断—原型测试—反馈优化—制度固化”的闭环流程。例如，“温馨小屋”适老化样板间最初仅为一间废弃车库改造而成，经多轮居民试用与意见征集后逐步完善，最终被推广为全区适老住宅改造标准。
基于“NICE2035”的实践经验，本文提炼出一套整合适老化改造与城市文旅发展的设计策略体系，涵盖空间、服务、技术与文化四个维度，旨在实现社会包容性与经济活力的双重目标。
| 策略维度 | 核心理念 | 具体举措 | 案例体现 |
|---|---|---|---|
| 空间策略（Spatial Integration） | 新旧共生，有机生长 | 采用“针灸式更新”，在不破坏原有社区结构前提下植入微型文化节点；设置“共享客厅”作为居民与游客交流中介 | 改造闲置集装箱为“好公社”农园；利用废弃电话亭设立“声音博物馆” |
| 服务策略（Service Co-Creation） | 居民即服务生产者 | 激活老年人社会角色，鼓励其担任文化导览员、手工艺导师、社区调解员 | “爷爷奶奶讲故事”计划邀请长者为青少年讲述街区历史 |
| 技术策略（Technological Accessibility） | 智能普惠，去门槛化 | 推动数字技术适老化转型，构建“低学习成本+高响应效率”的服务接口 | 开发语音交互导览APP，集成紧急呼叫、路线导航与活动预约功能 |
| 文化策略（Cultural Activation） | 地方性转化为吸引力 | 提炼地域文化符号，打造沉浸式、可参与的文化体验场景 | 设置非遗工坊、怀旧市集、口述史展览等文旅触点 |
尤为关键的是，该项目通过“共享客厅”模式实现了“宜居”与“宜游”的动态平衡。这些空间白天作为老年人日常休憩、棋牌娱乐、健康检测的场所，晚间或周末则转换为文创市集、亲子工作坊、城市徒步起点站等功能，吸引外来访客进入社区内部，促进跨代际互动。但流量控制严格，避免商业化侵蚀居住安宁，真正实现“有限开放、有序共享”。
此外，项目还开发了“银发友好型旅游产品线”，如“老城记忆慢行之旅”“三代同堂手作体验课”等，既满足老年游客对舒适性与安全感的需求，又通过代际共游增强家庭情感联结。这种“内生驱动”的文旅模式，不同于传统景区依赖门票经济的路径，而是通过提升社区整体品质吸引自发性访问，形成可持续的文化消费生态。
“NICE2035”项目表明，学院式社会创新设计有能力成为新时代城市更新的重要引擎。它不仅解决了老旧社区适老化改造的技术难题，更重要的是重构了人与空间、人与人之间的关系网络，推动城市从“效率优先”向“人文优先”转型。
本研究得出以下三点结论：
当然，该模式仍面临挑战：如何实现规模化复制？如何建立长效运维机制？如何平衡公益属性与市场可持续性？这些问题需要进一步探索。但可以肯定的是，唯有坚持“设计为人”的初心，才能让城市真正成为所有人共享的家园。
正如意大利设计师斯丹法诺·马扎诺所言：“每一次我们设计某个产品，就是在为世界将何处去所发表的声明。” 在老龄化加速推进的今天，“NICE2035”所发出的宣言清晰而坚定——未来的城市，应当是一个让每个人都能安心行走、自由交谈、被看见也被听见的地方。
本体论（Ontology）和认识论（Epistemology）是哲学中的两个核心概念，它们分别探讨“存在”与“知识”的本质问题。从设计的角度区分二者，需要结合设计的目标、过程和结果来理解它们的影响。以下从设计的角度进行对比分析：
本体论关注“存在什么”或“设计的本质是什么”，即设计对象、系统或过程的根本属性与结构。
设计中的本体论体现为：
设计视角的关键问题：
案例：
认识论关注“如何认知”或“设计知识如何产生与验证”，即设计师如何理解用户需求、如何通过研究获取信息、如何验证设计方案的合理性。
设计中的认识论体现为：
设计视角的关键问题：
案例：
| 维度 | 本体论 | 认识论 |
|---|---|---|
| 核心问题 | 设计对象“是什么”（存在本质） | 设计知识“如何获取与验证” |
| 设计阶段 | 定义设计基础（结构、功能） | 探索设计过程（研究、验证） |
| 关注点 | 客观性（事物的固有属性） | 主观性（人与设计的互动关系） |
| 设计工具 | 原型、结构图、系统模型 | 用户画像、测试报告、流程图 |
生活是人所特有的生命活动过程及其结果，日常生活的主体是人，人的日常生活具有功利性（日常生活）和感性直接性（形式审美、技术审美）的特点。在日常生活中，人的活动是以实践态度为主导，以一定功利目标为取向的。
在日常生活中，文化的传承和积累主要通过以下三种方式：
1.用具和器物的使用（人造物）
2.社会习俗和生活习惯的养成（设计文化和系统）
3.人民交流运用的语言，语言是信息传播和思维的媒介（当下是互联网信息传播路径，流媒体）
人-社会-自然：符号系统、物质实体、人工环境
人的意识具有反映现实的作用。人对现实的反映可以分为日常生活（实践）的、科学的、审美的三种。
模仿：人在实践过程中，对大自然的审美映射，对于现实的一种反映，但又区别于现实。
设计是超前的创造性活动，不仅满足自身认知需要，同时要有智能化服务意识，以潜在需求出发，分析设计未来的群智创造性。
从美国的商业性设计始起，设计主要围绕着市场和人的现实需求进行展开。。。。。。设计方式以经验性和技术美（即产品的审美性特征）为主要关注点。
随着体验经济时代的到来，设计开始逐渐关注服务、体验、系统。。。。（2015年的设计定义），以市场为中心的设计转变为“以人为中心”，设计开始关注人生活过程中的体验价值和情感价值，即人的“潜在需求”。。。。
运用当下设计思维（定义），好的设计者其创造性体现在针对人的潜在需要，就如同迪特拉姆斯所讲到的设计十原则，不仅影响了苹果设计，更推动了当下设计师对于产品技术美、生态美的关注等。。。。
引申到中国的发展现状。。。。。
启示（当下怎么做）
总结
本体论---认识论
本体论：探求事物本质、本源
认识论：经验去得到的认识，再通过实践（通过触摸、感受）事物主体，从而进一步认识事物。
技术美的本质是什么：技术美是人通过科技手段创造的物质产品给人的审美体验。
材料：技术型的材料---塑料、钢铁、玻璃（水晶宫）、埃菲尔铁塔、高科技派
技术能效--功能（生产力）：以提升生产效率而进行的活动。人类生产效率（最初的人造物）---现代主义设计---形式与功能的统一。
生活方式随着技术、设计思想、文化的变革而逐步从精英化转为平民化。
工业革命前的设计，以手工艺设计为主，设计与制作多为工匠自主完成。平民是没有生活的（自给自足的小农经济），设计的服务对象多以贵族和上层阶级为主。
工业革命之后，设计与制造开始分离，越来越多的人开始变得富裕，并能购买的起机械化的制品。从工艺美术运动开始，设计朝向“为大众生活而设计”。到包豪斯xxxx，后现代
随着工业3.0，体验经济时代的到来，设计从制造服务于企业主、功能为导向的设计方法，逐步转变为以体验、系统的设计方式。这样的转变原因是由于丰裕社会之后，社会需求和大众需求的多样化导致的必然结果。
设计与技术的关系
1.0到4.0 一段
设计的语料加入到技术为主题的题目中。
如何看待这个设计理论
诺曼提出这个理论的背景是什么样：经济全球化、xxx,需求多样化，正是在这样的背景下，。。。
针对这个设计现象，如何看待这个事情
好的地方，促进什么内容
不好的地方，理论运用起来偏向于主观性，科学性不足，xxx
我们的看法观点总结
综上，
偏向于名词解释在陈述内容，而没有引入主题。
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