（40min）在当代全球化语境下，设计的本土化与全球化并不是两股相互冲突的力量，而是相辅相成、相互促进的统一体。设计既要扎根于本土文化土壤，体现独特的价值观和生活方式，又要具备跨文化的可理解性与传播力，形成具有全球普适性的表达方式。

一、本土化与全球化的内涵与关系

（一）本土化是设计的灵魂与根基

本土性首先来源于“文化”的内涵。文化不仅是历史符号和视觉元素的堆砌，更是一个民族在长期生活实践中形成的价值观、审美趣味与行为方式。本土化设计就是在当代语境中对这些内容的再理解、再表达。

中国传统中的书法、山水、民间工艺等，包含着对自然、社会与人的独特理解。当设计有意识地从中提炼结构逻辑、材料智慧与审美原则，而不是简单照搬图案时，作品就会带有清晰的文化身份和精神气质。本土化因此成为设计的灵魂与根基，为作品注入厚度和情感认同。

（二）全球化是设计的桥梁与通用语言

全球化层面，现代主义、国际主义以来形成的简洁、理性、功能优先的设计语言，构成了跨地区交流的重要基础。强调清晰信息、合理结构、人机工程的设计方式，使产品、界面和空间在不同国家都能够被理解和使用。

这类全球化语言在一定程度上弱化了地域差异，但也显著提升了生产效率与传播速度。可以说，全球化为设计提供了被“看见”的渠道和被“读懂”的语法，是本土内容走向世界的重要桥梁。

（三）本土性与全球化的互补关系

本土性与全球化并非对立，而是可以互相成就：一方面，本土性为全球化提供了独特内容，使设计作品在看似相似的国际语言中依然具备差异化竞争力；另一方面，全球化为本土性提供了展示平台和技术方法，使本土文化不再局限于地域内部传播，而有机会被更广泛的群体理解和接受。

因此，可以把二者理解为：本土性决定“说什么”，全球化决定“怎么说给更多人听”。

二、本土化与全球化融合的实践路径

（一）形式与符号层面的融合

在视觉与形式层面，许多品牌通过“国际化语言＋本土气质”的方式实现融合。日本无印良品大量采用极简的版式、中性配色和统一包装，这种风格在全球范围内都易于被接受，看上去是一套国际化的极简语言。但其背后“去过度装饰、强调日常、尊重材料本身”的理念，与日本长期形成的侘寂美学和节制生活方式紧密相连。

可以说，无印良品在形式上使用了全球普遍认同的简洁语言，在精神上却深深扎根于日本本土的生活哲学，形成了兼具国际传播力与本土辨识度的品牌形象。

（二）功能与体验上的融合

在功能与体验层面，本土性与全球化更多体现在服务系统和使用场景的整合。以张雷团队发起的“融设计图书馆”及其在青山村的实践为例，项目一方面借鉴了国际上常见的“材料图书馆＋工作坊＋展销平台”模式，遵循清晰的流线设计和用户体验逻辑；另一方面重点收集、整理和转化本地油纸伞、竹纸等传统工艺。

游客和设计师通过“了解材料—参与制作—购买使用—线上传播”的过程，既体验到符合全球游客习惯的服务流程，又在产品和活动中真实接触到乡村文化与手工技艺。本土工艺在当代生活场景中被重新整合，既保留文化记忆，又借助全球化的设计方法与传播渠道获得新的生命力。

（三）理念与系统层面的融合

在理念和系统层面，世界设计之都大会提供了一个“本土议题＋国际视野”的范例。大会以“上海精神”为基础，强调开放、包容、创新，将城市更新、社区治理、可持续发展等本土议题作为重要主题，同时邀请全球设计师、研究者和企业共同参与讨论。

这一过程中，一方面运用了国际通行的系统设计、服务设计等方法，建立跨政府、企业、高校、社区的协同机制；另一方面又始终围绕上海的城市气质和本地实践经验展开。由此形成的既在地、又具国际话语权的设计平台，本身就是本土化与全球化在系统层面的结合。

三、对当代设计的启示

（一）由浅入深认识本土文化

本土化不应停留在纹样、色彩的表层拼贴，而应深入理解本土文化如何体现在当代生活中。同济大学主导的 NICE2035 未来生活原型街区项目，通过与居民、街道、商户的长期协同，把老里弄的人际关系、生活节奏转化为新的社区空间和服务系统，让本土生活方式在新的形式中延续。设计要从真实生活出发，而不是仅仅在形式上“贴文化标签”。

（二）开放姿态 去粗存精

在方法与技术层面，设计师应主动学习全球范围内成熟的用户研究、服务蓝图、系统设计等工具，但在价值取向上保持判断能力与文化自信。面对全球流行风格和技术趋势时，需要有意识地筛选、转化，而不是简单照搬，做到“借鉴语言而不放弃内容”。

（三）因地制宜 尊重差异

同一城市内部，不同街区往往需要不同的设计策略：有的强调工业遗产再生，有的强调里弄肌理保护，有的面向新兴产业聚集。不同地区的乡村振兴项目也有各自的历史和资源条件。尊重差异、因地制宜，不追求单一的“统一风格”，才能让本土性真正落在具体场景中，而不是变成抽象口号。

（四）设计教育 开阔视野

设计教育方面，可以借鉴日本“实践与学术并行”的培养模式，一方面重视与企业、社区、工坊合作，让学生在真实项目中理解本土议题；另一方面通过国际联合工作坊、交换项目等拓展其全球视野。同济大学在社区项目、乡村实践以及国际联合培养等方面的探索，使学生在“深入本土—对标国际—跨文化协作”的连续经验中，逐步形成既懂在地问题、又能参与国际对话的综合能力。

贝聿铭先生说过：“越是民族的，越是世界的”。设计的本土性与全球化构成推动当代设计发展的两股关键力量。本土性决定设计从何处出发，全球化决定设计能够走多远。对于当代设计师而言，重要的不是在二者之间做选择，而是在具体实践中找到动态平衡：既扎根于本土文化的土壤，又善用全球化的语言和平台，让设计在传承与创新中持续产生新的价值。

在以文化自信与文旅融合为背景的近几年，旅游品牌塑造、文创产品开发与各类文化IP运营迅速兴起，设计正从“美化附属”转变为驱动文化传承与传播的关键中介。一方面，设计通过对地域符号、非遗技艺和生活方式的当代表达，使抽象的文化价值转化为可感知、可消费、可分享的产品与场景；另一方面，借助数字技术与服务设计，设计把博物馆、历史街区、社区更新等碎片化实践串联为系统化的文化体验路径，既回应市场需求，又推动社会公众在“好看、好玩”中自觉参与文化认同的建构。

一、设计作为文化再诠释的工具

设计通过符号学、解构等设计方法，对传统文化、地方故事进行重构，让文化能被看见、被记住。

-案例：WDCC世界设计之都大会的视觉与空间设计，将“设计无界、生生不息”的城市叙事转译为展陈、标识与公共装置，输出上海城市文化形象。

二、设计作为文化承载的媒介

从服务设计视角看，空间与社区更新并不是单纯的物理改造，而是文化服务系统中最关键的线下触点与情境载体。

-案例：张雷“融设计图书馆”：将油纸伞、竹纸等传统工艺转译为新的生活产品与展陈系统，并落地于青山村等乡村更新实践，在“可购买、可体验”的场景中延续手工技艺与乡村文化。

-案例：NICE2035未来生活原型街区：通过街角微更新、社区生活实验室，把老社区日常生活设计成面向公众开放的“城市文化展场”，让居民从文化消费者转为共同生产者。

三、设计作为文化传播的平台

-通过“产品＋活动＋数字媒体”的整合，设计完整规划“发现—体验—分享”的文化旅程，使文化传播从一次性参观变为持续参与。

-案例：NICE2035与“三区联动”机制、WDCC及国际设计百人论坛，以设计为中介协调政府、学校、企业与社区，形成支持文化创新与传播的生态系统，体现“设计治理”在文化传承中的平台作用。

设计在文化传承与传播中的作用，正在从“造物”扩展为“造境”与“造系统”：既要守住文化根脉，又要以专业方法把文化带入当代生活与未来场景，实现传统与创新的动态平衡。

首段：设计学作为一门综合性学科，其独特性源于多学科的融合与实践需求的驱动。从历史发展来看，设计学的诞生与工业革命紧密相连，艺术与技术的结合催生了早期设计学的雏形；在现代设计实践中，设计学整合了美学、工程学、心理学、社会学等多领域知识，以解决复杂的实际问题。设计学的综合性不仅体现在理论层面，更贯穿于设计的每一个环节，成为推动设计创新与发展的核心动力。

论点1：调查法-历史性-背景：

-工业革命促使艺术与技术结合，催生设计学的雏形，设计学从一开始便带有综合性基因。

-早期设计学-19世纪工艺美术运动对工业化产品的反思，设计学开始关注美学与实用性的平衡，初步体现多学科融合。

论点2：观察-真实性--历史事件：

-包豪斯学派强调“艺术与技术的新统一”，通过跨学科教育体系，将艺术、手工艺与工业设计相结合，成为设计学综合性发展的里程碑。

-乌尔姆学院：以“解决问题”为核心，在此基础上整合了科学与设计。通过跨学科、多领域合作的教育，鼓励学生多角度理解和解决设计问题。

论点3：案例分析：苹果公司的产品设计“以用户体验为中心”-cross over；跨学科团队协作模式，通过跨学科协作实现产品功能与美学的完美结合。

论点4：案例分析：可持续建筑设计-结合环境科学知识，采用环保材料与节能技术，实现建筑与自然环境的和谐共生；多学科协同创新，全方位贯彻可持续设计理念。

总结：设计学的综合性是其本质特征，源于实践需求与理论发展的双重驱动。从历史上的包豪斯运动到现代的用户体验设计与可持续建筑设计，设计学不断整合多学科知识，以应对复杂多变的设计挑战。在未来，设计学的综合性将继续深化，推动设计创新与社会进步。

首段：密斯·凡·德罗的“少即多”与文丘里的“少即乏味”是设计史上极具代表性的两种理念，它们看似对立，实则共同推动了设计的发展。密斯的“少即多”诞生于现代主义时期，倡导极简美学，强调功能与形式的统一，反映了工业化时代的理性精神；而文丘里的“少即乏味”则是后现代主义对现代主义的反思与补充，主张设计应兼具复杂性和情感表达，以满足人们对多样性的需求。两者不仅体现了设计师对美学与功能的不同追求，也折射出社会文化背景的变迁。

提纲：

论点1：调查法-历史性-背景

密斯“少即多”：现代主义兴起，工业化推动建筑技术发展，人们追求简洁、高效的设计风格。

文丘里“少即乏味”：后现代主义时期，对现代主义过度理性的反思，设计师开始关注设计的情感与文化内涵。

论点2：观察-真实性--历史事件

密斯：巴塞罗那椅、德国馆，展现极简线条与功能性的完美结合，体现“少即多”的美学价值。

文丘里：母亲住宅，通过装饰性元素与功能的矛盾，展现“少即乏味”的设计理念，强调设计的复杂性与情感表达。

论点3：案例分析：密斯的德国馆-简洁大方，摒弃多余装饰，通过材料质感与空间比例营造秩序感，体现功能主导下的极简美学。为现代建筑树立了极简主义的典范，影响了后续建筑设计的审美取向。

论点4：案例分析：文丘里的母亲住宅-外表简单却蕴含丰富细节，如圆形钟楼、三角形山墙等，展现形式与功能的矛盾，体现“少即乏味”的理念。为后现代建筑提供了新的设计思路，强调设计应关注情感与文化，而非单纯追求功能。

总结：密斯的“少即多”与文丘里的“少即乏味”虽理念相悖，但共同构成了设计发展的辩证逻辑。前者奠定了现代主义的极简美学基础，后者在此基础上拓展了设计的维度，引入复杂性与情感表达，反映了设计从理性走向多元的演变过程。两种理念的碰撞与融合，不仅丰富了设计的内涵，也为我们理解设计与社会文化的关系提供了深刻启示。

总论点：美国职业化作为现代社会发展的重要标志之一，其进程不仅塑造了各行各业的专业化格局，也深刻影响了现代设计师的职业发展路径。设计师，即从事设计工作的人，是社会发展到一定时期以后，因为分工的需要和专职的可能而出现的一类脑力劳动者。从工业革命时期职业化的萌芽，到20世纪以来职业化体系的逐步完善，再到当代职业化学术理念与实践的深度结合，设计师这个职业在职业化进程中不断迭代与蜕变。职业化不仅提升了设计师的专业素养和社会地位，还推动了设计行业的规范化与创新性发展。

论点1-调查法-历史性-背景：工业革命初期：工匠-设计师；设计教育：包豪斯设计师流亡美国；美国国情：丰裕社会、大众市场

论点2-观察-真实性--历史事件：20c30s雷蒙德罗维：与同行创立“美国设计师协会”（标志从个人-团体；建立标准-职业化）；20c60s 维克多巴巴纳克《为真实的世界设计》填补设计伦理的空白

论点3-案例分析：雷蒙德罗维：MAYA原则-可口可乐瓶-壳牌企业形象（职业化路径）

论点4-案例分析：有计划废纸止-设计伦理-全设计-以人为本-设计师要兼顾商业性与公益性

总结：职业化为现代设计师提供了规范性和专业化的框架，而设计伦理则是赋予作品意义与价值的灵魂。职业化通过行业标准和教育体系，赋予设计师在社会中的话语权和责任感，同时也在一定程度上为设计伦理的实践提供了保障。然而，职业化本身并非万能，设计师仍需在框架内主动思考伦理问题，尤其是在面对用户需求与社会责任的冲突时。因此，职业化与设计伦理相辅相成：前者为后者提供规范与工具，后者为前者注入伦理与温度。职业化让设计师成为专业的技术从业者，而设计伦理则让设计师成为有责任感的社会创造者，共同推动设计行业迈向更高层次的社会价值。

论点：美国设计的核心是商业性设计

论点1-背景：政治与文化协同催生-包豪斯设计师流亡美国；丰裕社会

论点2-历史事件：流线型风格；有计划废止制

论点3-案例分析：雷蒙德MAYA原则“最美的曲线是销售上升的曲线”

论点4-案例分析：两面性-商业性vs设计伦理 维克多巴巴纳克 社会责任 可持续

总结：美国商业性设计是商业性与大众性的矛盾运动史，其经验与教训为当代设计指明方向

论点：后现代设计丰富了设计的多样化，是社会发展的产物

论点1-背景：大众文化繁荣、社会需求多样化，丰裕社会-现代主义/国际主义局限性

论点2-历史事件：文丘里“少即是乏味”-《建筑的复杂性与矛盾性》

论点3-案例分析：文丘里-栗子山别墅

论点4-案例分析：结构主义-古根海姆博物馆；波普艺术；孟菲斯

总结：后现代设计的产生是20世纪中后期社会文化、科技发展与哲学思潮共同作用的结果，极大地丰富了设计的多样性

20世纪的德国工业设计历程横跨了多个关键阶段，从工业化初期对手工艺与工业的融合探索，到现代主义设计教育的兴起，再到战后设计体系的重建与创新。这一历程孕育的设计风格、理念与教育体系深刻影响了当代设计的形成与发展。

德意志制造联盟与工业设计的开端

1907年成立的德意志制造联盟标志着德国工业设计思想的开端。该联盟倡导艺术与工业的结合，提倡设计应“追求目的、讲究功能、强调客观主义和标准化” 。这一思想在实践中由“德国现代设计之父”彼得·贝伦斯率先践行 。贝伦斯是联盟的重要成员，被誉为世界上第一位真正的工业设计师 。他为德国通用电气公司（AEG）设计的透平机车间厂房被视为第一座真正的现代建筑，此外还为AEG设计了电灯、电风扇等工业产品及公司标志 。贝伦斯通过这些实践为AEG树立了统一而鲜明的企业形象，开创了现代企业设计识别系统的先河 。他注重功能理性、严谨统一的设计理念，不仅为德国工业产品的设计奠定了基础，也证明了设计对企业品牌价值的巨大作用 。德意志制造联盟时期奠定的功能主义和标准化原则，为后来现代主义设计的发展指明了方向。

包豪斯：现代主义设计教育的奠基

第一次世界大战后，德国的设计思想迎来了包豪斯学派的崛起。1919年，建筑师格罗皮乌斯在魏玛创办了“国立包豪斯学校”，试图将艺术与技术相结合，培养既具美学素养又懂工业生产的设计人才。包豪斯首创了设计基础课程，强调打破艺术与工艺的界限，在教学中融合材料实验和造型训练，并建立起与工业企业合作的教学模式 。格罗皮乌斯等人提倡“艺术与技术的新统一”，注重功能与形式的和谐统一，追求为大众批量生产提供高品质设计。包豪斯的师生创造了大量现代设计经典，例如马塞尔·布劳耶设计了世界上第一套钢管家具“瓦西里椅”，以金属管材实现了简洁实用的造型 。这一时期的设计实践充分体现了“形式追随功能”的现代主义理念。尽管包豪斯因政治压力于1933年被迫关闭，其影响却通过师生传播到了世界各地，奠定了现代设计教育体系的基础 。包豪斯的意义不在于产出多少产品，而在于开创了一整套设计思想和教育模式，其影响更多体现在设计理念上而非实际成就 。这一学派将设计提升到服务社会和工业的高度，开启了全球范围内设计思潮的现代转向。

乌尔姆设计学院与战后德国设计新局

二战后，德国工业设计在废墟中重建，并迎来了新的发展高峰。1953年，乌尔姆造型学院成立，承接并发展了包豪斯未竟的事业。乌尔姆学院在教学纲领上进一步深化了理性功能主义，将设计从过去介于艺术与技术之间的模糊地带，彻底转向科学和技术的立场 。学院迅速完善了设计教育体系，提出了严格的理性设计原则，并与企业紧密合作开发产品，发展出系统化的设计方法，形成了独特的“乌尔姆哲学” 。在乌尔姆时代的影响下，德国企业更加重视设计创新，出现了如博朗公司这样以设计见长的品牌。其中，设计师迪特·拉姆斯在20世纪50年代加入博朗并担任首席设计师，秉持“少即是多”的理念，将极简美学融入收音机、唱机等消费电子产品设计中 。他注重产品的功能性、易用性与美观性的统一，这一理念在拉姆斯1980年代总结提出的“好设计十诫”中得到凝练，包括创新、实用、美观、易懂、克制、诚实、耐久、细节一致、环保、尽可能少等十项原则 。可以说，乌尔姆学院和同时期的设计实践共同塑造了战后德国设计的新局面，将功能理性、美学品质和工业生产紧密融合，为全球树立了“好设计”的新标准。

对现代设计理念与实践的影响

20 世纪德国工业设计的发展为现代设计奠定了具有范式意义的基础。在思想层面，以德意志制造联盟、包豪斯、乌尔姆为代表的传统，将“功能优先、形式从属功能”的现代主义原则与理性化、标准化生产逻辑结合起来，确立了简洁、克制的造型规范和“机器美学”“少即是多”等被广泛接受的设计话语；在方法与教育层面，包豪斯通过基础课程、工坊制度与校企合作，率先构建了融合材料实验、造型训练与工业实践的教学体系，乌尔姆则进一步引入科学方法、人机工程与系统论，将设计从艺术直觉引向可分析、可推演的理性方法论，从而成为当代设计教育模式与设计研究取向的重要源头；在产业与制度层面，从贝伦斯为 AEG 构建统一的企业形象，到拉姆斯在博朗推动基于明确设计原则的产品系列化开发，德国工业设计证明了系统性的产品与视觉整合不仅能够提升企业竞争力，更能够作为企业战略与品牌管理的重要工具，并通过强调实用性、诚实性与耐久性的价值取向，将设计由“装饰附属品”提升为引导大众审美与生活方式的社会力量。

当代设计的启示

20世纪德国工业设计的发展历程与成就，对当代设计和设计教育具有深刻的启示意义。第一，在技术迅猛发展和智能化浪潮下，设计一方面要坚持功能理性和系统思维，另一方面必须回到“以人为本”的价值立场，从使用情境、情感体验和文化认同出发避免沦为冰冷的技术包装；第二，应像拉姆斯所强调的那样，把可持续性内嵌进“好设计”的标准之中，让环保不只是附加标签，而是设计的前置约束；第三，在设计教育与实践组织方式上，包豪斯与乌尔姆表明，跨学科协作、与产业和社会真实问题的深度对接，以及对设计社会责任的自觉反思，是设计保持创新和通用的关键，这对今天重新理解“设计的边界”具有持续的参考价值。

综上所述，20世纪德国工业设计的发展历程为当代设计提供了宝贵的经验与启示。从德意志制造联盟的功能理性，到包豪斯的教育革新，再到乌尔姆的科学体系以及拉姆斯的设计准则，德国设计不断探索艺术与工业、形式与功能、理性与人文的平衡之道。这一历程启示我们：要在传承中创新，在理性中融入人文，在设计实践中承担社会责任。当代中国设计若能融会这些理念，结合自身文化与时代需求，必将走出具有中国特色的设计创新之路，为世界贡献新的设计价值。

在数字技术和人工智能迅速发展的背景下，“人人都是设计师”正从口号变成现实：普通用户可以通过模板、AIGC 等工具进行界面美化、内容生成甚至产品共创。面对这种趋势，专业设计师并不会被简单取代，而是必须完成角色转型，在协同设计的框架下，承担起设计引导者、系统整合者、边界拓展者与价值守护者等多重社会角色。

首先，在人人可以参与创作的前提下，设计师不再是“独自完成一切的天才创作者”，而应当成为协同设计的引导者与组织者。普通用户、社区群体乃至各类智能体，都可以在设计过程中提出需求、贡献创意，但这些想法往往是碎片化的、彼此冲突的。设计师需要用专业方法搭建共创平台，通过访谈、工作坊、情景剧、共创画布等方式，把用户、企业、政府、技术团队等拉到同一张桌子上，让“人人参与设计”的冲动转化为有结构的协同过程。从“替别人设计”走向“和别人一起设计”，是未来设计师最重要的角色变化之一。

其次，在协同设计的基础上，设计师还应成为复杂系统的整合者。当越来越多非专业设计行为涌入现实世界，如果缺乏系统视角，很容易造成“头痛医头、脚痛医脚”的碎片化解决。设计师一方面要把零散创意编织进完整的产品—服务—空间—数据系统中，保证方案在技术、运营、成本和体验上具有整体性和可持续性；另一方面，还要在绿色设计、循环设计等原则指导下统筹产品全生命周期，避免“换壳式设计”“堆叠功能”等短视做法，为环境与社会留出长期余地。这种把多方参与与系统思维结合起来的能力，是专业设计师在“人人都是设计师”的时代不可替代的核心价值。

再者，在工业4.0“智能+网络化”发展的背景下，人人可以都可以调用 AIGC 参与创作，专业设计师则更像是“边界拓展者”：一方面，借助算法扩展创意的广度和深度，把设计的疆域从产品形态拓展到服务、系统与机制层面；另一方面，又在技术与人文、效率与伦理的交界处坚守底线，通过意义创造来平衡商业逻辑与人类价值，使设计不至于沦为流量竞争中的表面装饰，而成为联结技术创新与社会责任的关键纽带。

最后，在面向人人参与的未来，设计师还应成为公众赋能者与价值守护者。一方面，通过教育、科普与开放工具，把基本的设计素养、信息判断能力和可持续理念传递给更多人，让大众在参与设计时更加意识到环保、隐私与公平等问题；另一方面，设计师要在算法广泛介入的时代对数据偏见、内容操控、环境影响保持敏感，用专业视角为快速扩张的“全民设计”踩刹车、立底线，确保设计不只是制造欲望、刺激消费的工具，而是改善生活、修复社会与生态关系的重要手段。

综上所述，在面向“人人都是设计师”的未来，专业设计师的社会角色将从单点创作者转变为协同设计的引导者、复杂系统的整合者、多重身份的“新质设计师”，以及公众赋能与价值守护的关键力量。只有完成这种角色升级，“全民设计”的浪潮才不会停留在表面的形式游戏，而能真正转化为推动社会进步和可持续发展的新动力。

协同设计是“以用户为中心的设计”的设计方法的延伸和拓展，其目的是了解用户内心真实的想法和潜在需求，以设计出有价值、符合社会需求对社会有意义的产品。协同设计主要由用户作为经验专家，参与设计的全过程，参与到设计的前期调研、中期设计以及后期反馈过程之中，其间设计师与用户共同学习，让人人都发挥出自己的创造能力，可以说“人人都是设计师”。合理的运用协同设计可以激发更多的灵感、抓住机会和盲点、提升工作效率同时增加积极性，为用户设计出体验更好且能满足未来需求的好的产品。

设计思维，是一种以人为核心的创意方法论，它通过同理心理解人、重构问题、生成创意并不断验证帮我们在复杂的设计环境中找到真正有意义的设计。最早由赫伯特·西蒙提出“设计科学”奠定了理性分析与问题求解的基础，而后IDEO设计公司将学术理论转化为通用创新工具，推动“以人为本设计”的落地，并总结出设计思维五法：同理-定义-构思-原型-测试。设计思维既是一种思维方式，又是一种行为策略，指导设计师不仅仅只局限在“做什么”，更是“为什么而做”、“为谁而做”以及“怎么做得更好”。

提纲：

1.社会创新与设计创新

2.设计驱动社会创新

【1】在理念上，社会创新关注“以人为本”

【2】方法上，设计整合跨学科资源推动社会创新

【3】本质上，社会创新重新定义社会问题和机会

3.总结：设计驱动的创新是社会创新的核心动力。不仅通过设计解决社会问题，更通过设计创造新的社会机会，引领社会走向更公平、包容和可持续的未来。

社会责任一直是设计活动中要讨论的话题，而社会创新作为一种新的设计形态，借助设计思维来创新地解决社会问题，改变生活方式甚至是推动社会革新。

社会创新设计是指通过设计思维和创新办法来解决社会问题或满足社会需求的一种设计实践。在已有的资源条件下，转换自身角色，把资源进行合理配置，是创造出具有可持续性、包容性并能激发自发性的新功能和意义。它不仅关注传统设计中的产品、服务和用户体验，还强调设计对社会的积极影响，致力于推动社会变革和可持续发展，社会创新并不在于得到个别产品，而是致力于综合的社会和组织关系的转变。

设计创新可以被定义为设计驱动的创新。这一概念是罗伯特·维甘提提出的“第三种创新”，指通过设计思维和方法来引导和推动创新，创造出不仅满足用户需求的新产品、服务或体验，同时也能改变人们的行为、文化和市场格局。这种创新方式重视设计在整个设计创新过程中的核心作用，通过重新定义问题、发觉未被满足的需求以及探索新的价值主张来实现有意义的变革。

社会创新是设计驱动的创新，可以从以下几个方面进行理解：

1.在理念上，社会创新关注“以人为本”

社会创新的目标是通过组织资源解决影响广泛的社会问题，而这些问题往往与人们的基本生活需求息息相关。而设计思维的核心正是“以人为本”，即关注用户需求、行为和体验，设计师通过深入了解社会群体的需求，包括弱势群体和边缘群体，设计出贴合需要的产品或服务。社会创新中许多的成功案例，如爱农会和索思沃克关爱圈等，正是通过这种人本导向的设计思维得以实现的。因此，社会创新的本质与设计的以人为本理念高度契合

2.方法上，设计整合跨学科资源推动社会创新

社会创新通常涉及多学科的交叉合作。所有社会创新的案例以及他们引出的解决方案在本质都是复杂的。因此，它们不能够被简化成单一动机和单一结果。设计驱动的创新提供了一个整合多元知识和资源的桥梁，使得复杂的社会问题能够在系统层面上得以解决。设计师通过设计思维五步骤和可视化工具，能够将不同专业、不同参与者的想法整合在一起，简化沟通流程，从而促进跨领域的合作与创新。因此，设计作为多学科协作的工具，推动社会创新的进程。

3.本质上，社会创新重新定义社会问题和机会

社会驱动的创新不止是应对现有的社会问题，它能够通过创造性的视角重新定义社会挑战和机遇。设计师往往能够超越问题本身，提出具有前瞻性的解决方案，甚至改变整个社会系统。例如，在“索思沃克关爱圈”这一案例中，设计师不仅关注物质资源的分配，还会重新设计照护系统、参与者身份、社会结构等社会要素，以创造更加持久的社会影响。这种重新定义问题的能力，是技术和市场导向的创新所不具备的，也正是_罗伯特·维甘提所说的设计驱动创新的本质。（指通过设计思维和方法来引导和推动创新，创造出不仅满足用户需求的新产品、服务或体验，同时也能改变人们的行为、文化和市场格局。）_

设计驱动的创新以其“以人为本”的核心、多学科整合的能力、重新定义社会问题的创造性思维以及对可持续发展的推动，成为社会创新的核心动力。因此，我们可以说设计驱动社会创新，它不仅解决复杂的社会问题，更为社会创造新的机会，引领社会走向更公平、更包容和可持续的未来。

在我国人口老龄化与城市更新进程加速的背景下，老旧社区既承载着居民的生活记忆，也蕴含着城市文旅发展的文化资源。从设计学视角探索适老化改造与文旅融合的协同路径，不仅能提升社区“宜居性”，更能激活其“宜游性”，推动城市空间人文价值与社会包容性的双向提升，具有重要的现实意义与理论价值。

一、老旧社区适老化改造的核心问题

1.生理需求的无障碍设计

基于马斯洛需求理论的生理需求层次，老年人因身体机能衰退，对空间的安全性、便利性要求更高，无障碍设计是保障其基本生活质量的前提。例如重庆万州东桥村改造中，通过增设防滑地面、连续扶手、缓坡化台阶等措施，实现老年人出行摔倒率降低，既满足了老年居民日常通行需求，也为后续文旅开发中游客（尤其是老年游客）的安全游览奠定基础。这类设计突破了“单一适老”的局限，实现了空间对全龄群体的普适性服务。

2.共治共建的参与式设计

适老化改造不应是“自上而下”的工程式推进，而应成为居民共建共治的过程。设计学强调“用户中心”，老年居民作为社区长期使用者，对空间的情感联结与功能诉求最为深刻。若缺乏参与，改造易陷入“标准化”误区（如盲目加装设施却不符合实际需求）。唯有通过工作坊、议事会等参与式设计手段，让居民成为改造的“设计者”与“讲述者”，才能使空间既契合生活需求，又承载情感记忆，为后续文旅融合中“社区故事传播”提供真实的人文内核。

3.文脉传承的在地性设计

老旧社区是城市历史的“活化石”，承载着独特的历史记忆与地方文化。适老化改造若忽视在地性，会导致文化符号断裂（如盲目拆除传统建筑、替换街巷肌理）。设计学的在地性原则要求改造以“保护—再生”为核心，通过保留建筑风貌、激活传统场景，维系社区的文化认同。这种认同不仅是老年居民的精神寄托，也是文旅融合中吸引游客的“文化磁极”。

4.推动可持续的系统性设计

从设计学系统观来看，社区是包含空间、人群、文化、产业的复杂系统，适老化改造需超越单一空间视角，转向社会治理创新，整合政府、居民、企业、游客等多元主体资源。若缺乏系统性设计，易出现“改造后设施闲置”“文旅开发与居民生活冲突”等问题。唯有构建“改造—运营—反哺”的闭环机制，才能实现适老化与文旅融合的长期可持续发展。

二、适老化更新与城市文旅融合的设计策略

首先，老旧社区的历史文化资源是独特的文旅财富，适老化更新的核心是留住记忆，更要创造未来。它绝非简单的推倒重建，而是在守护历史肌理的同时注入现代功能让老社区焕发新的活力。例如北京杨梅竹斜街更新中，设计保留传统街巷格局与四合院肌理，同时植入微型展览馆、非遗工作室等文化设施，老年居民可在展览馆讲述街区故事，游客能沉浸式体验老北京生活场景，实现了居住功能与文化旅游的共生。这种“记忆型”节点既为老年人提供了文化展示的空间，也让游客触摸到真实的城市记忆。

其次，“银发经济”兴起，老年游客群体规模持续扩大，设计可针对性开发适老文旅产品。“银发康养旅居"是应对老龄化社会的创新模式。例如，桂林以其秀美的山水风光而闻名，当地的银发康养旅居项目充分结合了这一优势，为老年游客打造了集休闲度假、健康养生于一体的旅居环境。老年人可以在此欣赏漓江美景、体验桂林特色美食，还能参加各类康养活动，享受惬意的旅居生活，实现“银发经济”与适老化的双向赋能。

最后，老旧社区改造需通过设计思维，将分散的资源与利益相关者需求凝聚为系统解决方案。以上海田子坊为例，改造整合了物联网技术（老年人活动监测传感器）、商业逻辑（“时间银行”服务兑换民宿折扣）、文旅体验（老年手工艺工坊对游客开放）。设计师通过绘制空间功能图谱、制作场景原型，让政府、企业、居民、游客快速达成共识，最终形成“适老化服务+文旅消费”的闭环系统。

三、推动城市人文价值与社会包容性提升适老化与文旅融合的深层意义在于重塑城市空间的社会价值。当老年人不再被视为需要被隔离照顾的对象，而是作为知识传递者、文化守护者与社区运营参与者时，其社会地位得以重构。设计在此过程中扮演催化剂角色，通过制度设计、服务流程与空间叙事，推动多元群体间的理解与共情。 每一次设计都在为世界未来发展发表声明。老旧社区的适老化更新，本质上是对 “什么样的城市值得居住” 的价值回应。它倡导更具包容性、可持续性与人文关怀的城市发展模式，使不同年龄、能力与背景的人都能在城市中找到归属与尊严。

综上所述，老旧社区适老化改造与城市文旅融合的协同，本质是通过“空间人性化设计”“文化在地性激活”“系统资源整合”，实现“宜居”与“宜游”的共生。这不仅能提升老年居民的生活质量与社区归属感，更能让城市历史文化在当代旅游语境中焕发新生，最终推动城市空间向更具人文温度与社会包容性的方向发展。

“生生不息：从模拟自然到天人合一”这一主题不仅是一场展览的命题，更是人类在面对生态危机与文明转型时的一次深刻反思与探索。它通过设计视角，重新审视人与自然的关系，强调设计在构建可持续发展未来中的关键作用。

一、“生生不息”—对生命与自然的深刻思考

“生生”二字，蕴含着丰富而深刻的内涵。它既是对生命的礼赞，也是对自然规律的尊重。在快速工业化的背景下，人类的活动对自然造成了巨大的破坏，生态平衡濒临崩溃。然而，“生生不息”提醒我们，生命的本质在于循环与再生，而非单向的索取与消耗。

从哲学层面看，“生生不息”是一种对生命网络的全新认知。它要求我们突破传统的线性思维，转向循环共生的生态逻辑。设计不再只是满足消费，而是成为修复自然、促进人与自然和谐共生的工具。例如，展览中提到的“海绵城市”与“景观安全格局”，正是通过设计手段模拟自然过程，实现对生态系统的修复与重建。

二、“从模拟自然到天人合一”—新的设计伦理

“模拟自然”是人类对自然规律的谦卑学习，而“天人合一”则是对人与自然关系的终极追求。这两者的关系，既是技术上的演进，也是理念上的升华。

传统设计往往以人类为中心，将自然视为资源与工具。然而，这种单向的设计思维导致了资源的过度消耗与环境的恶化。而“从模拟自然到天人合一”的设计理念，则试图打破这种人与自然的对立关系，强调设计应服务于生态系统的整体健康，而非单纯满足人类的需求。

展览中的“循环经济”模块展示了如何通过材料再生、产品服务系统（PSS）和分布式制造，重塑“生产—消费—再生”的完整链条。这种设计模式不仅减少了资源浪费，还为生态系统的修复提供了技术支持。

三、“设计无界，生生不息”—设计的未来责任

“设计无界，生生不息”不仅是展览的主题，更是对未来设计发展的全新召唤。这一理念要求设计突破传统边界，成为解决生态危机和实现可持续发展的关键力量。

1.设计的责任：修复自然与赋能生命网络

设计不再只是技术的工具，而是修复地球生态、赋能生命网络的引擎。例如，展览中的“从技术应用到系统修复”板块，展示了如何通过治沙造林、土壤修复、河流复育等技术手段，重建人与自然的共生关系。

2.设计的创新：推动文明转型

面对快速工业化带来的环境危机，设计必须成为推动产业文明与生活方式重构的核心力量。例如，“从空间占据到生态嵌套”展区探讨了如何通过生命化基础设施、社区代谢闭环等方式，将城市转化为社会与生态共生的有机体。

3.设计的文化意义：传承中国智慧

“生生不息”这一主题深刻体现了中国传统文化中的“天人合一”思想，展现了中国智慧对全球可持续发展的独特贡献。例如，俞孔坚教授的“海绵城市”理念，不仅为中国的生态实践提供了重要指导，也对全球生态设计产生了深远影响。

“生生不息：从模拟自然到天人合一”不仅是一场展览的主题，更是人类在新时代寻求应对共同生存危机的路径探索。它通过案例、文献与装置，展现设计如何修复地球、赋能生命网络，如何在“生生之理”的智慧指引下，不断开创人类文明与自然共协的新篇章。

设计的未来使命在于：修复自然，以技术手段重建生态系统的平衡；赋能生命，以创新思维提升人类与自然的共生质量；推动文明，以设计驱动产业与生活方式的可持续转型。在这个过程中，设计不仅是一种方法，更是一种责任；不仅是一种创新，更是一种文明的动能。通过“生生不息”的智慧，设计将成为人类与自然共同繁荣的桥梁，开创人与自然共协的新未来。