简述设计师的专业素养和社会责任
框架：
简单总述
设计师的专业素养
设计师社会责任

设计是解决问题的手段，也是促进社会发展的工具之一。而作为设计创作主体的设计师，应在具备足够专业素养的同时，明确自己的社会职责，自觉地运用设计为社会服务，为人类造福。

而随着时代发展，设计师的专业素养要求也发生着改变。设计师应具备艺术和设计技能，如基本的造型基础、设计基础和设计相关的理论知识，同时掌握与其相关的艺术史论、设计史和设计方法论等。在同时掌握技能和理论知识的前提下，还需要时刻关注当代艺术和设计的发展现状及发展趋势。只有这样，才能以宏观的视角思考整个设计行业的发展走向和社会生活的变化，帮助设计活动的进行。
同时，设计师也应该关注其他学科，现代设计已经成为一门多学科的交叉学科，掌握跨专业的知识，如工学、社会学、解剖学等，对于设计来说是十分有必要的，这些学科的知识有利于提升设计产品的附加功能，辅助产品的使用和信息传达，也能提升其舒适度，适应不同人群的需求。除理论知识外，实践也是设计师的专业素养之一，设计不能只停留在理论上，因为设计是为大众服务的，是设计师对于整体社会的行为。同时，拥有良好的合作和组织能力也是设计师的重要素养，因为设计活动在大多数情况下是与他人协作完成的，如果没有良好的合作组织能力，那么很难完成优秀的设计作品。

当代的设计已不再局限于手工艺时代对于优美形式的追求，现代主义的单纯理性形式，亦或是促进商业消费而推出的花样繁多的产品样式。如有计划废止制中针对质量、功能和用户心理而做出的设计。设计师需要承担社会责任与环境责任，用设计作品来改善人们的生活质量，为绝大多数人设计，而非那10%的群体。《设计，为更好的世界中》提到：设计不能仅追逐商业利益和性能，而是要帮助人们的更好的生活。“为人类更好的生活”，也是设计师的社会职责，只有实现了这一目的，设计才是有意义的，才能实现设计师的最高价值。
绿色设计的原则便是对环境责任的一种回应，该设计的“3R”原则有利于减少原料浪费和环境污染，是为人类长远利益的考虑，符合可持续发展的需求，提高了资源利用率和设计质量。设计师要坚持“为人类的利益设计”，在设计时树立正确的价值观念，在进行设计时，需充分考虑其设计是否有利于社会利益，将其设计作品与人们真实的需要紧密结合，关注人们的生存状态，那些我们认为的“好设计”可能对它的使用者来说并不合适，唯有真正深入使用对象的环境和生活的设计，才能在迎合市场的同时关注社会。

设计是为了人类更加美好的生活，当今设计师需要兼顾专业素养与社会责任，不断探索设计发展的未来，促进社会的进步。虽然人类仍面临许多难以解决的问题，但在设计师和社会的共同努力之下，也会诞生解决这些问题的、为“更好的世界”而生的设计作品。

美国的现代设计建立于本土商业竞争的基础之上，吸收并发展了欧洲的设计思想，形成了职业化的工业设计，在二战后又形成了国际现代主义设计，以及欧洲现代主义发展而来的优良设计。德国的现代设计强调功能，重视效率，风格简洁明确，高度制度化与标准化，有着很强的理性和实用主义色彩。这与二战后德国百废待兴，设计产品必须促进消费和经济发展有极大关系。意大利现代设计在吸收美国商业性设计的同时中坚持发展理性主义与民族特色相结合的设计路线，注重日常生活，因而形成了一个具有"人文主义"风格的现代设计体系。日本现代设计呈现“双轨制”特点，既讲究民族传统，又受到了美国的消费性设计与德国的理性主义的影响。而中国的现代设计起步晚，在早期集中体现于中国台湾地区，现仍处于学习和发展阶段。
每个国家的设计都会因为地理环境、文化风俗、历史背景等众多因素的综合影响，而产生出独特的风格。而不同国家的设计也会有不同点。
如德国设计发端于二战之前，在“德意志制造同盟”的影响下，德国工业设计逐步兴起，又随着包豪斯的建立，以及乌尔姆设计学院的继承与升华，形成了自己独特的风格：理性主义、实用主义、标准化、规范化；而意大利的现代设计则开始于一战和二战之间，在学习美国的生产方式和设计样式后，意大利工业设计得到长足发展。战后反思阶段，意大利设计否定了古典复兴的诺瓦茜托风格, 也拒绝了纯粹的理性风格，以吉奥·庞蒂为首的一批设计师，发展了符合意大利传统文化的现代设计，并主张和推动现代主义、理性主义的发展，从意大利最重要的设计刊物《多姆斯》中便可看出一二。
日本的现代设计得到发展是在1961年之后，其设计风格一方面源于日本自己的东方文化传统，另一方面，源自西方文化的影响，特别是受到美国大众消费文化和德国理性主义的影响。因此，日本设计传统与现代并行发展，体现出小巧、精致、人性化、多功能等特点，其设计产品中一类具有浓厚的东方情调；另一类则是批量化生产的现代工业产品，实现了“双轨制”，同时“设计兴国”的方针也使得日本现代设计飞速发展，涌现出安藤忠雄、原研哉、坂茂等享誉世界的设计大师。而韩国的工业设计发端1960年，在此之前，韩国的设计只是将传统美术应用于产品生产中，在20世纪70年代之后韩国的工业设计飞速发展，设计在工业生产中的运用得到巨大提升，如三星，LG 等公司的产品设计都能体现出韩国设计的发展。中国的现代设计起步晚，发展速度较慢，早期集中于台湾地区，而在20世纪80年代后，随着改革开放，中国经济迅速发展，对于设计的需求也逐步增加，设计水平也在稳步提升。
但是，各国的设计都对其经济发展起到重大的推动作用，设计教育的重要性也得到广泛重视。许多国家都在借鉴和吸收其他国家的设计风格中，发展出了属于自己的设计风格，重视本国文化的继承与体现。

简述美国商业性设计的形成与发展
美国商业性设计的发展经历了四个阶段：工业美术运动时期、装饰艺术运动时期、第一代职业化设计师产生时期以及丰裕社会时期。
在工艺美术运动时期，美国芝加哥学派的代表人物路易斯•沙利文提出了“形式追随功能”的实用主义原则，力图摆脱折衷主义的影响，明确功能的主导地位。而在该时期，美国商业竞争激烈，市场竞争机制对美国设计的发展起到决定性作用，因此该学派的理念实质上体现为“形式追随市场”，拥有极强的商业性。这也奠定了美国商业性设计发展的基础。
到了装饰艺术运动时期，美国发展出了好莱坞风格。受到经济危机的影响，电影成为人们获取心理慰藉的方式之一，进而刺激了电影院设计的发展，好莱坞风格应运而生，该风格装饰夸张、色彩丰富，吸收了原始艺术、异域风格，代表性建筑有格鲁门剧院，该剧院体现出强烈的埃及风格。好莱坞风格本质上也是受到消费推动而形成的，是美国商业性设计发展的体现。
第一代职业化设计师诞生时期，意味着美国商业性设计得到了进一步发展。该时期发展出的流线型设计风格以空气动力学的科技成果作为基础，发展出不同于现代主义刻板几何形式的圆润风格，符合美国人民追求新奇的消费心理，极大促进了商品销售。而激烈市场竞争同时也催生了商业性设计的进一步发展，以及有计划废止制的诞生。代表人物有柯达、雷蒙德•罗维等工业设计师。
到了丰裕社会时期，欧洲的现代主义在美国发展为优良设计。优良设计要求最大限度地利用原材料与劳动力，体现出强烈的功能主义与实用主义色彩，利于商业化的发展。
综上所述，美国商业性设计自形成之处便广泛吸收不同设计运动的风格特点，随着时代不断丰富完善自己，呈现出与时俱进的多元化发展趋势。

美国工业设计形成的商业性消费热潮受到当时美国的时代和经济背景的极大影响。
两次世界大战都促进了美国工业化生产的发展，而在二战结束后，国内经济水平的提升和工业产品的低廉价格都不断提升着人们的消费欲望。
同时，消费引发的市场竞争在发展美国设计中也了决定性的作用。路易斯•沙利文曾提出“形式服从功能”的宗旨，但是在美国竞争激烈的商业市场上，设计所遵循的其实是“形式追随市场”。对于企业来说，最重要的并不是设计能否给社会带来益处, 或者对于整个人民的生活有所改善，设计讲究实用主义，唯一的要点是能促进销售。
这也导致美国工业设计为迎合市场，而逐渐职业化。在此过程中，由科学技术延伸而来的“流线型”设计风格日益流行。工业设计师将这一设计风格运用到各种设计产品中：汽车、订书机、自行车……该风格的设计产品产生于现代科技与工业的发展，不同于现代主义较为刻板的几何形式语言，有着圆润而富有亲和力的外形，为处于大萧条中的美国人民提供了极大的情感价值，也更易于大众理解。同时又与空气动力学这一新型学科相关，符合当时美国人民追求新奇的心理特征，因而受到追捧。而这一风格的广泛应用，本质上也是为了促进产品销售，促进商业消费。
流线型设计风格的出现、工业设计的职业化等多种因素综合，共同导致了美国商业性消费浪潮的出现。

欧洲的美术革命从最早的起源时期开始，经历了远古时期、中世纪时期、文艺复兴时期，以及工业革命之后的时期。

起源时期的美术发端于旧石器时代晚期，通常被称为原始美术或史前美术，代表作有法国拉斯科洞窟壁画，主要题材为原始人和所狩猎的猎物。

在随后的远古时期，人类并未掌握足够的知识，对强大的事物感到敬畏，并认为其背后有神明操纵。因此，在该时期绘画作品中绘有许多神明，且保持着人的各种原始欲望。而在古希腊雕塑中，也充满对人体的细致刻画与崇尚，同样体现出人的原始欲求。

经过漫长发展，欧洲于13世纪进入神权至上的中世纪时期，该时期盛行哥特式风格，绘画主题从对众神的刻画变为对上帝的刻画，体现出对上帝的崇拜。同时，中世纪时期与远古时期古希腊古罗马的风格是完全对立的。中世纪时期反对多神制神话体系，主张崇尚上帝，并不注重对客观真实世界的描写，缺乏人文关怀，作品强调精神世界的表现。画面单一，内容重复，人物不抽象化符号化，注重抒情和装饰性，美术作品都为宗教服务，体现虔诚信仰。

随着14-15世纪欧洲资本主义逐渐萌芽，欧洲进入到文艺复兴时期。该时期的美术作品坚持现实主义方法，以人权至上、人文主义为宗旨，反抗教会在思想方面的禁锢，在追溯古希腊与古罗马艺术精神的前提下，创造出符合人性的新艺术，体现出宗教题材的世俗化。其中最具代表性的有达芬奇的《最后的晚餐》，米开朗基罗的雕塑作品《大卫》，拉斐尔绘制的圣母子等。

在18世纪60年代开始的工业革命之后，时代变革，科学技术也在不断发展。当时的美术作品已不再是文学宗教的附庸，而是开始表现内心和情感，以及自身形式的美。人们开始画风景，印象派应运而生。法国画家莫奈是印象派的代表人物，印象派的理论和实践大部分由他推广，其代表作有《睡莲》《撑阳伞的女人》等。
而在二十世纪，多样的艺术风格相继出现。人们开始绘制极度抽象的作品，而不再追求以风景或是人为主题的创作。比如在立体主义中，艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，以多重角度与几何图形来描绘世界，把其置于同一个画面之中，来表达对象物最为完整的形象。代表作有毕加索的《格尔尼卡》《亚威农少女》。而在抽象主义中，则反对用具体形象反映现实，主张以色彩、线条、形状等抽象形式来表现艺术家的主观心灵，代表作有蒙德里安的《红、黄、蓝的构成》。
而在一战前，意大利的一个文学艺术思想流派出于对资本主义物质文明的赞赏，对未来充满希望，否定传统的艺术规律，从而创造出未来主义。它将机器和工业作为现代艺术的偶像和主题，表现现代生活的活力，对机器的崇拜确定了它在现代美学的核心地位，并长久地影响着画家。代表作品有勒加《机械的要素》德普罗《钢与透平》。代表人物为路易吉•克拉尼，参与过宝马，奔驰等汽车设计、航天飞机设计等多个重大项目，被称为设计怪杰。

工业革命之后的美术运动中发展出的重要流派，都对现代美术以及设计产生了重大影响，起到了不可或缺的推动作用。

设计从远古到近代的历史可以分为三个阶段：
1.生存设计阶段，该阶段经历了从原始社会到奴隶社会的发展，是设计的初步萌芽；
2.手工艺阶段，该阶段的东西方设计各有特点，发展趋势和特征各不相同；
3.工业革命阶段的设计。

第一阶段：生存设计阶段
该阶段是早期人类在受到威胁的情况下为了保护生命安全，由生存的愿望和能力而产生的设计。尽管生存设计在设计上十分简单，但其质量决定了设计者的生死，因而往往是高质量的设计。而人类的设计就是在为了满足生存和最基本需求的基础上发展起来的。典型代表有澳洲土著人使用的飞镖。

第二阶段：手工艺阶段
手工艺阶段开始于人类最早通过化学方式将一种物质转化为另一种的创造性活动。不同于生存设计阶段的物理方式，如打磨、敲击成型，手工艺阶段开始利用火来制陶，冶炼金属等。

欧洲：
随着西罗马帝国的灭亡，欧洲奴隶制走向衰亡，欧洲逐步进入中世纪。而在文艺复兴之后，诸多要素发生了改变，欧洲手工艺阶段的设计也不断发展。欧洲手工艺阶段的设计风格大致经历了以下几种演变：中世纪之前的古希腊罗马设计、埃及风格的设计；中世纪盛行的哥特式风格以及文艺复兴时期后的巴洛克风格、古典主义、洛可可风格和新古典主义风格。
古希腊古罗马的设计在很大程度上体现于建筑之上，其建筑通过不同形制和石质梁柱构件的特定组合表现出独特美感：多立克柱式体现出男性阳刚雄健之美、简洁大方；爱奥尼克柱式体现出女性的婉约柔美、轻盈秀丽；科林斯柱式则重装饰，对少女窈窕体态进行模仿。古希腊陶器和家具也是其设计风格的重要体现，陶器的红底黑纹瓶和黑底红纹瓶，装饰纹样生动传神。家具早期模仿埃及家具，较为僵硬，而后期则发展出独特风格，线条优美，符合力学原理。
埃及崇拜自然，有很强的拜物倾向。埃及的金字塔是法老的陵墓，也是埃及建筑设计的顶峰，三角结构突出建筑物的高大稳定，表面简洁，气势宏伟，给人以极强的压迫感。而在家具设计方面，埃及家具几乎都带有模仿兽腿的腿部结构，前后腿朝向一致。前期的家具设计较为生硬，后期加入了背部的支撑，舒适性和实用性大大提升。
哥特式风格出现于13世纪的欧洲中世纪，服务于神权，体现出一切向上帝的宗旨。该阶段的设计风格善于利用垂直向上的趋势和锐利的尖端营造出直上天际的飞升之势。哥特式教堂外有高尖顶，内部装饰彩色玻璃花窗，给人以高大飘渺的感觉，同时又营造出神明降世的压迫感。该阶段的设计是手工艺人技艺的体现，艺术家与手工艺人的界限模糊。代表作有巴黎圣母院、科隆大教堂和马丁王银座。
于14世纪在意大利最先萌芽的文艺复兴以“人文主义”为宗旨，重视人的情感，强调人的地位和需求。该时期的设计一反中世纪刻板风格，主张从古希腊古罗马的艺术中汲取灵感，同时又大量运用曲线作为设计元素，体现出庄严、均衡含蓄的特点。
在16-17世纪于意大利盛行的巴洛克风格则一反文艺复兴时期对于设计的理念。该时期的建筑追求豪华、浮夸的表面处理效果，突破了古典主义的程式，建筑设计上常用断裂、堆叠的山花，在支撑的转折处常用双柱或三柱作为装饰，构图节奏和空间布局不均衡。而家具设计风格则延续了建筑风格的改变，强调动感和整体和谐，体现出重视装饰、华美等特点，同时体现出宗教的宏大气势，有男性的阳刚雄劲之美。
洛可可风格流行于18世纪的法国，该时期的法国国王路易十五宠幸宫妃，因此宫内装饰受到女性审美的极大影响，同时也受到中国清式家具设计的影响。洛可可风格的家具腿部弯曲纤细，多有镶金螺钿装饰。在设计特点上有构图的不对称性、有着华丽装饰、偏爱自然题材的装饰，体现出女性的纤细轻巧之态等。
相较于巴洛克和洛可可体现出的浪漫主义，古典主义和新古典主义都体现出对古希腊和罗马文学、艺术和建筑学的倾慕和模仿，有着适度、简洁、明确等特点，两者有较为鲜明的对比。
从中世纪与文艺复兴，再到巴洛克时期与古典主义时期，洛可可与新古典主义时期，欧洲手工艺阶段的设计是动态的，受所处地域、国家、文化等多种因素的影响，该阶段设计的变化过程又体现出循环往复的规律，直至工业革命后又，设计迎来新的发展阶段。

中国：
中国手工艺阶段经历了从远古氏族利用火烧制陶器，制作出如半坡文化中的人面鱼纹彩陶盆和庙底沟文化中的漩涡纹陶瓶等精美器物。再到利用铜这一金属，制造出诸如司母戊鼎、四羊方尊等宏伟的青铜器。而在进入封建社会时期，中国的设计又进入新的高度。汉代的长信宫灯作为宫中起居的生活用品，利用虹吸原理吸走多余烟气，同时可以调节光线明暗。宋代汝、哥、定、钧、官五大名窑，使得中国瓷器审美发展至新的顶峰。明代园林兴起，郑和下西洋带来众多木材，文人审美的加入，诸多要素综合使得明代家具体现出精简厚雅的特征。
中国手工艺阶段的特点大致有两点：
第一，设计产品的制造主要依靠手工劳动，且大多都是较为简单的生活用品。因为手工艺阶段生产方式和生产力受到限制，往往不能生产过于复杂的设计产品。同时设计产品往往都富有个性，产品的装饰成为体现设计风格和价值的重要手段。
第二，设计产品的设计与销售往往一体化，设计者与消费者十分熟悉，而这种熟悉也使得设计者需要尽可能提升设计水平以满足消费者需求。这一举动也使得手工艺阶段涌现出大批优秀作品。

工业革命阶段：
于18世纪60年代发端于英国的第一次工业革命使得设计发生了极大的改变。
工业革命之前的手工艺阶段采用以手工制作为主的设计方式，设计者与制作者通常为同一人，且制作效率低下，无法实现大规模生产和标准化，不能满足社会对于更大量、优质商品的需求。该阶段设计产品主要服务于上层阶级，同时，手工艺设计和制造方式有极强的历史传承性，不同设计者的设计有较大差异。而第一次工业革命后，工业革命所产生的先进生产方式、新材料与新技术的成功运用，都促使设计发生转变。该阶段的设计以工业生产为基础，由工业革命带来的批量化生产和批量化消费推动。
同时，由于手工作坊被工厂替代，机器替代手工劳动，工厂中的大量工作都由未经受手工艺技术培训的工人承担，工人不会凭主观意识对产品产生影响，产品的生产服从标准化。设计者与制作者间出现了明确的专业分工，设计与制造开始分离，后来在19世纪，由于标准化和可互换零件在美国发展起来，设计与制造达成完全分离。
而设计上的转变也带来了设计师地位的改变。工厂生产的产品服务于大众，为刺激消费、增加销量，工厂需要对旧产品进行翻新，并不断推出新产品。设计师作为产品设计的重要一环，地位和重要性都大大提升，成为时代发展的新兴行业。在18世纪初，建筑师充当了设计师，随后，许多手工艺人也加入该行业，为设计的发展做出贡献。
总而言之，工业革命阶段，设计完成了由传统手工艺到现代设计的转变。标准化的大规模批量化产品的生产为设计带来了一系列变化，新材料新形式的运用也为设计提供了全新思路，催生出现代化的工业设计，促使设计与制造的分离以及设计师行业的兴起。

设计与制造的关系
工艺美术运动
（背景）1851年，英国于伦敦海德公园举办了世界上第一届世界博览会，设计者为帕克斯顿，主要目的是展示英国的成就和科技实力。这次会议引发人们广泛关注的并不是展品，而是展馆本身，水晶宫全部由玻璃和钢材建造而成，新的建筑材料和新的建筑方法显示了工业生产的力量，但内部展品同时也暴露出了工业生产与美学脱节的问题。
工艺美术运动的理论指导者是英国的社会评论家约翰•拉斯金；而运动的主要领导人是威廉•莫里斯。拉斯金在《建筑的七盏明灯》和《威尼斯的石头》等著作中提出了反对工业化思想，主张美学家应该从事产品设计，将美学与技术相结合，主张师承自然，不循规蹈矩，支持为大众设计，反对精英主义设计等。而拉斯金的理论也充满了混乱和矛盾，一方面他否定工业文明，另一方面又大力提倡适合现代人使用的美观又实用的真正艺术，主张为大众设计，却又支持普通大众无法消费的高档手工艺品。
但就整体而言，拉斯金的理论对现代艺术设计发展仍具有极大的借鉴意义，具体表现有：①设计要面向大众，艺术应该融入到日常生活中，加强艺术教育②艺术设计要具有实用性③设计要回归自然，学习自然④消除“高级艺术”和“实用艺术”的界限。虽然拉斯金的实用主义思想与后来的功能主义并不完全一致，但他的思想和理论仍影响了当时设计家们的思想。
威廉莫里斯是拉斯金思想的继承者：①重视手工制作，反对大机器化生产；艺术是为人民创造的，也是为人民服务的，艺术不仅是创作者的乐趣，更应该给使用者带来乐趣②提倡诚实、诚恳的设计风格；讲究简单、朴实、重视功能性；反对华而不实，哗众取宠的设计③崇尚自然，利用大量的卷草、花卉、鸟类为装饰动机④重视民主思想，认为艺术应该是为大众服务的，设计是集体活动，不是个体活动⑤实用性和美观性相结合的产品才会有市场。
这些思想也对后来的设计产生相应影响。

新艺术运动起源于英国的工艺美术运动，它继承了英国“工艺美术”运动的思想和设计探索，希望在设计矫揉造作风气泛滥的时期、在功能工业化风格浮现的时期，重新以自然主义的风格开设计新鲜气息的先河。
新艺术运动则完全放弃任何一种传统装饰风格，完全走向自然风格，强调自然中不存在直线，强调自然中没有完全的平面，在装饰上突出表现曲线、有机形态，而装饰的动机基本来源于自然形态。
运动从法国产生，蔓延到荷兰、比利时、意大利、西班牙、德国、奥大利、斯堪的纳维亚等国，同时也影响了各个国家的设计风格。

《畴人传》由阮元撰写于清代，是世界上第一部有关设计师的传记。 “畴人”是古代研究天文历法、数学之人的代称。而《畴人传》中则记录由上古神话至乾隆末年的多位天文历法学家、数学家，另有37位西洋学者。内容涉及历代天文历法，推算资料、论天学说、仪器制度以及算学等方面，而星占之学未被收入其中。《畴人传》的出现标志着中国历史上第一部纪传体科技史和第一部科学家和设计师传记的诞生。

于18世纪60年代发端于英国的第一次工业革命使得设计发生了极大的改变，具体体现于手工艺设计逐步转向现代工业设计，且设计与制造开始分离，设计师这一行业的重要性与地位大大提升。
工业革命之前的手工艺阶段采用以手工制作为主的设计方式，设计者与制作者通常为同一人，且制作效率低下，无法实现大规模生产和标准化，不能满足社会对于更大量、优质商品的需求。该阶段设计产品主要服务于上层阶级，同时，手工艺设计和制造方式有极强的历史传承性，不同设计者的设计有较大差异。而第一次工业革命后，工业革命所产生的先进生产方式、新材料与新技术的成功运用，都促使设计发生转变。该阶段的设计以工业生产为基础，由工业革命带来的批量化生产和批量化消费推动。
同时，由于手工作坊被工厂替代，机器替代手工劳动，工厂中的大量工作都由未经受手工艺技术培训的工人承担，工人不会凭主观意识对产品产生影响，产品的生产服从标准化。设计者与制作者间出现了明确的专业分工，设计与制造开始分离，后来在19世纪，由于标准化和可互换零件在美国发展起来，设计与制造达成完全分离。
而设计上的转变也带来了设计师地位的改变。工厂生产的产品服务于大众，为刺激消费、增加销量，工厂需要对旧产品进行翻新，并不断推出新产品。设计师作为产品设计的重要一环，地位和重要性都大大提升，成为时代发展的新兴行业。在18世纪初，建筑师充当了设计师，随后，许多手工艺人也加入该行业，为设计的发展做出贡献。
总而言之，工业革命使得设计完成了由传统手工艺到现代设计的转变。标准化的大规模批量化产品的生产为设计带来了一系列变化，新材料新形式的运用也为设计提供了全新思路，催生出现代化的工业设计，促使设计与制造的分离以及设计师行业的兴起。

随着西罗马帝国的灭亡，欧洲奴隶制走向衰亡，并逐步进入中世纪。
欧洲手工艺阶段的设计风格大致可分为：中世纪盛行的哥特式风格、文艺复兴时期之后的巴洛克风格、古典主义、洛可可风格和新古典主义。

哥特式风格出现于13世纪的欧洲中世纪，服务于神权，体现出一切向上帝的宗旨。该阶段的设计风格善于利用垂直向上的趋势和锐利的尖端营造出直上天际的飞升之势。哥特式教堂外有高尖顶，内部装饰彩色玻璃花窗，给人以高大飘渺的感觉，同时又营造出神明降世的压迫感。该阶段的设计是手工艺人技艺的体现，艺术家与手工艺人的界限模糊。代表作有巴黎圣母院、科隆大教堂和马丁王银座。
于14世纪在意大利最先萌芽的文艺复兴以“人文主义”为宗旨，重视人的情感，强调人的地位和需求。该时期的设计一反中世纪刻板风格，主张从古希腊古罗马的艺术中汲取灵感，同时又大量运用曲线作为设计元素，体现出庄严、均衡含蓄的特点。
在16-17世纪于意大利盛行的巴洛克风格则一反文艺复兴时期对于设计的理念。该时期的建筑追求豪华、浮夸的表面处理效果，突破了古典主义的程式，建筑设计上常用断裂、堆叠的山花，在支撑的转折处常用双柱或三柱作为装饰，构图节奏和空间布局不均衡。而家具设计风格则延续了建筑风格的改变，强调动感和整体和谐，体现出重视装饰、华美等特点，同时体现出宗教的宏大气势，有男性的阳刚雄劲之美。
洛可可风格流行于18世纪的法国，该时期的法国国王路易十五宠幸宫妃，因此宫内装饰受到女性审美的极大影响，同时也受到中国清式家具设计的影响。洛可可风格的家具腿部弯曲纤细，多有镶金螺钿装饰。在设计特点上有构图的不对称性、有着华丽装饰、偏爱自然题材的装饰，体现出女性的纤细轻巧之态等。
相较于巴洛克和洛可可体现出的浪漫主义，古典主义和新古典主义都体现出对古希腊和罗马文学、艺术和建筑学的倾慕和模仿，有着适度、简洁、明确等特点，两者有较为鲜明的对比。
从中世纪与文艺复兴，再到巴洛克时期与古典主义时期，洛可可与新古典主义时期，欧洲手工艺阶段的设计风格体现出循环往复的特征，并在工业革命之后迎来新的阶段。

手工艺阶段开始于人类最早通过化学方式将一种物质转化为另一种的创造性活动。不同于生存设计阶段的物理方式，如打磨、敲击成型，手工艺阶段开始利用火来制陶，冶炼金属等。
手工艺阶段的特点有两个：
第一，设计产品的制造主要依靠手工劳动，且大多都是较为简单的生活用品。因为手工艺阶段生产方式和生产力受到限制，往往不能生产过于复杂的设计产品。同时设计产品往往都富有个性，产品的装饰成为体现设计风格和价值的重要手段，如半坡文化中的
人面鱼纹彩陶盆和庙底沟文化中的漩涡纹等。
第二，设计产品的设计与销售往往一体化，设计者与消费者十分熟悉，而这种熟悉也使得设计者需要尽可能提升设计水平以满足消费者需求。这一举动也使得手工艺阶段涌现出大批优秀作品。
手工艺阶段的优秀作品有彩陶、青铜器、陶器、明代家具等。

威廉莫里斯
工艺美术运动的奠基人，英国诗人和文学家，同时也是约翰·拉斯金思想的继承者，代表作有红屋。
莫里斯强调手工艺的重要性，反对大批量、大规模的机械化生产。在产品装饰方面，他反对矫揉造作的维多利亚风格，支持技术人员与艺术家的合作。
他主张产品和建筑设计要为大众服务，同时认为设计是集体活动，而不是个体活动。
威廉莫里斯在设计理念方面做出了极大的贡献，却又有一定的时代局限性。