国际主义风格的根源是与现代主义设计运动一脉相承的，特别是与包豪斯和荷兰“风格派”运动密切相关。它以简单明快的排版和无饰线字体为中心，形成高度功能化、理性化的平面设计方式，影响了世界各国。虽然它的传播速度快，影响力大，但它也有整端，如千篇一律、缺乏个性和缺乏情调的设计特征。另外，国际主义风格对中国的影响也很大，它简明扼要的设计风格适应了现代社会的需要，同时使得中国的平面设计不断向前发展。本文针对国际主义平面设计风格对现代平面设计的影响进行分析，梳理国际主义风格在现代平面设计中存在的弊端，同时阐述其对20世纪50年代，联邦德国和瑞士形成了一种崭新的平面设计风格，因其通过瑞士的平面设计杂志影响世界各国，所以被称为“瑞士平面设计风格”。这种风格简单明确，具有准确的传达功能，因而快速传遍全世界，成为二战后国际最流行的设计风格，因此，人们又叫它“国际主义平面设计风格”。国际主义风格的特点是通过纵横交错的网格结构和标准化的版面方式，以展现设计上的统一。得到的画面效果非常标准化与公式化，具有简单明确的视觉特点，易于实现国际化时代信息的传达。为追求版面规整，字体通常采用无装饰的形式，这也是国际主义风格的一大特色。

在现代社会的经济大潮中，人们往往扭曲了义与利的关系，认为获利必须不择手段，或者是见利而忘义。长期以来，由于受政治化了的儒学思想的影响,传统的中国人又在表面上耻于言利，从而使义利关系始终处于一种紧张状态之中。实际上，中国传统文化资源中的墨家伦理思想，恰恰为义与利之间寻找到了合理的解决方法，那就是:“兼相爱，交相利”，“爱人之身若己身”“爱人之家若己家”“爱人之亲若己亲”“爱人之国若己国"①，则天下就不会有人人相残，国国相攻之事了。固然，在阶级社会里不可能做到无等差的“爱”。但是，这并不等于说人类不需要这一可贵的“爱之伦理”。尤其在当今的工商业社会，在我国现阶段阶级斗争已退居次要地位的情势下，提倡“兼相爱，交相利”的新经济伦理思想，就更具有现实意义。

   有人担心:把功利作为伦理的目的，其道德动机本身就不纯洁，而且还会使道德进一步退化。实际上，这是对“兼相爱，交相利”伦理原则的一种误解。“兼相爱，交相利”，并不是要把伦理作为谋利的工具，不是要取消道德伦理的高尚性、纯粹性;恰恰相反，它是要以道德伦理的高尚性、纯粹性为前提，以人本思想为谋利行动的出发点，从而规范人们的经济(广义的谋利)行为，使人的经济活动必须是符合人性的，而不是相反。墨子《兼爱》(上中下)三篇,皆是从原因的角度来探讨天下混乱现象的。人类社会之所以现子相害，君臣相残，平人相欺，都是因为人在谋利之初没有找到一个合理的出发点，只知自爱其身、其家、其亲、其国，而不能跳出“自利”的局限，以爱己之身、之家、之亲、之国的态度来爱人之身、之家、之亲、之国。因此,墨子的“兼相爱，交相利”思想，丝毫没有取消道德伦理的崇高性、纯洁性的意思。

波普设计运动是一场前卫而又面向大众的设计运动，兴起与20世纪60年代的英国并波及欧美。波普艺术是为了改善英国设计落后的地位而产生的。波普设计运动的思想根源是从美国大众文化中而来的。波普设计与当时主流的国际主义风格、理性主义、减少主义的待征背道而驰。其特点是①利用现实生活中任何可利用的视觉元素作为绘画和设计的素材。②采用夸张变形的手法，运用到产品设计中。③强调色彩和图案的平面效果。
波普艺术极大冲击了传统美学的设计标准，它比传统美学更适应当时的消费人群，极大提高了人们的审美层次。在波普艺术的兴起与冲击下，传统美学越来越没有新意，枯燥和重复的设计使得设计师开始注重对设计目的的考虑，逐渐面向商业化，这也促进了传统转向现代的进度。吸收了波普艺术的现代设计让人们注重绘画与设计的紧密性，在一定程度上对现代设计的多样化有着正面作用。在受到波普艺术冲击后的现代艺术摒弃了传统单调的设计模式，运用多样化的手法来丰富设计的形式，这样的表现形式使更多设计师勇于打破传统观念，创造出更加丰富、新颖的作品。波普艺术在设计上的影响是巨大的，对于启发后来的设计，启发设计师的想象力与创造力都具有一定的影响与作用，这种影响，极大地拓展了设计思考的层面推动了设计观念的发展，对现代设计的影响还包括带来了新的设计理念与思路。所以在今天我们依然可以看到波普设计的作品，这些作品仍然丰富着我们的生活。

现代设计在西方发展了一百多年，但在中国发展的时间较短，中国现代设计理念比较薄弱。现行的相关设计理论正处在被探索阶段，西方设计对中国现代设计具有积极的借鉴意义。水晶工作为现代设计的开端，无疑对以后的现代设计起着非常重要的影响意义，水晶宫突破了传统建筑观念，新技术，新材料是传统形式美的法则失效，开辟了建筑新纪元。反观中国，当今中国的设计与150年前的英国设计不可同日而语，但在物质财富增长的同时，中国的设计环境更趋向水晶宫时代的英国。其影响主要表现在以下几个方面：

一，形式服从功能，充斥商业化痕迹

    现阶段，大量的设计创新长期停留在产品外观样式或服务表现形式等较浅层面，欠缺设计原型与生活方式模型对于产品功能结构与体验方式的深层次研发和创新。如同水晶宫设计者约瑟夫帕克斯顿设计的玻璃花房设计，只是为了迎合当时的实际需要和投资者意图。设计者更多功夫花在了夺人眼球而非实际项目和客户需求的问题；多数设计从业者是为了商业去设计的问题等等。这需要我们完善现代设计体系，一方面，是要提高制造企业在设计的知识管理与技能管理层面水平，使现代设计的流程与方法在企业的产品研发、生产和服务过程中得到广泛运用；另一方面，是要加强自主设计原型与生活方式模型研究对设计创新质量的有效支撑。

二，注重产品效果，忽视调研需求

    如果要给设计思维下一个定义的话，设计思维作为一种思维方式，被普遍认为具有综合处理能力的性质，能够理解问题产生的背景、能够催生洞察力及解决方法，并能够理性的分析和找出最合适的解决方案。其实当我们在构思一个设计时，所作出的所有准备工作和思维方式就是所谓的设计思维。设计思维不是凭空而来的，而是从传统的设计方法论中演变而来。所以最简单的设计思路大概分为四步：第一步：设定需求。第二步：头脑风暴。第三步：原型设计。第四步：展示效果。上述四步设计思路，正是大部分国内院校做设计的时采用的一种思路。简而言之，就是根据问题点想创意，做出模型就大功告成。
    但是这样的设计思维漏洞非常大。比如，前期的调研不够透彻，只看到了问题点，想办法去解决，可能解决了当下问题的同时却创造了更多的问题。如水晶宫博览会展品中，一件法国人设计的灯具，其反锁程度酷似一座建筑纪念碑，指甲用贵金属做成，上面是有人物雕饰，与法国帝国时期的设计风格十分相似，展出的家具也极力追求装饰色彩，在结构上满足一定功能上的需求，极力寻求特别的装饰展示效果，而忽视了真正的需求。

    综上所述，中国的设计行业和设计教育只有在现代性市场，科技等多方面充份的与真正的大众沟通，尽快培养起一个接纳设计的社会环境，才能毫无羁绊的实现设计为人民服务这一个永恒的梦想。

从一些其他国家的经验来看，一些生活里的实用品、纪念品的设计和制作过程都可以从传统工艺中汲取灵感，并进行融合。例如日本迪士尼曾经与传统手工艺者合作推出雕刻有精美图案的纪念工艺品，德国塞芬镇的经典玩具“胡桃夹子”采用全流水生产线，进行了更多样化的设计，受到了更广泛的欢迎。
　　“振兴传统工艺，就一定要让它适应和影响现实生活，而不是与现实生活相脱离。”中国社科院哲学研究所研究员李河指出，如今，人们的生活方式变化迅速，这就需要让传统和现代结合起来，让传统工艺文化融入生活中，融入现代工业生产之中，推动传统工艺的现代转型升级。
　　一方面，现代科技手段可以促进对传统工艺文化的保护。截至2016年底，全国各试点地区已经向中国非物质文化遗产保护中心提供了非物质文化遗产的文字、图片、视频等数字资源26307条，通过数字化方式进行保护。另一方面，我国博大精深的传统文化为现代工艺品的生产提供了创意来源，在人们追求个性化和品质化生活的今天，融入传统元素设计的手工艺制品受到更广泛的欢迎，具有很大的发展空间。 　 传统工艺通过与当代艺术、当代设计的深入互动、平等合作，将以新的面貌进入国际文化舞台，展现中国的文化形象，这也需要一批兼具民族文化特色和时尚潮流特色的传统工艺品牌，形成一批具有国际竞争力的传统工艺企业，促进中国文化企业更好地“走出去”。

赖特的著作《建筑的未来》(1953)虽然比中国春秋末期老聃的《老子》晚出不下两千多年，但他独特的设计语言、深刻的东方文化体验和宏博的理论架构使他在中国古代设计思想研究史上占有一席重要的地位。1908年，赖特在《建筑范例》月刊上首次提出了他的有机建筑概念，以追求建筑的实在——内部空间的真实表达为终端，通过对整体性的探索，最终找到以连续性和可塑性的结构实现整体性的具体途径。赖特在阐释其建筑概念和原理时，曾多次谈到中国的老子，他说：“据我所知正是老子，在耶稣之前五百年，首先声称房屋的实在不是四面墙和屋顶，而在于内部空间。一个全新的观念进入了建筑师的思想和他的人民生活之中。这个观念精确地表达了曾经在我的思想和实践中所抱有想法。原先我曾自诩自己有先见之明，认为自己满脑子装有人类需要的伟大预见，但我终究不得不承认，我只是后来者。几千年前就有人作出这一预言。
征服赖特大师的，是这么一段话：
“三十幅共一毂，当其无，有车之用。埏埴以为器，当其无，有器之用。
凿户牖以为室，当其无，有室之用。故有之以为利，无之以为用。”(《老子》十一章)
三十根辐条汇集到一根毂中的孔洞当中，有了车毂中空的地方，才有车的作用。揉和陶土做成器皿，有了器具中空的地方，才有器皿的作用。开凿门窗建造房屋，有了门窗四壁内的空虚部分，才有房屋的作用。
老子把文章凝炼到了最大限度，“有"与“无"是其哲学中两个关键的概念。由“有之以为利，无之以为用”，推衍到“天下万物生于有，有生于无”(《老子》四十章)，即是老子思想体系中至关重要的命题。

大数据在艺术设计中的应用正在逐渐变得广泛，通过对海量的数据进行分析、查询，让艺术设计工作变得更加明确，促进了设计的发展。无论是动画、环境艺术设计、广告设计，都需要了解大数据的作用，提升艺术设计的效果。

二、大数据概述

（一）大数据概念和特征

大数据是一种信息得存在形式，利用网络得大量信息来进行数据的收集和整理。大数据技术的特点在于多元化，而且时效性强。在对大数据进行分析时，需要对信息进行整理，过滤掉冗杂的信息，并且将信息分门别类，这样就能够获得有价值的数据结果[1]。大数据一般会涉及到很多不同的数据类型，无论是社会关系、商业往来，都能够通过大数据进行充分的分析。但是同时，由于数据量过大，倒是大数据的信息密度相对比较低，需要使用相应的技术进行处理，才能够保证大数据的作用。所以，大数据的时效性很强，但是过于陈旧的数据则并不能够满足使用者的信息处理要求。

（二）大数据在艺术设计中的作用

直观上来讲，大数据和艺术设计之间的关系不大，但实际上，利用大数据可以对艺术设计带来很好的帮助。首先，通过对艺术设计的信息进行整理，就能够避免在设计的时候出现信息孤岛的情况，保证艺术设计者可以获得时效性比较强的专业信息。其次，由于艺术设计类专业本身就具有很强的交叉性，利用大数据来对各行各业进行了解，有利于明确设计的方向。对于艺术设计者而言，通过大数据也能够了解艺术设计专业的信息构成，从而满足艺术设计的需求，还可以针对实际情况建立信息数据库，了解市场对于艺术设计需求的变化。

三、大数据在艺术设计中的特点

（一）更加智能化

计算机系统的不断能发展，智能化水平在不断提升，使得人工设计作业的方式被逐渐代替。艺术设计上，利用计算机技术能够提升设计精度，可以更好地满足画面和美感的需求[2]。在计算机技术应用下，艺术设计中的一些复杂的环节，可以用计算机技术来解决，比如对于一些重复出现的图案、模型设计等等，通过计算机技术都能够获得比较高的设计效率。而且，简化的设计流程也能够保证设计过程的简化，缩短设计周期。

（二）促进艺术的创新

计算机技术的应用体现出了很多方面的优势，尤其是艺术创新得到了明显的加强。创意是艺术设计价值的基础，只有不断融入新的创意，才能够让艺术设计有更好的效果。很多时候，设计师需要考虑设计是否具有可行性，能够融入全新的内容。大数据技术能够让设计师获得足够的参考，对可行性做出更为合理的判断，发现在原有设计当中存在的问题，让设计结果被直接呈现出来。

从20世纪末至今,人们虽把产品设计以人为本的想法逐步提升到了前所未有的高度，但对产品设计以人为本理念的时代内涵、科学体现以及未来发展等问题却一直在争议之中。

　　一、以人为本的产品设计理念的时代内涵

　　以人为本就是以最广大人民的根本利益为本,最广大人民的根本利益说到底就是人民生活水平、生存质量、幸福指数的不断提升。这一指导思想贯彻到产品设计中,便赋予以人为本设计理念新的内涵,这就是设计的主题要从人们的需求出发,遵循实用、经济、美观的基本原则,以造物的实用价值的实现为基点,创造出最适合人们实用需求和精神文化需求的产品,使产品真正体现出对人的关怀和尊重。同时强调人、产品、社会、环境之间相互依存、互促共生的关系,为人类创造健康、和谐、可持续的美好生活。

　　二、以人为本的产品设计理念要体现注重人性实用需求的功能

　　以人为本的产品设计理念,首先体现在要使产品的设计在功能上适合一般人的生理心理需求的特点,创造出从目前讲最适合人性需求的物品,使人能够在舒适和便捷的条件下工作和生活。这种人性化的产品设计成功与否的一个重要指标是要达到产品与人和谐的配合,这是一种人文精神的体现。评价一个以人为本的设计作品,首先要看它在使用上是否方便、舒适、可靠,还有价值、安全性和效率等方面。这就要求在设计中必须考虑使用者的生理、心理因素,具体可从以下方面评价:

　　(1)产品的造型与人体的尺寸、形状及用力方式是否配合;

　　(2)产品的造型是否顺手和好使用;

　　(3)是否可以防止使用者操作时的意外伤害和误操作时产生的危险;

　　(4)各操作单元是否实用;各元件在安置上能否使其意义毫无疑问地被辨认;

　　(5)产品是否便于清洗、保养及维修。

　　(6)产品的价格是否合理,能否被人接受。从上述原则可看出,人性化设计要正确对待人、适应人、尊重人的能力限度,只有符合人的感知和使用需要,才能真正体现出设计对人的尊重和关心。

　　其次,以人为本的产品设计更要重视老人、儿童和残障者的特殊需求。人性化设计是注重不同层次人性需求的设计,所以要倾情关注特殊人群。老少残障者群体属于社会的弱势阶层,在生活中他们随时会面临困难和危险,比如外出就会遇到很多、很大的不便。设计师要把这些弱势群体的不便和风险纳入公共环境和公共设施的设计中,让他们充分感受到了世界的温暖、人类的爱心和物与人的和谐亲近。这就是当前呼声很高的无障碍设计,反映着一个国家的文明程度。
　　三、以人为本的产品设计理念要体现注重人对精神层面的需求

　　一个成功的产品设计,除了功能上满足人性实用需求外,还要通过设计的形式要素――造型、色彩、装饰、材料等的变化来实现精神文化的人性化设计。

　　首先,产品造型的人性化设计。产品设计中的造型要素是人们对设计关注点中最重要的一方面,设计的本质和特性必须通过一定的造型而得以明确化、具体化、实体化。有人称设计为“造型设计”,虽然有失偏颇,但一定程度上说明了造型在设计中的重要性和引人注目之处。

　　其次,产品色彩的人性化设计。在设计中色彩必须借助和依附于造型才能存在,必须通过形状的体现才会有具体的意义,当色彩一经与具体的造型相结合,便具有极强的感情色彩和表现特征,具有强大的精神影响。针对不同的消费群和不同的使用场合,颜色的选择非常的重要。

　　再次,产品名称的人性化设计。借助于语言词汇的妙用,给设计物品一个恰到好处的命名,往往会成为设计人性化的“点睛”之笔,可谓是设计中的“以名诱人”。一种好的设计同样需要好的名字来点化,诱使人去想象和体味,让人心领神会而怦然心动,激发购买欲望。

　　最后,是产品材料的人性化设计。产品材料的人性化设计对于当今绿色设计和环保设计非常重要。选择可以再循环利用和便于加工处理的材料为当务之急,我们要合理利用人类有限的资源,做到:一是设计能改善的产品;二是设计可再生利用的产品;三是采用低能耗生产的材料;四是采用提高生活质量的健康环保材料。

　　四、科学发展观指导下的以人为本设计的未来

　　科学发展观指导下的以人为本的设计,不是片面强调以人为中心,其核心是要体现人、产品、社会、环境之间相互依存,互促共生的关系,这是设计发展的未来方向。

　　这种设计要求设计师具有系统和统筹兼顾的观念,从大环境中进行设计定位,以节约资源、保护生态和预防污染、保护环境为指针,将重点放在产品设计的创新层面,运用创造性、新思维和富于想象力,以一种更为负责的方法――绿色设计,去创造新的产品,在满足产品基本功能的条件下,尽量简化产品结构,用更简洁、长久的造型使产品尽可能地延长使用寿命,使设计更加完美。

　　一定意义上讲,产品设计的未来就是人类的未来。当代人已经进入节能、环保、“低碳”产品时期,设计更应当是可持续和健康发展的,是创造人类艺术化美好生活的,这是产品设计的未来趋势,也是设计人的责任。

“艺术必须出自于大自然，因为大自然已为人们创造出最独特美丽的造型。”——安东尼·高迪奇幻的脑内世界通过表现力极强的建筑缔造于现实世界中。来源于对大自然的崇拜，建筑师安东尼·高迪在西班牙这片宽宏的地上创造出属于自然而又神秘的异世界，带给后人们无比浪漫的能量。
高迪的出生于西班牙处在欧洲西南角的伊比利亚半岛，中世纪时曾被阿拉伯伊斯兰帝国占领，因此，哥特式基督教艺术和阿拉伯伊斯兰艺术在这里融合，形成了西班牙近代艺术的独特风格，呈现出强烈的表现主义色彩。20世纪著名的个性化艺术家毕加索、诺埃米、达利等也诞生于这块土地。
安东尼·高迪的设计生涯经历了三个阶段：阿拉伯摩尔风格、新哥特式和新艺术风格的混合、以及有机风格。早期作品具有强烈的阿拉伯摩尔风格特点，刚从巴塞罗那的建筑学校毕业的第一个建筑是文森公寓，屋主是瓷器制造商，高迪运用了许多瓷砖铺在屋子的里里外外，处处体现陶瓷的色彩之美，花鸟元素也开始出现在装饰中。后来受到“工艺美术”运动和“新艺术”运动的影响，高迪的设计开始具有新艺术运动的风格，哥特式风格也更加明显，这一时期主要代表作是圣特雷萨斯修道院、卡勒基修道院。
高迪32岁之后，他的设计风格开始成熟，逐渐摆脱了单纯的哥特风格的影响，开始逐步走出自己的风格道路。他的新风格具有有机的特征，同时又带有神秘的、传统的色彩，不少装饰图案都有很强的象征性。为卡尔维家族设计的巴塞罗那住宅是其风格转变的转折点。此转变使他更加具有人性，而不再单纯模仿时尚风格。这时期的代表作有居里公园、圣家族教堂、米拉公寓等。米拉公寓是“新艺术”运动有机形态、曲线风格发展到最极端化的代表作品。完全采用有机主义特点，无论是外表还是内部，包括家具在内，都尽量避免采用直线和平面，整座建筑好像一个融化时的冰激淋，采用混凝土模具成形，全力造成一个完全有机的形态，内部的家具、门窗、装饰部件也全部是吸取植物、动物形态动机的造型，“新艺术”运动对于机械的强烈反感、以及巴塞罗那人对于形式的大胆探索、对于新风格的高度容忍、高迪的丰富想象力和创造力，都可以从这个项目中看到。

威廉莫里斯是工艺美术运动最重要的代表人物，是英国设计师，诗人和社会主义者，主张重新发扬工业化之前的中世纪英国社会精神。莫里斯参观伦敦1851年世界博览会时，对于工业化造成的产品丑陋后果感到震惊及其厌恶，伦敦世界博览会以后，他一直希望能够通过自己的努力扭转这事情颓败的状况，恢复中世纪产品设计考究，工艺精湛的局面，他通过自己的设计实践促进了英国和世界的设计发展，莫里斯是一位重要的设计先驱，但严格而言，他并不是现代设计的奠基人，因为他的探索点恰恰是要取消工业化。恰恰是要否定现代设计赖以生存的基础。
他一方面否认机械化工业风格，另一方也否认过度装饰的维多利亚风格，他认为只有哥特是中世纪的设计才是真挚的设计，其他的设计风格如果不是丑陋的，也是假如造作的不真实的，应该否定推翻。他认为只有复兴哥特是风格和中世纪的行会精神，才可能挽救设计的精神，保持民族的民俗的高品位的设计。在设计中唯有中世纪的，哥特的，自然的这三个来源可以依赖同屋的成功，是莫里斯深感社会上对于好设计的设计需求，他望能够为大众提供设计服务，为社会提供真的好的设计，反对维多利亚风格的垄断，纠正当时设计中流行的矫揉繁复与来势汹汹的工业化风格。
他进一步提出设计的民主思想，“我不希望那种只为少数人的教育的自由，同样也不追求为少数人服务的艺术，与其让这种为少数人服务的艺术存在，倒不如把他们打扫除掉来的更好。”他反复强调设计的两个基本原则，一，产品设计和建筑设计是为千千万万人服务的，而不是为少数人服务的。二，设计工作必须是集体的活动，而不是个体的劳动，这两个原则都在后来的现代主义设计中发扬光大。
威廉莫里斯的思想是矛盾的，他既主张好的设计，因为大众服务，但对真实的能够实现大众化的工业化生产，反对对服务少数人的手工艺时期的风格的赞同，显然是不合理的，所以他并不是一个真正意义上的现代设计奠基人。

水晶宫对中国设计的启示。

    随着设计的不断发展，从自然辩证法的基本原理看，中国的现代设计由于国际现代主义设计的影响，存在着一定的弊端和问题，怎样看清这些问题的本质，并在允许条件范围内解决他们使我们需要关注的重点。
     现代设计在西方发展了一百多年，但在中国发展的时间较短，中国现代设计理念比较薄弱。现行的相关设计理论正处在被探索阶段，西方设计对中国现代设计具有积极的借鉴意义。水晶工作为现代设计的开端，无疑对以后的现代设计起着非常重要的影响意义，水晶宫突破了传统建筑观念，新技术，新材料是传统形式美的法则失效，开辟了建筑新纪元。反观中国，当今中国的设计与150年前的英国设计不可同日而语，但在物质财富增长的同时，中国的设计环境更趋向水晶宫时代的英国。其影响主要表现在以下几个方面：

一，形式服从功能，充斥商业化痕迹

    现阶段，大量的设计创新长期停留在产品外观样式或服务表现形式等较浅层面，欠缺设计原型与生活方式模型对于产品功能结构与体验方式的深层次研发和创新。如同水晶宫设计者约瑟夫帕克斯顿设计的玻璃花房设计，只是为了迎合当时的实际需要和投资者意图。设计者更多功夫花在了夺人眼球而非实际项目和客户需求的问题；多数设计从业者是为了商业去设计的问题等等。这需要我们完善现代设计体系，一方面，是要提高制造企业在设计的知识管理与技能管理层面水平，使现代设计的流程与方法在企业的产品研发、生产和服务过程中得到广泛运用；另一方面，是要加强自主设计原型与生活方式模型研究对设计创新质量的有效支撑。

二，注重产品效果，忽视调研需求

    如果要给设计思维下一个定义的话，设计思维作为一种思维方式，被普遍认为具有综合处理能力的性质，能够理解问题产生的背景、能够催生洞察力及解决方法，并能够理性的分析和找出最合适的解决方案。其实当我们在构思一个设计时，所作出的所有准备工作和思维方式就是所谓的设计思维。设计思维不是凭空而来的，而是从传统的设计方法论中演变而来。所以最简单的设计思路大概分为四步：第一步：设定需求。第二步：头脑风暴。第三步：原型设计。第四步：展示效果。上述四步设计思路，正是大部分国内院校做设计的时采用的一种思路。简而言之，就是根据问题点想创意，做出模型就大功告成。
    但是这样的设计思维漏洞非常大。比如，前期的调研不够透彻，只看到了问题点，想办法去解决，可能解决了当下问题的同时却创造了更多的问题。如水晶宫博览会展品中，一件法国人设计的灯具，其反锁程度酷似一座建筑纪念碑，指甲用贵金属做成，上面是有人物雕饰，与法国帝国时期的设计风格十分相似，展出的家具也极力追求装饰色彩，在结构上满足一定功能上的需求，极力寻求特别的装饰展示效果，而忽视了真正的需求。

    综上所述，中国的设计行业和设计教育只有在现代性市场，科技等多方面充份的与真正的大众沟通，尽快培养起一个接纳设计的社会环境，才能毫无羁绊的实现设计为人民服务这一个永恒的梦想。

设计与艺术的关系
艺术创作是一种精神活动，通过夸张等等手法对现实的再加工，是情感和审美的统一。而设计与市场经济紧密联系，需要创作者具备一种理性思维，要考虑策略的实际可行性，设计出来的产品要具备实用性和市场竞争性。因此设计除了需要一定的审美能力外，还需要具备一定的实用性。设计是功能和审美的产物。然而尽管艺术和设计的本质不同，但是它们之间却总是存在千丝万缕的联系:设计需要艺术的启发，艺术需要设计的表现能力。除此之外两者之间最大的联系还在于对“美”的需求和呈现--各种对立统一的形态，让设计和艺术更具层次感，不仅艺术上能够得到更好的情感表现，设计上也能够使功能和美感组合得更加融洽和完美。
设计对艺术产生重要的影响
1.设计通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想象中实现审美主体和审美客体的互相对象化。具体说，它是人们现实生活和精神世界的形象反映，也是艺术家知识、理想、意念等综合心理活动的有机产物。
2.设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。设计能使多种视觉元素如线条、形体、色彩、色调、质感、光线、空间等有机结合在一起它涵盖了艺术的表达、交流以及所有的结构类型。
艺术推动设计的发展
3.设计又称为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必须具备相应的艺术含量。从古至今，设计的艺术追求都是通过设计产品体现出来的。设计的艺术手法主要有:借用、解构、参照、装饰和创造等，不同设计产品体现着多元化的艺术。
4.设计虽然超过了纯艺术，和科技、工艺、市场、消费等因素紧密的结合在一起，但它与艺术创作并不能截然分开，设计师的设计至始至终总是要考虑到具体设计对象，根据生产技术条件和制作工艺而进行创造性工作，这个创作过程始终与审美发生联系，存在于设计、生产和制约的全过程。
5.艺术也推动着设计的发展。艺术变革为现代设计的发展开辟了道路:艺术家参观艺术研究投入设计实践，可以推动设计进步;设计师关注艺术，投入艺术研究也可以推动设计进步设计师与艺术家合作则更有可能推动设计进步。